Le cinéma de Bastien

Panic à Florida Beach (Matinee)

2012-01-27T12:38:00.000+01:00

Ceci est un texte hommage envers un blog défunt ; voir à la fin du texte.

Connaissez-vous Joe Dante ? Evidemment, ce n’était qu’une formule rhétorique. Le papa des Gremlins et des Small Soldiers n’est définitivement plus à présenter, en particulier sur ce blog. Mais connaissez-vous Panic sur Florida Beach ? Ouais, je me disais aussi…

Le film raconte comment une bande de morveux fans de films d’horreur décident d’aller voir le dernier film de Lawrence Woolsey, le pape de la série B. Tout cela prend place dans un contexte bien précis : en pleine crise de Cuba, quand ce brave Fidel Castro menaçait de chatouiller à coup de bombes atomiques les côtes américaines.

Joe Dante… Le roi de la subversion, l’empereur de l’ironie, le génie du cynisme. Eh ben que dalle : Panic sur Florida Beach est un teen-movie gentillet et prévisible, pas très bien interprété de surcroît, hormis par un John Goodman en mix improbable entre Hitchcock, Val Lewton et Orson Welles. C’est d’autant plus dommage que le film à l’intérieur du film, Mant !, lui, fleure bon le délire rendant hommage aux séries B et Z, celles de Jack Arnold surtout. On est bien loin de Dr Folamour quant au contexte, et de Tim Burton (Ed Wood et Mars Attacks !) pour le clin d’œil appuyé. Sauvons toutefois une séance de cinéma comme on aimerait en vivre, qui n’est pas sans rappeler pour ceux qui l’ont connu l’attraction Chérie j’ai rétréci le public à Disneyland Paris, où l’interaction entre le film et le spectateur se fait à grand coup d’effets machiniques. Un hommage sincère, sans doute, mais un peu faible, surtout quand on connaît le talent de Joe Dante pour transcender un film de ce genre.

En bref, j’ai un peu l’impression que Joe Dante passe à côté de son sujet, sans doute plus par crainte économique que par volonté artistique : à vouloir plaire au plus grand nombre, le cinéaste se fourvoie dans quelques clichés dispensables, même si on a vu bien pire en la matière. Ce n’est pas un mauvais film, soyons clairs, mais un peu plus de subversion, comme justement Small Soldiers ou les Gremlins, n’aurait pas fait de mal, d’autant que tout le talent de Dante est visible dans le film au sein du film, Mant !. Un film un peu frustrant, vu son potentiel, mais qui se laisse néanmoins regarder si l’on n’est pas trop exigeant.

Note : **

Vous pouvez retrouver cet article, et une centaine d’autres bien plus passionnants, sur le blog de Sam http://thegreatmoviepictureshow.over-blog.com, qui vient malheureusement de fermer ses portes faute de visites… C’est un excellent blog, mais fort heureusement son tout aussi excellent rédacteur migre vers d’autres horizons qui s’annoncent fort sympathiques eux aussi. Rendez-vous sur son blog pour en savoir plus ! See you, Bloody Sam.

Tuer ! (Kiru)

2011-12-08T00:01:00.003+01:00

Pour être franc, Kenji Misumi est un cinéaste qui m’était totalement inconnu avant de découvrir Tuer. Il est pourtant l’auteur de deux séries assez connues au Japon et par les amateurs de films de sabres nippons : Baby Cart et surtout Zatoïchi. C’est pourtant par sa trilogie de la Lame que j’ai voulu débuter, et Tuer en est le premier volet.

La première chose qui frappe, et ce de manière assez évidente, est le véritable travail de mise en scène qu’effectue le cinéaste tout au long de son film : composition des plans, cadrages, effets de montage, mouvements dans l'image et déplacements des acteurs semblent ainsi correspondre à autant de tableaux et que des chorégraphies diverses. Pour être plus précis, le film fait penser fréquemment à des estampes japonaises mais aussi au théâtre du kabuki, dans cet art de figer les corps dans l’espace. Raizo Ichikawa, l’acteur principal, excellent au demeurant, est lui-même issu du kabuki.

Plus d’une fois, Misumi fait preuve d’une certaine modernité dans son travail plastique, mais celle-ci est également soutenue par une noirceur que Misumi assume totalement. La figure du Destin semble être le moteur du récit, le pauvre héros étant condamner à vivre et (faire) périr par le sabre qu’il porte constamment sur lui.

Autant le dire, Tuer n’a rien de franchement drôle, et ne possède même pas un quelconque second degré. C’est d’autant plus problématique qu’en réalité, le film manque cruellement d’audace, tant sur la narration que sur le scénario, inabouti (malgré le fait qu'il soit signé Kaneto Shindo) où les séquences s’enchaînent tant bien que mal, et où la profondeur du personnage n’est jamais réellement exploitée. Il s’agissait pourtant d’un bon sujet, à la fois typiquement dans la veine du genre du film et susceptible de devenir universel. Mais il n’en est rien.

Une semi-déception donc, tant le potentiel du film est palpable mais inexploité, laissant place à une œuvre peu convaincante ; il faut dire qu’on a déjà vu bien mieux en terme de film parlant de ronin, et surtout bien plus captivant et palpitant.

Note : **

Fucking Kassovitz

2011-12-05T00:01:00.004+01:00

Après la Nuit américaine de Truffaut, le Cauchemar américain de Mathieu Kassovitz.

À l'instar d'un What is Brazil (le making of du film de Gilliam), Fucking Kassovitz souligne point par point comment un projet alléchant et ambitieux est devenu une série B à peine regardable. Producteurs frileux, équipe technique bancale, acteur arrogant et antipathique, restrictions de budget, prise de contrôle par les Américains, retouches de scènes sans tenir compte du scénario : rien n'a été épargné à Kassovitz, qui sort un peu du film comme la pauvre victime. Certes, il l'est, mais dans une certaine mesure seulement : l'intelligence de François-Régis Jeanne est de laisser, au détour de 2-3 séquences, le spectateur se faire son opinion sur la part de talent de Kassovitz et la part de son ego et de son arrogance.

Au final, tout le monde a tort, certains plus que d'autres. Plus chanceux que Gilliam sur The Man who killed Don Quixotte mais moins talentueux que lui sur Brazil, Kassovitz n'a pas su empêcher le naufrage de son second bébé américain, la faute à une difficulté non pas tant de communication mais de résistance artistique parfois justifiée et parfois surfaite.

Sublime et éloquent quant au fonctionnement du cinéma américain une fois qu'un Européen y tente sa chance.

Note : ****

On connait la chanson

2011-12-02T00:01:00.001+01:00

Le principe est simple : un film, d’apparence classique, avec une multitude de personnages, qui occasionnellement de ne s’exprime plus par leurs propres voix mais avec des chansons françaises populaires. Le premier film blind-test de l’histoire du cinéma ?

L’idée prête à sourire, mais réduire Alain Resnais à un auteur de films conceptuels serait une grave erreur. On connaît la chanson n’est pas un prétexte à enchaîner sans trop de lien diverses chansons qui n’ont pas toujours beaucoup de points communs (on passe quand même de Téléphone à Léo Ferré par exemple…) : chez Resnais, même si les transitions ne sont pas toujours des plus limpides, il faut au moins reconnaître qu’elle ne supplantent pas le récit, s’intégrant en lui avec plus ou moins de succès et fréquemment une bonne dose de dérision. Car c’est bien de cela qu’il s’agit : si le film reste avant tout une comédie profondément dramatique, Resnais accentue le mot « comédie » par un second degré permanent, les chansons étant employées de manière cynique et avec une pointe d’ironie jubilatoire. En outre, le procédé ne lasse pas car il n’est pas utilisé avec abus.

Evidemment et comme bien souvent chez le Resnais de ces dernières années, le casting y est pour beaucoup dans la réussite du film : rodés au cinéaste, au genre ou tout simplement à leur métier, les acteurs sont suffisamment dynamiques pour faire passer le film, et les têtes d’affiche viennent forcément emporter le morceau, notamment Jean-Pierre Bacri en loser qui refuse de l’admettre et André Dussolier en quinqua amoureux comme un ado. Meme Agnès Jaoui, avec laquelle j’ai beaucoup de mal, ne m’a pas déplu, c’est dire.

Dommage par conséquent que malgré sa vitalité, le film n’est pas totalement convaincant : la faute à une histoire qui n’est pas un peu plus riche en événements, les séquences étant souvent tirées en longueur et quelques coups de mou n’aidant pas les choses. Dans l’ensemble, rien de grave, tant le film reste avant tout plus divertissant qu’autre chose, même si Resnais ne renie jamais totalement sa veine expérimentale, sur le son ici mais aussi sur le visuel (ces plans de méduses). Resnais, à la fois auteur audacieux, intellectuel et populaire.

Note : ***

Les Chaussons Rouges (The Red Shoes)

2011-11-29T00:01:00.001+01:00

S’il est un nom inévitable quand on parle de cinéma britannique, c’est bien celui de Michael Powell. Et s’il est un nom indissociable de celui de Powell, c’est bien celui de Emeric Pressburger : il faut dire que ce duo est responsable de certains des plus beaux (et meilleurs) films des années 40, parmi lesquels Les chaussons rouges tient une place de choix.

Pourtant, le film démarre relativement mal : très lent, le premier quart d’heure est franchement dispensable (au final, quel intérêt que le jeune compositeur ait vu sa partition plagiée ?) et il faut bien admettre que Marius Goring n’est pas le plus attrayant des jeunes premiers. Il faudra bien attendre 40 minutes avant que le film n’entre dans sa toute grande puissance formelle et narrative. C’est alors qu’intervient le morceau de bravoure du film : la séquence du ballet, conséquente, qui est un véritable chef-d'oeuvre à elle seule, à la fois pure mise en scène théâtrale et pure mise en scène cinématographique réunies. On y retrouve à la fois la caméra frontale et les surimpressions, les points de vue scéniques et les effets de montage. Powell s’amuse visiblement à étaler tout son savoir faire, à montrer comment transcender un numéro de danse en un grand moment de cinéma. Il faudra attendre la fin du film pour retrouver une élégance et une intelligence égale, où le cinéaste fait preuve d’une habilité aux cadrage et montage tout à fait remarquable.

C’est aussi à ce moment-là que Moira Shearer, pas très convaincante en jeune épouse déchirée, devient convaincante en danseuse assoiffée de gloire, dominée par ses envies irrépressibles de danser. Pourtant, c’est bel et bien Anton Walbrook dans le rôle du "méchant" et véritable héros du film (belle audace pour l'époque) qui emporte le morceau, une de ses crapules ambiguës, dont on ignore encore au final ses véritables motivations, le véritable sens de sa jalousie : amoureuse ou artistique ? Car c’est aussi ça la réussite du film de Powell et Pressburger, ces non-dits, ces mystères qu’on ne résout pas, ce flirt entre l’explicatif et le mystérieux (le film frôle presque le fantastique sur la fin d’ailleurs).

Force est de constater que, malgré une demi-heure en trop à mes yeux, Les chaussons rouges s’apparente à ce qu’on appelle communément un chef-d’œuvre, ou tout du moins s’en approche-t-il grandement : il y a certes des défauts, des petites lacunes, de légères rides de ci de là, mais c’est globalement un grand film où le Technicolor le dispute à une inventivité de mise en scène loin d’être négligeable. Un classique qui mérite son nom.

Note : ****

Mondo Plympton

2011-11-12T00:01:00.000+01:00

Dans le monde du cinéma d’animation contemporain, où tout est de plus en plus formaté selon une série de critères esthétiques et commerciaux (aussi bien Dreamworks que Pixar, Disney ou Sony), il existe encore quelques irréductibles indépendants qui n’ont cure des codes préétablis, du numérique à tout va ou de la soif de notoriété. Parmi eux, Bill Plympton est sans doute le plus connu et, disons-le, le plus radical.

Au moins, le titre est honnête : Mondo Plympton est avant tout l'occasion de découvrir l'univers du cinéaste. À travers une série de courts métrages, c'est tout un style visuel et un humour absurde, surréaliste et profondément noir qui émerge. Bien qu’ils soient inégaux, les courts présents ici sont autant de pierres portées à l’édifice d’un cinéma violent et dérangeant, résolument borderline, forcément adulte. Il y a dans Mondo Plympton par exemple une fascination pour les visages torturés, pour la distorsion, pour le sexe, la violence et le gore. Plympton s'amuse à jouer soit du contrepoint soit de l'interprétation excessive de phrases toutes faites, d'expressions ou de proverbes. Le réalisateur ne s’embarrasse guère d’une quelconque histoire : il préfère partir d’un mot, d’une phrase pour ensuite en tirer un délire visuel total et souvent délicieusement glauque. Énumérer les blagues morbides, les gags glacials et les chutes décalées ne serait pas rendre justice à tout un travail sur le lien entre l’image et le texte ou le son. Bien sûr, c’est un humour à part, pas forcément appréciable par tous, donc prudence. Je dois bien admettre que par moments, la longueur s’est un peu fait sentir, notamment sur les courts métrages les plus longs (évidemment), ce qui me laisse un peu dubitatif quant à la découverte d’un vrai long métrage de Plympton…

L’animation, à l’instar des gags, n’est pas non plus visuellement des plus attirantes : d’apparence brouillonne (le trait au crayon n’est pas toujours soigné), elle exprime surtout un côté « fait main », artisanal justement pour se démarquer des productions standardisées mais aussi, sans doute, pour rappeler le passé BD du cinéaste. À y regarder de plus près, l’animation est surtout d’une fluidité étonnante, Plympton jouant énormément des métamorphoses continues comme dans Your Face ou Nosehair. La force de Plympton est aussi d'avoir des idées fulgurantes mises en images tout aussi éphémères : Plympton ne travaille pas ici sur le long terme mais, a contrario, sur des images chocs qui marquent les esprits (un baiser qui se transforme en décapitation, un sumo tombant du ciel, etc.).

Bill Plympton, ce serait donc un peu comme si Tex Avery était né dans les années 50, ayant grandi avec l’explosion de la censure et une série de cartoons pour adultes type Fritz the cat et Tarzoon la honte de la jungle, débarrassé des contraintes des studios. Vous imaginez le résultat ? Si pas voyez Mondo Plympton, ce sera beaucoup plus… explicite.

Note : ***

Contagion

2011-11-09T00:01:00.000+01:00

On est en droit d'en penser ce que l'on veut, mais Soderbergh a au moins le mérite d'essayer de nager à contre-courant. L’ennui avec lui, c’est qu’à force de vouloir toucher à tout, de vouloir tout essayer, il fait un peu « à la va-vite » ses films ; par conséquent, soit le résultat est correct, soit décevant comme ce Contagion.

Entendons-nous bien : le film n’est pas un échec sans nom. Je dirais même que le film bourré de bonnes idées et qu’il a de bonnes intentions (parfois trop, à l'image de cette conclusion écologique), sans oublier un casting cinq étoiles vraiment sympa. L’intérêt de Contagion, c’est que Soderbergh ne met pas tellement en avant l'apocalypse bactérienne mais ce qui l'entoure, à l'échelle à la fois de la société et de l'individu. Il y a bien sûr ces scènes de rues barbares où pillages font loi, mais les séquences les plus intéressantes du film sont probablement celles où un personnage hésite à toucher un objet, où un père craint pour sa fille si elle embrasse son petit ami, où un médecin panique en découvrant qu’elle a les symptômes de la maladie. Contagion fonctionne par détails disséminés dans la masse, des êtres communs confrontés à un fléau mondial, sans échappatoire ni même espoir. En ce qu’il montre le paroxysme de la paranoïa et le déclin de l’être humain face à un ennemi qu’il ne peut vaincre, Contagion est réussi.

Hélas, le film est aussi rapide que le virus qu'il évoque : tout est survolé, parfois bâclé, voir même frustrant (Gwyneth Paltrow, 5 minutes à l'écran, Kate Winslet 10...). Soderbergh, comme trop souvent, possède un sujet en or mais aux multiples facettes, et ne parvenant pas à se décider il essaie un peu tout. C'est franchement dommage car du coup, cette superficialité et ce manque de gestion du temps finit par occulter la forme du film, à savoir une ambiance soignée, alimentée par une soundtrack signée Cliff Martinez décidément très bon. L’attachement aux personnages en pâtit aussi puisqu’ils apparaissent trop aléatoirement et trop peu de temps (exception peut-être de Matt Damon et Laurence Fishburne).

Contagion est donc comme une jolie coquille vide, qui à trop vouloir aborder tout en même temps n’approfondit rien et rend le film un peu superficiel malgré son potentiel. Qui trop embrasse mal étreint.

Note : **

Les marches du pouvoir (Ides of March)

2011-11-06T00:01:00.007+01:00

Les (bons) acteurs qui deviennent de bons réalisateurs, c’est plutôt rare. Bon en fait, on peut les compter sur les doigts de la main. Mais il faut depuis quelques années ajouter à la liste ce brave George Clooney, cette espèce de Cary Grant des temps modernes, qui non seulement a de l’humour, joue bien mais en plus réalise des films de plus en plus aboutis.

Avec son quatrième film, Clooney laisse entrevoir des thèmes et un style récurrent. Tout d’abord, il y a une fascination pour les faux-semblants, pour la manipulation et pour la guerre psychologique. Ides of March est à l’instar de Good night and good luck une lutte pour le pouvoir via les médias, une bataille sans merci que se livre des pros de la communication en pleine période électorale. En réalité, tout est dans le titre : dans la langue anglo-saxonne, « Ides of March » désigne le moment où Jules César fut poignardé par son fils adoptif Brutus (Shakespeare mets d’ailleurs ce moment en scène dans Julius Caesar) ; Les Marches du pouvoir, c’est donc une histoire de complots, de trahison mais surtout de lutte entre une figure paternelle (Clooney mais aussi Philip Seymour Hoffman impeccables) et la relève, la véritable star du film malgré un casting impressionnant : Ryan Gosling. Vu l’année qu’il vient de vivre (Blue Valentine, Drive), ce serait bien le diable si son talent n'était pas récompensé aux prochains Oscars. Il incarne ici cette merveille de jeune arriviste qui grimpe trop vite les échelons, dont l’idéalisme va être chamboulé par la réalité de la politique.

Rarement auparavant Clooney se sera montré aussi virulent et, surtout, cynique dans son propos. Sans compter que, subtilement, quelques indices laissent apparaître derrière le personnage du gouverneur Barack Obama ; Clooney serait-il déçu du mandat démocrate écoulé ? Ce n’est pas tellement le plus important, tant le réalisateur propose un vrai film de cinéma à la manière des thrillers politiques des seventies : une caméra stable et souvent fixe, avec un soin tout particulier apporté à l’ambiance via les lumières, les décors et surtout la musique signée de l’incontournable Alexandre Desplat. Esthétiquement, on pense souvent au documentaire de Hegedus et Pennebaker, The War Room, qui suivait la campagne présidentielle de Clinton en 1992. Clooney vient d’atteindre sa maturité, qu’on se le dise, prenant son temps pour raconter son histoire mais allant à l’essentiel, posant rapidement les personnages pour mieux les exploiter dans ce jeu de mensonges et de vérités.

S’il manque peut-être encore ce je ne sais quoi au film, peut-être une certaine rigueur à la Alan J. Pakula pour faire de Ides of March un incontournable, le film n’en est pas moins l’un des meilleurs films politiques de ces dernières années, surpassant de très loin l’effroyable W. d’Oliver Stone et bien plus sérieux que La conquête de Xavier Durringer. La classe américaine alliée à un retour aux techniques narratives et stylistiques seventies.

Note : ****

The Artist

2011-10-17T00:52:00.000+02:00

Un film muet en 2011 ? Ha ha ha la bonne blague ! Autant le dire, personne (surtout pas moi) n’y croyais au départ. Eh ben des fois, c’est bon de se vautrer un peu.

The Artist, c’est avant tout une retrouvaille, celle de Michel Hazanivicus et Jean Dujardin, déjà coupables de deux pastiches du film d’espionnage avec les OSS 117 nouvelle formule. Mais comme si ces deux films et La classe américaine n’avait pas suffi à démontrer toute la cinéphilie d’Hazanivicus, voilà que The Artist joue d’emblée la carte de l’hommage, du cri d’amour (paradoxal) envers un certain type de cinéma, que dis-je, envers le cinéma. Du clin d’œil appuyé (Dujardin et sa moustache à la Errol Flynn, à la Howard Hughes, à la Douglas Fairbanks) au plus subtil (l’éclairage très « vonsternbergien » de Bérénice Béjo), Hazanivicus enchaîne les références sans les dénaturer et, surtout, sans les transformer en private joke : la lente désagrégation du couple George Valentin et sa femme, c’est certes Citizen Kane bis, mais c’est aussi accessible à quiconque n’a pas vu le film de Welles (cinéaste qui a largement inspiré la construction du récit, par ailleurs). Fidèle à lui-même, Hazanivicus ne copie pas une histoire du cinéma mais tente, avec plus ou moins de succès, de s’inscrire dans celle-ci : par exemple, quand il compose un plan de manière expressionniste, ce n’est pas gratuit mais bien pour souligner la folie prenant petit à petit possession du personnage principal.

Et tant qu’à parler de composition de plans, soulignons qu’Hazanavicius joue le jeu jusqu’au bout : au-delà d’un noir et blanc superbe, oscillant entre l’expressionniste et la photo de Stanley Cortez, le cinéaste travaille majoritairement avec des gros plans, une profondeur de champ très faible, des plans relativement longs, des raccords type iris ou dans l’axe et, chose devenue elle aussi inconcevable aujourd’hui, un format 1,33 soit « l’écran carré », qui demande une composition bien différente de l’écran rectangulaire habituel. Mais ce n’est pas tout : débarrassé des contraintes de dialogues, Hazanivicus s’amuse, raconte majoritairement son histoire par le seul moyen de l’image, sans explication. Un vrai retour aux sources, si je puis dire.

Et puis comment ne pas parler du casting, entre une Bérénice Béjo mignonne à croquer et tip top dans le rôle de la starlette, à mi-chemin entre Louise Brooks et Ginger Rogers, et une série de seconds couteaux peut-être un peu trop négligés vu leurs poids (James Cromwell et surtout John Goodman). Et puis il y a Lui, celui en passe de devenir un mythe, le Belmondo des années 2000, et peut-être même plus haut : Jean Dujardin, qui vampirise l’image quand il y est, capable de faire rire en un froncement de sourcil comme de faire frissonner d’un regard sombre ou apeuré. Et comme si ça suffisait pas, le travail s’étend sur tout son corps, devenu aussi caoutchouteux qu’un Gene Kelly, preuve en est de deux numéros de danse en début et fin de film. Parole, si Romain Duris ou Vincent Lindon ont le César à sa place, j’irai cracher sur les tombes des jurys.

Projet casse-gueule, aussi audacieux qu’orgueilleux voir prétentieux (tournage à Hollywood, reconstitution historique au détail près), The Artist est finalement une réussite, un pari réussi, et quitte à faire une analogie douteuse mais finalement possible, il y a quelque chose de chaplinesque dans cette capacité à faire aimer un film muet à l’ère du parlant.

Note : *****

Habemus Papam

2011-09-17T16:35:00.000+02:00

Faire un film sur la religion n’est jamais chose aisée, et n’est pas Pasolini ou Scorsese qui veut. Oser se moquer de la religion est encore plus audacieux, mais c’est souvent fait dans l’excès (Dogma, de Kevin Smith) et, forcément, la pilule passe mieux pour la plupart. Mais quand Moretti s’attaque à la papauté et à la crise de Foi, j’étais en droit de m’attendre à quelque chose de vraiment intéressant, forcément subversif, peut-être grandiose. En fait, il n’en est rien : Habemus Papam est décevant à plus d’un titre.

Il y avait par exemple matière à un huis-clos intéressant, où l’enfermement du spectateur dans un décor unique, fut-il immense comme le Vatican, aurait permis de mieux s’attacher à la solitude du personnage. Eh bien non, Moretti préfère se perdre (et perdre mon attention) en déambulant dans Rome, et encore, la Rome quelconque, les rues qui pourraient être celles de n’importe quelle autre ville. C’est d’autant plus dommage que les scènes se déroulant dans le Vatican sont justement très belles, avec des décors forcément somptueux mais aussi des costumes très bien faits. En dehors de ces murs, hélas, de la banalité.

Je m’attendais aussi à un humour subtil, peut-être absurde, en tout cas caustique : la rencontre entre le Pape et un psy, sous l’œil du Conclave, est d’ailleurs très drôle. Hélas, le reste du temps, Moretti se fourvoie dans un humour prévisible, à la limite du grotesque, avec de fausses bonnes idées (le Conclave qui joue au beach-volley ; ouais, pourquoi pas, mais à petite dose svp…). Finalement, on ne rit pas beaucoup, d’autant que Michel Piccoli, certes agréable mais pas aussi inoubliable que j’ai pu entendre, transcrit l’angoisse de son personnage par un regard bovin et une mine défaite. Point de légèreté dans ce film.

Et puis, surtout, Moretti aurait pu réaliser un sublime film sur la crise existentielle et celle de la Foi, mais il se contente d’une approche freudienne assez maladroite d’un mec qui veut pas de responsabilités au crépuscule de sa vie. Peut-être suis-je passé à côté de la référence à Tchekov, mais j’avoue ne pas l’avoir lu, et quand bien même à mes yeux un film doit pouvoir se lire au premier degré sans prérequis. Malgré une idée de base plus qu’intéressante et alléchante, Habemus Papam est donc une déception, une ironie qui refuse de s’assumer. Dommage.

Note : *

Ce blog n'est pas mort

2011-08-15T21:06:00.002+02:00

HH, Hitler à Hollywood

2011-07-09T22:33:00.000+02:00

Pour ceux qui ne le savent peut-être pas, j’ai fait des études en arts du spectacle, spécialisation cinéma documentaire (non pas que c’est mon genre de prédilection mais ils ne proposaient que ça dans la branche ciné donc bon). Je dois reconnaître que depuis, je suis devenu, et je m’en rend compte moi-même, assez intransigeant sur le cinéma documentaire justement. Je vous dit tout ça car l’avis qui va suivre parle justement d’un docu-fiction dont j’attendais beaucoup et qui, au final, m’a prodigieusement gonflé.

Voici donc Maria de Medeiros qui décide de faire un portrait de Micheline Presle. Au cours d’une conversation, Micheline Presle va évoquer un cinéaste maudit, mystérieusement disparu, et de là va découler une véritable enquête de Medeiros et son caméraman sur les liens entre cinéma, politique et hégémonie hollywoodienne qui l’amèneront à Bruxelles, Cannes, en Allemagne, à Venise et à Malte…

Le docu-fiction, en général, j’aime bien : je suis un grand admirateur du travail de Peter Watkins, par exemple. Mais ce genre si particulier exige une rigueur de mise en scène de chaque instant, ce que Sojcher ne fait pas : cadrages impossibles pour une caméra à l’épaule, univers sonore impossible en documentaire, toutes les erreurs trouvent place dans le film, décrédibilisant le procédé du film et, par-là même, son discours. Quoique ce n’est peut-être pas plus mal, car ce dernier est douteux et réac : le cinéma américain, c’est le mal, il faut que le cinéma européen d’auteur prenne sa revanche et devienne la norme ! Mouais, perso j’y crois pas trop. Le pire, c’est que ce discours est celui du film mais pas de son auteur, Frédéric Sojcher avouant aimer le cinéma américain sans aucune honte. Deux vitesses pour la forme, et deux vitesses pour le fond donc.

Pour le reste, j’avoue ne pas avoir accroché au film dans son ensemble : les actrices sont mauvaises, je m’en excuse mais c’est vrai, l’humour tombe très souvent à plat et l’esthétisme… Bah, oui, parlons-en tiens : tourné avec le Canon 5D (une merveille), le film a entièrement été retravaillé en post-prod pour obtenir une image bien particulière, à la luminosité et colorisation faibles à l’exception de certaines actrices qui bénéficient d’une saturation, comme pour les détacher de l’image. L’idée est sympa mais, à nouveau, le procédé trouve bien vite ses limites et devient lassant, tout du moins peu agréable.

On est donc bien loin du premier film du réalisateur, Cinéastes à tout prix, documentaire un peu léger mais de facture honnête et qui développait déjà, sans discours démagogue derrière, un véritable amour du cinéma d’auteur. Le pire ? C’est que Frédéric Sojcher est un historien et théoricien du cinéma plus qu’intéressant, ses écrits sur la manière de faire des films devant être lus par le plus grand nombre à mes yeux. Y a encore de la marge entre les cahiers et les plateaux, on dirait…

Note : *

Pina

2011-07-06T16:55:00.000+02:00

Wim Wenders, Pina Bausch, 3D : voilà bien trois éléments dont l’association pouvait intriguer. Disons qu’à part la modernité, on ne voit pas trop ce qu’ils ont à faire ensemble ces trois-là. Surtout si on englobe le tout dans un genre appelé « documentaire ».

Le fond du film est évidemment énorme, dévoilant au travers de nombreuses séquences tout le talent et le génie chorégraphique de Pina Bausch. Je ne suis pas un grand connaisseur en danse (contemporaine de surcroît) mais la question du corps m’a toujours plue, et Pina Bausch est un modèle dans ce domaine : tout son art repose clairement sur la répétition du geste, sur l'explosivité du mouvement et sur le dépassement et paradoxalement la maîtrise de soi. C’est joyeusement bordélique, ça part dans tous les sens en apparence mais ça possède un véritable but quand on y fait bien attention. Et il faut bien reconnaître que la 3D est très bien utilisée ici, jouant de ce qui est propre à la danse contemporaine : l'espace. C’est peut-être bien là le seul intérêt, à mes yeux, de la 3D, au-delà des traditionnels effets de surgissement propres au cinéma d’horreur : pour la première fois (qu’on arrête de me parler d’Avatar), la 3D sert pleinement le film et son récit, lui conférant une toute autre dimension.

Mais le problème se situe justement là : si la technique de la 3D et l’art de Pina Bausch sont résolument modernes, Wenders se complait dans un documentaire-hommage trop classique, trop convenu. C’est pour le moins paradoxale, vu que Wim Wenders pratique lui aussi un cinéma habituellement moderne, mais c’est pourtant le cas : aux interminables petits mots de chaque danseur (Pina était géniale, Pina était grandiose, Pina était la meilleure) Wenders ajoute une narration somme toute académique, à savoir un extrait, une interview, et de temps en temps une image d'archives, et on recommence. On appréciera sans aucun doute le fait d’être sur « scène » avec les danseurs, au plus près d’eux, mais cela n’a absolument rien de neuf et, au final, ce plaisir est gâché par une rupture très nette de rythme, d’ambiance, de magie de l’instant par ses interventions certes chaleureuses et émotionnelles mais au final agaçantes.

Pina me laisse donc un goût de déception mêlé à de l’admiration : une artiste sublimée, une technique cinématographique maîtrisée, mais une mise en scène et un montage d’un classicisme déstabilisant. Wenders n’a pas joué la carte de l’audace jusqu’au bout apparemment, et c’est bien dommage.

Note : **

Le marin des mers de Chine ('A' gai waak)

2011-07-03T00:01:00.000+02:00

Quand j’étais gosse, j’adorais les films où on se tapait : Jean-Claude Van Damme, bien sûr, mais j’avais quand même une préférence pour un gros crétin qui faisait plus le pitre qu’autre chose au final : un certain Jackie Chan. Et j’ai découvert un jour, par hasard, Le marin des mers de Chine, que j’avais bien aimé puis oublié. Eh bien je peux vous assurez que des révisions, parfois, ça fait du bien !

Ce film est probablement l’un des sommets de sa carrière, tant comme acteur que comme réalisateur. Bon, jouons cartes sur table, le scénar casse pas trois pattes à un canard hein, faut pas abuser, même si je lui trouve un petit côté subversif pas déplaisant, à savoir que ce sont bien des Chinois qui vont devoir sauver les colons britanniques des pirates, incapables que sont les Occidentaux de faire face. Pour le reste, la formule habituelle : cocktail de comédie, d’action et de cascades hyper impressionnantes, aussi bien pendant que hors des combats.

Où se trouve le génie du film ? D’abord dans ces fameuses cascades, qui comptent parmi les plus incroyables de Jackie Chan (il suffit de voir la séquence où il tombe de 4 étages, sa chute n’étant freiné que par des toiles qui se déchirent au fur et à mesure). Et puis ces combats, à la fois brutaux et esthétiques, rythmés et d’une chorégraphie exemplaire à chaque fois. On dira ce qu’on voudra, mais il est impossible de battre le cinéma asiatique sur ce terrain-là, en particulier la Chine et Hong Kong.

Deuxième point fort du film, son trio principal, à savoir Jackie Chan, Sammo Hung et Yuen Biao, qui fonctionnent tous les trois ensemble sans le moindre problème. Bon, faut dire que passer son enfance à vivre les uns avec les autres et à s’entraîner toute la journée, ça favorise le bon travail, mais justement le résultat est visible et franchement agréable. Ce n’est pas tant un simple film d’action que réalise Jackie Chan mais bien un film entre amis, pour se marrer.

La cerise sur le gâteau ? C’est que Jackie Chan signe un hommage incontestable au cinéma burlesque qu’il semble admirer énormément. Tout y est : de Buster Keaton, Chan a retenu le sens de la cascade et de la maîtrise du corps (et, accessoirement, une course-poursuite en vélo qui n’est pas très éloignée de celle à moto de Sherlock Jr) ; de Charlie Chaplin, Chan a retenu le sens de la grimace mais aussi ce besoin de secourir les femmes, au risque de sa propre peau face à des bandits ou n’importe quel danger ; de Laurel et Hardy, Chan a conservé le sens du duo qui se tape sur le système l’un de l’autre, illustré ici avec la complicité de Sammo Hung, par ailleurs un acteur assez gros face à Chan, assez maigre ; enfin, le clin d’œil à Safety Last d’Harold Lloyd avec cette fameuse scène de l’horloge qui a par ailleurs, il faut le rappeler, failli couter la vie à Jackie Chan, la chute ne devant initialement pas avoir lieu mais l’acteur passant au travers des sécurités établies…

Un bête film de kung fu, Le marin des mers de Chine ? Non, un vrai film de cinéma !

Note : ****

D'un film à l'autre

2011-06-30T00:07:00.001+02:00

Je ne sais pas si vous pouvez imaginer l’ego que peut avoir un réalisateur. Bien sûr, chez les très grands comme Chaplin ou Welles, les anecdotes fusent, mais même chez les petits c’est parfois effarant. Alors quand un réalisateur, ni grand ni petit, mais avec une carrière reconnue, décide de faire son autoanalyse, on peut se demander ce que ça vaudra.

D’un film à l’autre, c’est Lelouch qui raconte Lelouch : 50 ans de carrière, 50 ans de films, des bons, des moins bons, des bonheurs, des déceptions, mais surtout des souvenirs. Ce cinéaste mal-aimé de la critique mais pas du public, à quelques films près, décide de se poser et de réfléchir un peu. L’introduction du film, un court métrage qu’il a réalisé en 1976 et qui s’appelle C’était un rendez-vous et constitue une traversée de Paris en voiture sans jamais freiner, est exemplaire : Lelouch analyse son propre film en voix-off et le rattache à sa propre vie, ce besoin de vitesse mais surtout ce besoin de ne jamais s’arrêter, ne jamais stopper au risque de ne pas redémarrer – et, à la clé, peut-être des emmerdes comme ici avec la justice.

Jamais on ne verra Lelouch aujourd’hui : le film ne se compose que d’extraits de ses films, d’une petite reconstitution en début de film et d’images d’archives inédites et étonnantes de Lelouch sur ses tournages. Etablissant des liens entre sa vie privée et ses films, expliquant les raisons de ses succès comme celles de ses échecs, Lelouch aborde surtout son cinéma avec humilité, celle d’un sage sentant la fin plus proche que le début, et qui veut rétablir quelques vérités, saluer les copains, se souvenir des belles choses, donner des conseils aux plus jeunes. Ce n’est pas de l’analyse que le film relève, mais plutôt de la biographie imagée.

Je ne suis pas un grand connaisseur de Lelouch, mais je sais qu’avec ce film, j’ai eu envie de (re)voir ses films, à la lumière de certains de ses commentaires et, aussi, parce que ses images m’ont donné envie. En ça, Lelouch a probablement réussi la mission du film : celle de le faire redécouvrir par une nouvelle génération.

Note : ****

Double feature cinéma

2011-06-24T00:01:00.001+02:00

Les déboires d'un tournage de film indépendant, entre crises d'ego, techniciens maladroits, tensions entre les acteurs et mère échappée de l'asile... Il y a un vrai regard ironique sur le cinéma dans le film de DiCillo, ancien directeur photo (notamment sur le Stranger than paradise de Jarmusch, dont on sent une influence ici) qui dit avoir vécu sur différents tournages tous les travers que vit le personnage de Buscemi ! Un Buscemi par ailleurs excellent, comme à l'accoutumée. L'ennui ? Le film tourne vite court, et se répète assez vite. Reste qu'il reste un joli clin d'oeil au cinéma indépendant et à la difficulté de créer sans argent.

Note : **

Un petit génie gagne un prix pour son film d'étudiant, et se voit plongé dans le milieu hollywoodien... Plus cynique que subversif, The big picture fait doucement rire quand il démontre comment un film intimiste en noir et blanc sur un triangle amoureux en hiver devient un film d'ados et d'hôtesses de l'air en bikinis à la plage. Au-delà de ça ? Rien de transcendant : la réalisation est finalement peu inspirée, abusant de l'effet "clin d'oeil cinéphilique" quand le personnage de Bacon (bien, sans plus) est en situation de stress. A noter quand même quelques clins d'oeil de stars comme Elliott Gould, John Cleese ou Roddy McDowall qui viennent faire coucou. Trop gentil sans doute sur le monde du cinéma, surtout quand on sait que 3 ans plus tard Robert Altman proposera sa vision d'Hollywood, bien plus cinglante, avec The Player. Un excellent téléfilm mais un film de cinéma moyen...

Note : **

Tree of Life

2011-06-21T11:55:00.000+02:00

J’aime bien Malick, vraiment : La ligne rouge est l’un des meilleurs films de guerre que j’ai pu voir, Le nouveau monde a quelque chose de mystérieusement touchant, la beauté des images des Moissons du ciel est largement établie et Badlands… Ben je dois le revoir en fait. Mais j’aime bien Malick.

Jusqu’à hier. A une époque où l’extrémisme religieux est largement critiqué, j’osais espérer ne pas en voir dans un objet cinématographique reconnu comme publique et accessibles à tous, qui se prétend universel car ne définit pas d’emblée « ceci est un film religieux ». Pas une seconde Malick ne laisse reposer la spiritualité du spectateur : Dieu est grand, alors ta gueule. C’est un peu le message du film, en plus subtil (ou pas). Il me semble impossible de nier ou même de mettre de côté cette lourdeur théologique en regardant le film : aussi bien sur le fond que sur la forme, le film est judéo-chrétien et, reconnaissons-lui au moins ça, l’assume. Les voix-off parlent de Lui, et que voit-on dans les images ? Un bébé jouant avec l’arche de Noé. Le passage lu du Livre de la jungle, celui du serpent Kaa. Et je ne compte plus le nombre de plans du ciel (Dieu), ciel souvent associé à l’eau (la vie) ; je vous laisse déduire le message.

Bien sûr, il y a de bonnes choses : Malick n’a pas peur du ridicule, et sa vision de la conception du monde, contradictoire (2h de catholicisme pour 20 minutes d’évolutionnisme ?), est franchement risible, tant la débauche d’effets spéciaux, au-delà de la dimension narrative de la séquence, n’a aucun intérêt dans ce genre de film. En plus, les dinosaures sont mal faits, et question crédibilité j’ai plutôt vu Denver le dernier dinosaure que Jurassic Park. Quand le carnivore fout sa patte sur la gueule de l’herbivore, j’ai cru qu’il allait lui faire le signe de croix dis donc.

Je n’ai pas envie de parler du montage, tant je l’ai trouvé grossier, ou de la narration à la fois prévisible et bancale (le père autoritaire qui se laisse dominer par son fils à la fin ? Sérieusement ?). La réalisation aurait pu être intéressante, mais si c’est pour voir quelques plans magnifiques, tournés avec des focales bien précises, mettant en avant la beauté de la nature, selon un cadrage particulier, je préfère revoir Koyaanisqatsi : là au moins, une idée se dégage de ses images mis bout à bout, pas comme ici où tout est gratuit (hormis les plans du ciel, on sait). Et on applaudira Sean Penn dans le rôle du figurant qui tire la gueule.

Il reste au moins une bonne nouvelle à mes yeux : les Hot d'or ne sont pas morts, car Cannes a bel et bien récompensé une magnifique branlette théologique.

Note : 0

Les émotifs anonymes

2011-06-02T00:01:00.000+02:00

Une histoire d’amour entre deux personnes qui, au contraire de ne pas vouloir s’aimer, ne peuvent tout simplement pas s’aimer sous peine de faire une syncope ? Voilà un pitch pour le moins intriguant et amusant.

Les émotifs anonymes n'a qu'une ambition : celle de divertir. Et encore, pas n'importe qui, un public bien précis : celui de la ménagère de 50 ans qui trouvera cette histoire si émouvante. Je ne suis pas du public cible (loin de là) mais je dois bien admettre que le film a quand même fonctionné chez moi.

De par son humour, déjà, absolument pas lourd, au contraire. Alliant le gag le plus burlesque possible (le restaurant, lorsque Poelvoorde doit changer de chemise) aux sous-entendus parfois carrément sexuels sans pour autant être grivois, le film ponctue ses séquences d’une touche de légèreté souvent délicieusement subtile.

De par ses personnages attachants, ensuite, interprétés par deux comédiens au top. Il n’est pas fréquent de voir cette grande gueule de Poelvoorde jouer des personnages timides, romantiques, et il faut dire que ça lui va aussi bien que les anti héros acariatre, mais c’est surtout Isabelle Carré, à la beauté si simple, qui rayonne dans le film, tirant presque la couverture à elle seule sans en faire de trop.

Et si la réalisation n’est pas prétentieuse mais pas toujours très inspirée (quel besoin de glisser une séquence musicale en plein milieu du truc...), j’assume clairement mon point de vue quand je dis que dans le genre comédie dans la plus pure tradition française, ces Emotifs ont mérités de ne pas rester anonymes.

Note : ***

Mammuth

2011-05-30T00:01:00.000+02:00

Kervern-Delépine ont un univers qui leur est propre, c'est sûr, mélange improbable de Jarmusch et de Dupontel matiné du trash de Groland à l'occasion (l'entretien d'embauche).

Ils ont des chouettes copains, qui font plein de caméos (Nahon, Poelvoorde, Lanners, Adjani). Et ici ils ont Gérard, Gégé le pachyderme qui ferait passer Orson Welles dans La soif du mal pour un anorexique. Et Gégé, ben il bouffe tout, surtout l'écran, sans se forcer, en étant juste présent. C'est dans son regard que tout se joue, dans l'inscription approximative de son corps dans l'espace : sans rien faire, il fait tout le film.

Hélas, le scénario enchaîne un peu trop difficilement les séquences pour soutenir la performance de l'acteur, et se perd entre la quête du sens de la vie d'une part et (élément narratif maladroit) la rédemption d'autre part. Puis tout ça manque d'humour mordant, à la Aaltra ou mieux encore à la Louise-Michel, là où le duo de réalisateur excelle. Y a pourtant de chouettes occaz bien exploitées, comme la confrontation entre Gégé et son boucher, qui n’a pas fait de master en jambon, ou l’entretien d’embauche avec un Bouli Lanners un rien pervers. Mais ça suffit pas.

Du coup, Mammuth est un colosse, certes, mais aux pieds d'argile.

Note : **

Les yeux de sa mère

2011-05-27T12:55:00.002+02:00

Un jour, je serai cinéaste. Bon, le cinéma en Belgique, pas facile facile ; je m’expatrierai donc en France. Je ferai ce qu’appellent les artistes « de l’art » et le public « les films chiants » : du cinéma d’auteur.

Tout d’abord, je me ferai pas chier à utiliser un pied à ma caméra : rien de tel que la caméra à l’épaule, comme le cinéma-vérité de Morin et Rouch, une liberté totale de mouvement, comme la Nouvelle Vague. Et rien à foutre si du coup mon image en perpétuel mouvement file plus la nausée que n’impose une marque esthétique forte.

Puis je parlerai d’une famille explosée par la rancœur et le mal-être des membres. C’est bien ça, la famille en froid, ça c’est jamais vu. Enfin, si, y a de temps en temps des amateurs comme Wes Anderson qui en font de grands films, mais en France, pas besoin d’humour quand on peut être mélodramatique. Puis ce serait quand même cool d’avoir un personnage borderline, moralement et sexuellement, tant qu’à faire.

Alors pour m’assurer les bonnes grâces du public, je prendrais une grande actrice, style Catherine Deneuve, qui est toujours au top de son talent. Je prendrais aussi un acteur bien « d’auteur », comme Nicolas Duvauchelle. Et peut-être que je prendrai Géraldine Pailhas, à mi-chemin entre les deux publics. Et tous seront de bon niveau.

Et même que je ferai croire au spectateur, dans une première moitié du film, à un thriller se mettant doucement en place, à un film français qui trouve enfin son style sans copier les Américains ni sans virer dans le pathos et la caricature des films français habituels. Et puis alors, dans la seconde moitié, je céderai, et je ferai comme les autres. Et ce sera bien dommage.

Note : **

Vivement ce soir

2011-05-18T01:18:00.000+02:00

Patrick Van Antwerpen naît le 17 mai 1944 à Ixelles (Bruxelles). Après avoir étudié à l’INSAS (Institut National Supérieur des Arts du Spectacle et techniques de diffusion), il travaille avec Boris Lehman avant de se lancer dans la réalisation de quelques courts métrages.

L’univers de Van Antwerpen a un air de déjà vu : il y a chez le réalisateur un amour évident de l’univers de Tati et du burlesque moderne, s’amusant à souligner les travers des petits gens dans une société de consommation de plus en plus impersonnelle, appelant au rendement coûte que coûte. Il faut juste ajouter à cela un peu d’absurde bien belge. Vivement ce soir (1985) est son seul long métrage. Le film relate le déroulement d'une journée dans un supermarché de la région bruxelloise. L'histoire de cette journée, avec ses petits événements drôles ou pathétiques, constitue la trame générale du film. Les situations traitées par petites touches successives mettent en évidence certains de nos comportements face à la nourriture, le côté répétitif de nos gestes et de nos déplacements dans cet univers clos... (Patrick Van Antwerpen)

Il y a de ci de là de belles idées de mise en scène, et un certain talent pour amener des situations et les étirer dans le temps sans qu'elles ne deviennent ennuyantes. L’art de Van Antwerpen, comme Tati ou Etaix par ailleurs, n’est pas de faire rire aux éclats mais de créer un sourire tout au long du film. Certains gags sont ainsi irrésistibles ; d’autres, en revanche, sont un peu trop prévisibles, un peu trop mal dosés.

Surtout, le film souffre d'une part d'un sévère manque de scénario (ce ne sont ici que majoritairement des saynètes, relativement indépendantes les unes des autres) et surtout de comédiens tous plus mauvais les uns que les autres, leur mauvais jeu étant accentué par une post-synchro à la Fellini complètement ratée. Volonté esthétique, absence de budget ? Le résultat est le même : c’est agaçant.

Ces deux éléments sont suffisamment pénibles que pour gâcher le film, souffrant comme si besoin en était d’une variation de rythme parfois déstabilisante pour une comédie. Pourtant, le potentiel était là. Patrick Van Antwerpen ne pourra jamais le confirmer : il décédera le 3 décembre 1990. Hélas.

Note : **

Au-delà de la gloire (The Big Red One)

2011-05-08T01:35:00.001+02:00

Cinéaste oublié, Samuel Fuller mériterait pourtant d’être considéré l’égal des plus grands. Du moins, c’est ce que ce Big Red One laisse à supposer.

On ne compte plus les films sur la guerre 40-45, c’est certain. Il y a même eu plusieurs chefs-d’œuvre parmi eux (Patton, Il faut sauver le soldat Ryan…) et d’autres films de légende (Le jour le plus long, Un pont trop loin…) mais rarement un film aura été aussi grandiose que le film de Fuller. Les raisons ? Peut-être car c’est la guerre dans son ensemble que nous découvrons, et non pas un de ses épisodes, peut-être par son réalisme, peut-être pour cette simple histoire d’amis plongés dans l’enfer de la guerre…

Fuller connaît très bien son sujet : il a lui-même été soldat durant la seconde Guerre Mondiale (où il finira caporal et décoré d’ailleurs). Rien d’étonnant alors de voir un côté réaliste, inhabituel pour l’époque, dans ce film : il s’agit tout simplement d’un récit autobiographique, où l’horreur de la guerre se mélange avec son absurdité, sous les yeux d’un jeune Fuller, interprété par Robert Carradine, fumant le cigare et rêvant d’être le nouvel Hemingway.

Il ne s’agit pas ici de faire dans le réalisme absolu, dans le métaphysique (même si des éléments bibliques peuvent être repérés, comme la punition de Lee Marvin ou l’évocation des 4 cavaliers de l’Apocalypse, entouré constamment par des morts) ou même dans la critique de la guerre (sans pour autant exalter le sentiment patriotique) ; il s’agit simplement de raconter une histoire, un peu folle c’est vrai mais pourtant bien réelle. Et les anecdotes qui jonchent l’histoire (l’accouchement de la française dans un tank) sont aussi surprenantes qu’elles peuvent être métaphoriques (l’attaque de l’asile psychiatrique, miroir de la société).

Le récit, long (2h35) mais riche (on passe des batailles d’Afrique du Nord à celles d’Allemagne et Tchécoslovaquie en passant par la Sicile, l’Italie, la France et la Belgique) est certes violent par moment (les scènes de combat sont d’ailleurs étonnantes, en particulier celle du Débarquement lorsqu’on sait que Fuller avait un petit budget pour ce film) mais n’en est pas moins dénué d’humour, ce qui aide grandement. Et puis Big Red One, qui tire on nom de la compagnie dans laquelle se trouve nos soldats, est tout autant un film de guerre qu’une histoire d’amitié et une réflexion sur le sens même du conflit (Marvin faisant allègrement une distinction entre tuer et assassiner durant la guerre…).

Il y a, dans la mise en scène de Fuller, une volonté d’aller très loin, que l’on sent pourtant freinée et qui ramène la narration à un style presque classique. Pression des studios, qui remonteront le film, ou budget limité, impossible de savoir précisément. Mais au fil du temps, on aperçoit quel chef-d’œuvre aurait pu être le film si Fuller avait pu aller au bout de ses idées et de ses volontés. En dépit, Big Red One surprend par une forme de retenue, où c’est en montrant le moins que l’on ressent le plus, comme lors de cette altercation dans la forêt, envahie par le brouillard. Là où d’autres s’approchent du sommet avec de l’esbroufe (Spielberg), Fuller l’atteint en ne montrant presque rien.

Les comédiens sont par ailleurs excellents, du vétéran Lee Marvin, père spirituel des quatre « gosses » de l’équipe, à Mark Hamill, qui trouve probablement là son meilleur rôle, et un Robert Carradine en Samuel Fuller jeunot. Saluons aussi les moins connus, comme Bobby Di Cicco, Kelly Ward et Siegfried Rauch, qui sont très bons eux aussi.

Beaucoup trouveront ce film un peu dépassé (ce qui est faux), comme l’est Le jour le plus long, mais The Big Red One possède néanmoins un atout que beaucoup d’autres films du genre n’ont pas : une multiplicité des niveaux de lectures. Les interprétations s’avèrent nombreuses et l’on découvre, à chaque nouvelle vision, de nouveaux éléments qui nous avait échappés. Et c’est bien là que réside le génie du film, qui grâce à sa reconstruction (soit le montage initial que voulait Fuller) prouve qu’il est sans conteste l’un des meilleurs films de guerre jamais réalisé.

Note : *****

Faites le mur (Exit Through the Gift Shop )

2011-05-01T00:01:00.003+02:00

Artiste contemporain subversif et paradoxalement acclamé, Banksy signe avec « Faites le mur ! » un premier film à l’image de ses œuvres picturales : trouble, drôle et délicieusement grinçant.

Je connaissais un peu Banksy avant de voir le film, mais pas outre-mesure. Disons que ses œuvres me plaisaient beaucoup en plus de tout le mouvement qu’il représente peut-être parfois malgré lui. Bref, voilà qu’un beau jour, un vidéaste du nom de Thierry Guetta décide de faire un documentaire sur Banksy… Sauf que les rôles vont bien vite changer, et Banksy va alors réaliser un documentaire sur Thierry Guetta, devenu le street artist le plus bankable de l’année ! Une sorte d’arroseur arrosé… Mais si en l’occurrence l’arrosé, c’était le public ?

Il n’y aurait rien d’étonnant à découvrir que Faites le mur est un canular, une histoire montée de toutes pièces par Banksy pour critiquer le monde de l’art et la célébrité à outrance de nos jours. Après tout nous parlons de Banksy, dont le talent réside à détourner les objets pour en créer d’autres à la critique à peine plus qu’explicite. Il n’est donc pas impossible que son documentaire soit en réalité un documenteur, où Banksy, tel un Duchamp des temps modernes, met en exergue l’incompétence des critiques d’art et les dérives du système capitaliste voulant faire du moindre petit artiste une source financière exploitable.

Car c’est bien de cela qu’il s’agit : Faites le mur n’est pas un portrait de Banksy ou de Mr Brainwash mais bien un rapide mais complet panorama, via des rushes tournées par Thierry Guetta des années durant, du « street art », art de l’ombre trop vite mis en avant et ayant perdu sa vocation première : transformer le paysage urbain sans se soucier de l’argent que cela peut rapporter. Incisif, Banksy l’est en permanence, encore plus quand il explique la naissance de Mr Brainwash : c’est parce qu’il était nul derrière la caméra que Banksy a proposé à Thierry Guetta de se lancer dans le street art. Et de faire devenir un artiste sensé rester dans l’ombre une vedette internationale.

Documentaire ou canular, qu’importe : Banksy est parvenu à entrer dans le monde du cinéma par la grande porte.

Note : ****

Black Swan

2011-04-28T00:01:00.005+02:00

Au fil des années, Darren Aronofsky a su se faire une place de choix au sein du cinéma américain, suffisamment mainstream pour plaire à Hollywood et suffisamment indépendant pour séduire les cinéphiles. Cela n’a jamais empêché ses films de faire débat, et visiblement c’est encore le cas avec Black Swan.

J’avoue ne pas trop saisir les liens que l’on fait entre ce film et The Wrestler, tant sur la forme que le fond. J’ai pu entendre beaucoup de reproches de ce point de vue, mais pour moi les films ne sont pas comparables : l’un est une quête de rédemption, l’autre une quête de perfection. Le film, curieux j’en conviens, à mi-chemin entre le film intimiste et le divertissement pur, déçoit en revanche par son scénario, ça je suis entièrement d’accord. Outre la prévisibilité de la fin, les symboles sont trop fortement appuyés que pour réellement convaincre (on insiste, par exemple, 3 fois sur la manière dont Le lac des cygnes se termine, histoire de bien prévenir comment va se conclure le film ; autre fait notable, les gentils habillés de blanc et les méchants habillés de noir).

Mais cela ne suffit pas à mes yeux à réduire le film à un échec : il y a bien plus que cela. Et puis, dans le fond, Aronofsky n’a jamais vraiment brillé par ses scénarios à l’exception de Pi… Ce que je trouve intéressant en revanche est le talent de mise en scène du cinéaste, virtuose, dont la caméra vertigineuse capte des moments de ballets aussi beaux qu’angoissants et étouffants, magnifiant Nathalie Portman à chaque seconde. La séquence d’ouverture est à ce titre éloquente, avec cette caméra tourbillonnant autour de deux protagonistes, un pur mélange de violence et d’esthétisme exacerbé. Le reste du film sera du même tonneau, où l’érotisme le dispute à l’angoisse, la beauté à la violence.

Dans le rôle principal, Nathalie Portman n’a vraiment pas volé son Oscar : au-delà de la performance de danseuse, l’actrice retranscrit surtout un passage lent et progressif de la folie douce à la folie furieuse sur tout le temps du film sans jamais commettre le moindre faux pas, et son air enfantin et son innocence quasi virginale de coller parfaitement au rôle de cette danseuse obsessionnelle.

Dommage donc que le fond soit si bas pour un film de cette envergure mais comme je l’ai dit, on sait depuis toujours que c’est la forme qui prime chez Aronofsky. Et quelle forme !

Note : ****

Tekken

2011-04-25T00:01:00.002+02:00

Je suis très loin d'être un grand gamer, mais pas besoin de savoir allumer une console pour comprendre qu'une adaptation de jeu vidéo, c'est déjà foireux à la base, mais alors celle d'un jeu de baston sans histoire prédéfinie encore plus. Je veux dire, faut pas déconner, si déjà le mode histoire est pourri dans Tekken, y a pas de raison qu’Hollywood en face l’équivalent de Persona d’Ingmar Bergman.

Dwight Little, véritable Spielberg du nanar (je ne peux m’empêcher de rappeler vos mauvais souvenirs que sont Halloween 4, Désigné pour mourir avec Steven Seagal, Rapid Fire et son Brandon Lee pathétique, Sauvez Willy 2 ou encore Anacondas 2) réalise une adaptation… que je ne qualifierai pas de catastrophique non, tout au plus immonde peut-être, éloignée de l'esprit du jeu d'une part (mais genre éloignés comme le sont le Pôle Nord et le Pôle Sud) et surtout pillant ses richesses sans vergogne. Exit donc les personnages forts et récurrents du jeu de Namco (Paul Phoenix, King, Lei...) pour ne garder soit que des persos fulgurants (qui se fait rétamer la gueule façon) soit pour tronquer l'esprit même des persos : Law devient un prétentieux incompétent, Steve devient plus vieux que sa mère (quoi un cross-over avec Retour vers le futur et on ne m’avait rien dit ?), Eddy se fait rétamer, Nina et Anna (visiblement sorties d'un porno gonzo low budget) s'entendent bien et, pire que tout, Heihachi devient un grand-père gentil et attentionné ! Allôôôôôô ??!!!!

Plus cinématographiquement, le « scénario » (ah je ne me lasserai jamais de cette blague) est inconsistant, c'est mal monté, Little joue les gros plans pour puceaux (le cul de Kelly Overton là, et puis là, et puis là aussi et là… nan je déc… ah ben non tiens il est là le petit) et fait appel à un casting du feu de dieu (Bryan Fury étant interprété par Gary Daniels, monsieur méchant dans Nikki Larson avec Jackie Chan et dans The Expendables mais aussi Ken le survivant dans l'adaptation éponyme : les temps sont comme les oeufs ils sont durs). Ah, oui, sur 1h30 il doit y avoir environ 20 minutes de combats dont 7 de vraiment sympa où ça se marave enfin la tronche comme des grands et pas comme des gosses de 10 ans. Heureusement que le film ne se prend pas au sérieux 2 secondes… En tout cas c’est ce dont j’ai réussi à me convaincre après 2 mois de méditation après le film.

« Youuuuuuuuuuuuuuu looooooose ! Continue ? » CA VA PAS NON ??!!!

Note : *

Kick Ass

2011-04-22T00:01:00.004+02:00

Le film de super-héros a la cote au cinoche pour le moment. Le film de/pour geek aussi d'ailleurs. Ca tombe bien : Kick Ass combine les deux avec brio et maestria.

L’histoire est donc celle d’un fan de comics qui rêve de devenir un super héros à part entière. Quel gosse n’a jamais rêvé de faire pareil ? La force de Kick Ass est de tirer parti des désirs enfouis de l’enfant présent en chacun de nous et de construire une histoire et, surtout, déconstruire un mythe tout autour. Car Kick Ass n’est pas un film de super héros comme les autres : il se place dans la veine des Watchmen où les sauveurs de l’humanité n’ont plus leur place car déconnectés de la réalité et de la vraie vie. C’est une belle réflexion sur la notion de super-héros et de leur conception de la justice : pour l'un, sauver des chats, pour l'autre, tuer encore et encore par vengeance. Et aucun n’a véritablement raison ni tout à fait tord.

Si la réalisation de Matthew Vaughn relève plus du tape-à-l’œil que de la sophistication, force est de constater que Kick Ass est un divertissement de haut vol, au second degré constant et au rythme mené tambour battant. Mais la subtilité du film est d’attirer à lui, tout du moins de faire siennes les références d’un public très précis de plus en plus présent de nos jours : les geeks. Entendons ici les fans absolus de BD, de films (une ligne de dialogue joue d’ailleurs du suspens, quand le narrateur est en mauvaise posture « ouais, je parle depuis le début du film, et alors ça veut dire que je ne vais pas mourir ? Vous n’avez jamais vu American Beauty ? Sunset Boulevard ? ») et surtout de jeux vidéos (au détour d’une séquence de sauvetage, c’est carrément un « doom-like » qui est mis en place avec le point de vue de Hit Girl et de son arme au poing). Et bien sûr, à l’aide du scénario soigné, le film doit plaire aux geeks : ainsi, le héros est un geek lui aussi mais qui outre le fait de devenir un super héros se tape la bonasse du coin tout en côtoyant des êtres trop bizarres mais trop cool dans leur côté taré (en l’occurrence, Hit Girl et Big Daddy).

A noter aussi que le casting est plus que sympa, et le fait de voir Nicolas Cage, fan de comics avoué, est une joke bien placée. La B.O. est très sympa aussi et l'action et l'humour font souvent mouche. Rien d'extraordinaire certes mais, heureusement, Vaughn se revendique avant tout de l'entertainment. Autant dire que là, c'est réussi.

Note : ****

Tout sur ma mère (Todo sobre mi madre)

2011-04-19T00:01:00.008+02:00

Pardon je dormais, vous disiez ? Ce que j'ai pensé du film ? Euh…

Bon, ne soyons pas de mauvaise foi, je lui reconnais certaines qualités. La mise en scène par exemple est très propre, rien à redire. Almodovar a un certain sens de la lumière que je trouve au final intéressant, pas foncièrement ce que je préfère mais qui confère au film une identité visuelle très nette, tout comme les couleurs employées. Je ne suis par contre pas un grand adepte du rythme, trop lent à mon goût, mais bien sûr il s’agit d’un critère très subjectif (la lenteur pour quelqu’un pouvant ne pas en être pour quelqu’un d’autre) mais voilà, ici, je n’ai pas pu la supporter.

Je reconnais aussi un talent de direction d’acteurs… d’actrices… enfin de ces messieurs-dames qui jouent dans le film. C’est sans conteste un joli portrait de femme, de femmes modernes, de femmes fortes, et il n’y a rien d’étonnant à ce que le film soit un hommage à All about Eve, Bette Davis, Romy Schneider et Gena Rowlands.

Mais au-delà de ça ? Eh bien dommage que l'histoire se déroule à Barcelone et non pas dans un village afghan pendant la guerre, un village bien pauvre, avec un chien à 3 pattes et le choléra qui sévit sur la population. Voilà qui aurait été une touche de légèreté dans ce film bien glauque, qui donne bien envie de se jeter par la fenêtre même quand on vit au rez-de-chaussée. Sincèrement, rien dans ce film ne peut donner le sourire. On dira sans doute que la mère parvient à faire le deuil de son fils au final… mais de quelle manière ? En récupérant le fils d’une fille qu’elle a un temps considérée comme sa fille… Ce n’est pas un hommage à la communauté gay et transsexuel, c’est au contraire une image qui ne donne pas envie de les côtoyer, entre les malades, les pervers, les obsédés et j’en passe. Et derrière tout cela, pas d’histoire, juste des lamentations, des malheurs, des ficelles narratives grosses comme des cordes d'amarrage.

Peut-être ne suis-je pas fait pour le cinéma d’Almodovar ? Je ne me déclare pas vaincu, même si après La mauvaise éducation ce film ne m’a pas convaincu du tout, alors qu’il est pourtant réputé comme l’un de ses meilleurs. Trop pessimiste pour moi. Noir c’est noir, il n’y a plus d’espoiiir. Gris c’est gris, et ça m’ennuuiiiie…

Note : *

Le Soupirant

2011-04-16T00:01:00.002+02:00

Connaissez-vous Pierre Etaix ? Probablement que oui et non. Non car ses films n’ont pu être diffusés pendant plus de 20 ans dans les salles de cinémas ou en dvd pour une sombre histoire de droits bloqués, de producteur véreux et d’un cinéaste (allié de son grand ami Jean-Claude Carrière, l’immense scénariste) en plein désarroi. Oui car pour récupérer les droits de ses films, Pierre Etaix s’est battu corps et âme pendant des mois, procès sur procès, avec une pétition de plus de 12 000 signatures (dont Woody Allen, rien que ça) avant finalement d’obtenir gain de cause et de voir ses films enfin édités en dvd depuis 2010. Voilà, maintenant que vous savez tout ça, vous pouvez aller acheter le coffret. Et vite.

Car les films d’Etaix sont de véritables bijoux du cinéma français, et j’ai presque envie de dire du septième art en général tant son cinéma est unique. Pierre Etaix, c'est un peu le fils de Buster Keaton et Jacques Tati réunis : un humour implacable, où le personnage principal est un grand rêveur difficile à faire sourire, embarqué dans des histoires impossibles, le tout avec une réalisation qui soigne autant le visuel que le sonore. Il n’y a rien d’étonnant lorsqu’on sait que le cinéaste a été l’assistant de Tati sur le tournage de Mon oncle pendant 4 ans…

Même s’il n’est pas encore à l’apogée de son art, Pierre Etaix part de son principe de base, une histoire simple, pour créer une suite de gags tous plus drôles les uns que les autres. C’est un humour très moderne et très fin, dont le burlesque ne vient pas tant du travail sur le corps que peut effectuer Etaix mais bien sur la mécanique des gags et le quasi mutisme permanent du film. Parmi les plus aboutis citons les divers moyens du père de famille de boire son petit verre ou de fumer sa petite pipe en toute discrétion sans que sa femme s’en aperçoive, ou encore l’art du soupirant de démystifier malgré lui chaque tour d’un show duquel il est parvenu à envahir les coulisses.

Plus qu’un clin d’œil, c’est un véritable hommage au cinéma burlesque que fait Etaix. Avec son postulat de départ, un homme désirant à tout prix se marier, difficile de ne pas penser aux Fiancées en folies de Buster Keaton, et comme tout bon Keaton le film se déroulera en 3 phases : la future fiancée reconnue par le public, les péripéties pour la récupérer et le final où il pourra rejoindre sa promise non sans conclure sur un ultime gag, comme pour casser tout romantisme éventuel qui n’aurait pas sa place dans la comédie.

La (re)découverte d’un artiste de génie, incontestablement.

Note : ****

Le Guerrier Silencieux (Valhalla Rising)

2011-04-13T00:01:00.004+02:00

J’aime bien Refn : il a l’art de tromper les badauds qui prendraient les bandes annonces de ses films pour argent comptant. En l’occurrence Valhalla Rising s’annonçait, d’après le teaser, comme une boucherie violente à propos de vikings et autre Nouveau Monde. Eh ben ratéééé !

Non, Valhalla Rising cible son propos sur tout autre chose : les chemins mystiques vers la Révélation. Ou quelque chose du genre. C’est sans doute la le cœur même du film et pourtant il peut sembler un peu obscur : oui, thématiquement, il y a quelque chose, quelque chose de l'ordre du métaphysique, quelque chose d'inaccessible. A l’image du film, au final : à trop être original, Valhalla Rising en devient hermétique, trop pour moi, bien loin de ces cinéastes à qui on a fait référence en parlant du film (Leone, Kurosawa, Kubrick, eux, pensaient autant divertissement que philosophie). Le voyage que propose Refn est certes intéressant mais bien vite redondant, et la quête théologique de devenir un mauvais trip trop lent. Ce n’est pas faute de ne pas vouloir y adhérer, mais celui qui ne suivra pas la barque du Guerrier silencieux aura bien du mal à tenir jusqu’au bout de l’œuvre de Refn, et c’est bien dommage.

D’autant que le film est d'une beauté étonnante, entre l'audace de certains cadrages, la composition des plans et bien sûr les décors naturels sublimes. Techniquement je trouve le film vraiment réussi, Refn sait distiller une ambiance, notamment ici via un gros travail sonore, mais sait aussi imposer sa patte, trouver sa voie, son style.

En plus, le casting (certes réduit) est très agréable, avec mention très bien à Mads Mikkelsen qui, avec très peu de dialogues et un visage résolument figé, parvient pourtant à s’imposer tout au long du film, à créer une sorte d’aura mystique autour de lui et à capter l’attention du spectateur en permanence. Une véritable prouesse qui laisse un souvenir très fort dans la mémoire du spectateur, en tout cas dans la mienne.

Reste que, comme je l’ai dit, le film est un peu trop hermétique à mes yeux pour réellement convaincre, malgré ses qualités formelles et d’interprétations plus qu’évidentes. Une prochaine fois, peut-être.

Note : ***

Crows Zero 2 (Kurôzu zero II )

2011-04-10T00:01:00.003+02:00

J’ai parlé sur ce blog il y a quelques temps de Crows Zero, film d’action débile et débridé signé Takashi Miike dont j’avais été plutôt satisfait pour le genre. L’heure est venue parler de l’inévitable suite, Crows Zero 2, ou l’art du « on reprend les même et on recommence ». En moins bien.

Globalement on repart sur la même base : au sein du collège où sévissent les Crows Zero, c’est le no man’s land certifié. Le jeune héros a fini par latter tout le monde, même l’ancien numéro 1 qui reste quand même dans son coin en attendant une revanche. Sauf qu’une altercation va amener le collège des Crows Zero à en affronter un autre tout aussi rempli de cinglés qui se prennent pour les moines de Shaolin version Mao. Globalement donc, le scénario tient toujours sur un pansement, et comporte toujours les même lacunes que le premier film : la romance inutile, le trio qui en jette mais qui fout rien de tout le film mais cette fois en plus une morale à deux balles, une crise existentielle du perso principal dont on se serait allègrement passé, la perte d’arrogance des Crows Zero (qui rendait le premier si délicieusement détestable) et surtout une histoire parallèle où un ancien Crows Zero sorti de prison veut devenir yakuza.

Autant d’éléments qui viennent casser le rythme du métrage, d’autant que ce rythme, Miike a souvent du mal à le gérer ici contrairement au premier film : bien des scènes sont trop longues et l’ennui pointe du nez quelques fois. C’est bien dommage, car Miike est résolument doué avec la caméra pour installer la bonne ambiance et maintenir un niveau plus que décent sur l’ensemble du film, en particulier lors des scènes de combats, encore plus dantesques et sauvages que dans Crows Zero.

Mais malgré ça, malgré cette violence très manga et des interprétations toujours aussi sympas, le film ne m’a pas moins relativement déçu.

Note : **

Somewhere

2011-04-07T00:01:00.002+02:00

Qui a vu Twister ? Vous vous souvenez peut-être de cette séquence où, dans la voiture en pleine tornade, une vache passe, soufflée par le vent, devant la voiture familiale en volant. La fille s’exclame alors avec une remarquable perspicacité « une vache ! ». Quelques secondes plus tard, la séquence se reproduit. « Une autre vache ! » crie alors la gamine décidément intelligente, avant que son père ne la reprenne « je crois que c’était la même ». Vous voyez ? Eh bien maintenant vous savez à quoi j’ai pensé en voyant le (loooooooooooooooooooooooooooooooooong) plan-séquence d’ouverture du film : une ferrari noire tourne en rond plusieurs fois dans le désert, jusqu'à ce le conducteur s'arrête, sort de la voiture et respire un grand coup en faisant mine de réfléchir. En 3 minutes, Sofia Coppola vient de raconter son film... mais non : mieux vaut le répéter encore.

Donc on découvre 17 fois que le personnage est un loser, alcoolo, vedette mais mal-aimée, asocial. Nan parce que vous avez pas l’air de piger un truc : les jolies femmes, l’alcool, la drogue, l’argent, le luxe, tout ça ça ne vaut rien. Enfin paraît, moi perso je crois que j’arriverais à survivre. Mais je ne suis pas artiste, ça explique pas mal de choses. Ou pas.

Bref, vient alors l'essentiel du film : la relation entre le père et sa fille. Sofia, un psy, ça coute nettement moins cher qu'un film tu sais... Sérieusement, il s'agit là d'un manque de pudeur flagrant de régler ses comptes familiaux de cette manière, par le cinéma, comme si personne n'allait comprendre.

En outre, pour ce faire, Sofia Coppola se fourvoie dans les stéréotypes et les clichés. Par exemple, la gamine fait du patin à glaces, parce que le patin à glace, c’est tellement smart. Et puis ça elle en fait bien du patin, car on en bouffe pendant 10 minutes non-stop de ce putain de patin ! Mais y a aussi Guitar Hero (placement de produit powaaaa) car un vrai père joue avec sa fille aux jeux vidéos. C’est connu.

Passons. Pour le reste, Sofia Coppola propose une réalisation sans âme, sans rythme, sans inspiration, d'une banalité affligeante et d'un ennui mortel. De 1h30, seules 10 minutes pourraient être sauvées avec de la (très bonne) volonté. Toutefois, une mention est à souligner : l’art de Coppola qui est parvenu à rendre son film à l’image de sa thématique récurrente : Somewhere est un film de la frustration, car de toute évidence c’est un film très riche (il y a une tonne de symboles disséminés ça et là) mais enseveli sous une contemplation futile, une narration sans charme, sans la poésie qui caractérise habituellement les films de Sofia Coppola. Curieux paradoxe.

Et je repense alors, quand arrive le générique de fin, à la séquence de Twister, pas pour le sentiment de tourner en rond ou de voir toujours la même chose, non, juste pour avoir moi aussi eu quand les lumières se sont allumé ce regard bovin, les larmes aux yeux, serrant si fort mon ticket dans ma main qu’il a fini par y pénétrer. Et comme après avoir été pris dans une tornade, j’ai vomi. Ah ben oui.

Note : *

Espace détente

2011-04-04T00:01:00.003+02:00

Est-il réellement possible de passer d’un format très court à un long métrage sans accroc ?

J'aime assez bien la série Caméra Café. Ce n’est pas toujours très fin mais ça se laisse regarder. Enfin, force est de constater tout de même qu'ils ont souvent proposé de la belle daube pas drôle en guise de sketches (et en matière de mise en scène quand ils ont arrêtés le principe de caméra = distributeur immobile). Et visiblement, en matière de daube, Solo et Le Bolloc'h se sont fait plaisir ici.

Espace détente, c'est juste pas drôle, mal filmé, sans rythme (erreur fatale pour une comédie), les gags tombent à plat le plus souvent, reposant sur l'aura dont bénéficie chaque personnage mais aura qui ne fonctionne qu'à moitié ici... Je veux dire : oui, Jean-Claude est toujours le meilleur en vendeur arrogant et con comme un manche à balai, mais quid des autres personnages dont les caricatures sont encore plus poussives que dans le film ? Et rien à faire, je trouve ça profondément dommage de dénaturer le concept même de Caméra Café (le plan fixe du point de vue de la machine à café, d’où titre) qui proposait un style de narration bien plus puissant pour la comédie que la multiplication des plans qui ne servent généralement à rien.

Mais le sommet est probablement atteint par ce scénario qui, de bonne intention au départ (critiquer avec cynisme l'ultralibéralisme et les entreprises qui se fourvoient dans le multinational) vire complètement au n'importe quoi dans sa dernière demi-heure. Encore faut-il résister pour l’atteindre, cette demi-heure.

Du café froid accompagné de lait tourné... La gerbe quoi.

Note : 0

Kaboom

2011-04-01T00:01:00.001+02:00

En tant qu’étudiant, je me suis souvent dit que ça devait être sympa d’être à l’université aux Etats-Unis : en gros, ça semble se résumer au sexe, à la bière, au sexe, à la drogue en tous genres de la plus douce à la plus dure, au sexe et aux grands moments de glande profonde (faisons exceptionnellement impasse sur les crédits qu’engrangent les étudiants, les groupes élitistes dangereux et les bizutages excessifs). Du moins, c’est que nous apprend le cinéma américain ; aussi, lorsque Gregg Araki s’attèle au projet, lui qui a l’art de montrer l’envers du décor, on peut penser que ça va être sympa.

Un étudiant bisexuel, un coloc aussi con que branché vagin, une meilleure amie lesbienne et nihiliste, des psychotropes, du cul, du cul et encore du cul… Et surtout beaucoup d’anarchie : pas de doutes, Kaboom avait de quoi emballer avec cette caricature des films pour ados, aux couleurs très kitschs, à la b.o. dans l’air du temps et aux personnages atypiques. Tout cela fleurait bon le massacre de l’école American Pie et autres torchons du genre à grand coup d’ironie, de sarcasme, de cynisme et d’une bonne dose d’humour. Hélas, le film quitte très vite les sentiers de la satire pour ceux du n’importe nawak : sorcière lesbienne, secte, apocalypse, paranoïa exagérée, tout est mélangé sans cohérence, dans un capharnaüm sans nom qui se terminera dans un final complètement « what the fuck » avec ce tube déjà rétro Bitter End de Placebo. Tout démarrait bien vraiment, et je sais pas, une peau de banane mal placée et voilà qu’on regrette, en regardant une suite illogique de retournements de situations improbables, d’avoir payer pour ça.

C’est bien dommage car les acteurs sont très biens dans leurs rôles caricaturaux, et quelques répliques valent leur pesant de cacahuètes, mais rien à faire : Kaboom est un pétard mouillé, un délire qui ne s’assume qu’à moitié et, histoire d’en finir au plus vite, expédie tout sans réfléchir aux conséquences. Comme l’éjaculation d’un précoce qui s’est retenu jusque là pour essayer de briller aux yeux de sa copine, le public. Très sincèrement, même pas envie d’une seconde fois.

Note : *

Rien à déclarer

2011-03-29T00:01:00.004+02:00

Le style de Boon rebute les critiques : trop old school, pas assez actuel. Doit-on réaliser obligatoirement 40 ans toujours puceau pour être fun ? Boon s'inscrit dans une certaine tradition française, la comédie populaire du temps des De Funès, Bourvil et autres Fernandel. C'est son style, et il sait le faire fonctionner convenablement.

Et c'est justement quand Boon ajoute une couche de modernité à ce type de comédie que ça foire : ici, les clins d’œil au pur film policier (l'enquête, les indics, les courses-poursuites) ou 2-3 effets franchement ratés (un plan entièrement en effets spéciaux dans l'univers pour illustrer le temps qui passe, et une utilisation loupée de I believe I can fly) sont souvent lourds et discréditent l'entreprise de Boon. Rien de bien grave en soi : les méchants sont plus drôles qu’effrayants (Laurent Gamelon est impayable en dealer entouré d’incapables), les traîtres sont pathétiques et la manière de mener l’enquête n’a absolument rien de sérieux. Mais disons que là où Bienvenue chez les Chtits, puisqu’il est apparemment bon ton de comparer les deux films, puisait sa force dans son attitude franco-française : le Nord rencontrant le Sud dans un ton comique presque franchouillard, sans être péjoratif. Ici, rien de tout cela, le comique étant plus « basique ».

En plus, cette fois, le casting ne sauve rien : Dany Boon se réserve un rôle au final un peu fade et pas fondamentalement drôle, d’autant que son côté amoureux transi n’aide pas le film à garder le bon rythme (la romance ne sert vraiment à rien ici dans la majorité des scènes la concernant), tandis que Poelvoorde en fait des tonnes dans l'ignominie sans, cette fois, parvenir à rendre son personnage attachant. Reste Bouli Lanners, surtout, en collègue belge un peu fainéant sur les bords, et François Damiens, autre belge, grandiose en cafetier dirigé par sa femme.

Drôle une fois sur deux, Rien à déclarer est, au-delà de toute considération médiatique, ni bon ni mauvais, juste une comédie distrayante le temps de la regarder. Au final, Dany Boon a toutefois été brillant dans la partie la plus délicate de sa carrière : enchaîner, après les Chtits, un autre succès mais beaucoup moindre, afin de garder l’intérêt du public tout en se délestant d’une pression inutile. Et si c’était ça, la réussite du film ?

Note : **

Machete

2011-03-26T00:01:00.004+01:00

On dit souvent qu’une bande-annonce n’est pas significative d’un film : soit elle est bonne et le film sera naze, soit l’inverse. Mais pensait-on avant ce Machete qu’une bande-annonce pouvait créer un film à part entière ?

J’aime bien Rodriguez : un mec qui a les cojones de faire ce qu’il veut comme il veut sans chercher à jouer les grands cinéastes mais juste à s’éclater avec ses potes et faire des films que lui veut voir (donc pas forcément les autres), ça ne m’inspire que le respect. Encore plus quand il s’assume totalement : Machete, c’est de la série B qui se revendique comme telle (les effets spéciaux sont même volontairement ringards) avec ses personnages caricaturaux et sans psychologie, son action débridée, ses femmes à poil, le sang, la bidoche, le scénario épais comme une feuille à cigarette, l'humour second degré et ses acteurs qui ont un corps (pour les dames) et une gueule (pour les mecs).

On s’en tape royal du scénar : un mec qui perd tout tente de refaire sa vie, tombe dans une embuscade et décide de se venger. Point. « They just fucked with the wrong mexican », c’est dit tel quel. Alors pas besoin de se creuser la tête : l’hémoglobine va gicler, les répliques nanardesques cultes vont sortir par dizaines (« God has mercy ; I don’t ! ») et on s’en tape de la cohérence, du vraisemblable, des passages un peu trop foireux : c’est du n’importe quoi qui veut sa place au rang des « films à voir entre potes bourrés le samedi soir », et il l’obtient aisément.

Mention très bien aux acteurs par ailleurs. Un casting de malade où Trejo, monoexpressif, est au sommet de son talent de bad mexicanos, où de Niro et Don Johnson cabotinent en bad guys pour notre plus grand plaisir, où Steven Seagal bouffi fait mouche à chacune de ses apparitions, où Jessica Alba dispute à Michelle Rodriguez le titre de bombasse caractérielle du film, tandis que Lindsay Lohan joue l'autodérision (l'ado qui déteste son père et en plus se drogue et picole) et l'impayable et irrésistible Cheech Marin en prêtre à la gâchette facile et ses répliques inoubliables (« I absolve you for all your sins and now get the fuck out ! »).

En dehors d'un dernier quart d'heure un peu trop foutraque et expédié, l'ensemble du film joue à fond la carte de la dérision et Rodriguez mène sa barque comme un pro (la technique n’est pas dégueu et les effets volontairement nazes accentuent encore plus le côté décalé du film) et se fait royalement plaisir sur les scènes d'action gores et autres grands moments de génie du n'importe quoi. Un vrai film hommage et ironique, avec pourtant un fond politique derrière (la politique d’immigration des Etats-Unis, le racisme ambiant, de Niro et ses airs de Georges Bush) ce qui accentue encore plus le plaisir cynique que procure la vision de ce film. Machete rules.

Note : ***

Van Gogh

2011-03-23T00:01:00.003+01:00

Le projet de Pialat en filmant une nouvelle biographie de Van Gogh s'oppose a celui de Minnelli dans La vie passionnée de Vincent van Gogh : filmer le réel au sein d'une représentation hyper-codifiée alors que Minnelli filmait la peinture au sein d'une biographie hyper-codifiée. Cela ne veut rien dire mais je trouve que ce paragraphe en jette.

Plus sérieusement (Pialat n’aurait pas aimer que je ris de ses films), ce n'est pas tant l'artiste que sa douleur qui intéresse Pialat, son immense solitude qu'il voudrait briser mais qu'il conserve en se refusant aux sentiments quels qu'ils soient. La solitude de Van Gogh est par ailleurs fréquemment soulignée, sans que ce ne soit jamais redondant ou pesant (voir fin d’article).

Par "réel", Pialat entend la vie de tous les jours, et ses détails anecdotiques : une bonne dont le fils est mort a La Commune de Paris, une descente dans un bordel, un dimanche après-midi au bord de l'eau... Ces petites choses qui constituent une vie, un quotidien, le réel que Pialat s’est tant plu à illustrer dans ses œuvres de manière tantôt douce tantôt brutale. L’art de Pialat réside évidemment dans cet art de transcender une ou un événement anodin en moment de climax, bon ou mauvais.

Images magnifiques (peut-être Van Gogh est-il le plus beau film de Pialat), hommage sincère au peintre, Pialat fait donc de ce film d'apparence grand public une oeuvre qui lui est propre, presque intimiste. Dommage que le film se train un peu en longueur, surtout lors de la séquence du bordel, certes un bel hommage à John Ford mais qui dénote du reste du film et dure bien trop longtemps (20 minutes, soit un 7eme du film !).

Je voudrais juste terminer par une phrase, une citation de la fille de Gachet qui défini bien Van Gogh, et semble pouvoir s'appliquer parfaitement au film : « C'est une succession de moments de faiblesse. Mais au bout, quelle force. »

Note : ****

Bronson

2011-03-20T00:01:00.000+01:00

Comment réussir, à l’heure où les écrans en sont submergés, un bon biopic ? En réalisant un film qui n’en est pas réellement un. Comme Bronson.

Deux choses m’ont fondamentalement surpris (et séduit) dans ce film. La première, c’est bien évidemment la réalisation de Nicolas Winding Refn. Résolument postmoderne, d’une distanciation constante et d’une audace de tous les instants, elle n’est pas sans rappeler par bien des aspects (cadrages, étalonnage, métaphores) la mise en scène de Kubrick pour Orange Mécanique. Tous deux utilise par ailleurs la dimension « théâtrale » pour aborder un sujet aussi épineux que l’ultraviolence : là où Kubrick jouait des clins d’œil (des masques de commedia dell’arte, une scène, des musiques d’opéra), Refn joue la carte du one man show qui sert de liens entre les différentes parties du film, accentuant encore plus le côté spectacle du personnage de Bronson. La différence réside peut-être dans la démonstration de la violence chez l’un et l’autre : alors que Kubrick tournait en dérision tout acte de violence, Refn le montre de manière directe, sans concession, et les nombreuses rixes de Bronson avec le personnel pénitentiaire, en particulier la dernière, mettent mal à l’aise, et c’est bien là l’intérêt.

Le second point fort à mes yeux est sans conteste Tom Hardy. Je dois avouer que la transformation physique bluffante n’est qu’un des éléments de l’interprétation tant Hardy compose un Bronson magistral en s’effaçant derrière ce personnage schizophrène, tour à tour drôle et effrayant, touchant et exécrable. Une vraie performance, dans le sens le plus noble du terme.

Inversement, le scénario est par moments un peu trop faible, n'osant pas trop aller jusqu'au bout des choses j'ai l'impression, restant un peu en surface, comme si Refn avait peur de dire quelque chose qui ne fallait pas alors qu'il lance diverses pistes tout au long du film (Bronson est violent par envie, par besoin, par instinct, par art, parce qu'il ne sait rien faire d'autre, par soif de gloire, par solitude...). Du coup, le film reste trop en surface de son énorme sujet, complexe qui plus est, et préfère s'attarder sur une subversion des institutions pénitentiaires (normales ou psychiatriques) anglaises en soulignant la main légère des gardes sur les prisonniers difficiles, ou encore les directions mi-figue mi-raisin concernant la réhabilitation des détenus à l’instar de la séquence de Bronson, du prof de dessin et du directeur de prison.

En dépit de ces chipotages scénaristiques (l’excellence appelle la sévérité du jugement), Bronson n'en demeure pas moins un bon coup de poing dans la gueule.

Note : ****

Buried

2011-03-17T00:01:00.001+01:00

Le principe même de l’industrie hollywoodienne est le suivant : afin d’attirer toujours plus de public et de lutter contre la désertion des salles, un film doit en mettre plein la vue, tant dans les décors que dans les effets, avec une réalisation dynamique pour maintenir l’attention du spectateur, plusieurs acteurs pour varier un peu les plaisirs et enfin essayer (j’insiste bien sur ce mot quand même) de trouver une histoire un minimum originale. Et la beauté de Buried, c’est d’aller le sens totalement opposé et de fonctionner admirablement.

Buried pourrait être le film poussif : un seul décor claustrophobe à souhait (un cercueil), un seul acteur, 80 minutes… Comment tenir ? Eh bien Rodrigo Cortès y parvient ingénieusement en deux temps : la réalisation, d’une part, et le scénario d’autre part. La clé de la mise en scène, c’est de varier fréquemment les angles de prises de vue, les positions de caméra et ne pas hésiter à souligner, que ce soit en gros plan ou en plan d’ensemble, l’isolement du personnage. Un montage au couteau (bien plus que des musiques à effet dramatique agaçantes) suffit largement pour imprimer un certain rythme au film, rythme qui empêche l’ennui de s’installer.

Côté scénar, évidemment, rien de transcendant (il doit faire environ une page), mais là n’est pas le propos de Cortès : son truc, c’est de trouver le petit détail, l’élément qui permet de rebondir quelques minutes encore avant le dénouement tant attendu dont on ignore au final à quoi il ressemblera. Evidemment, le cinéaste débutant n’évite pas certains travers parfaitement dispensables (la critique des multinationales, des politiques, la prise de conscience du héros concernant sa vie merdique) mais en soi ils ne perturbent pas outre mesure le film et s’insèrent même plutôt bien même si, comme je l’ai dis, on s’en serait bien passé.

Loin d’être un vulgaire exercice de style, Buried constitue une vraie bonne surprise, tant devant (Ryan Reynolds est pour le moins surprenant de supporter le film à lui seul de cette manière) que derrière la caméra, avec la mise en avant d’un cinéaste à suivre pour confirmer ou non son talent. Et preuve ultime de l’efficacité de Buried : si le film perd de sa puissance hors d'un cinéma, il n'en demeure pas moins claustrophobe à souhait. Impressionnant !

Note : ****

Le gouffre aux chimères (Ace in the hole / The big carnival)

2011-03-14T00:01:00.000+01:00

Le cinéma a toujours entretenu une belle relation avec la presse écrite à travers son histoire : Citizen Kane n’est plus à présenter, Les hommes du président reste une référence dans le domaine du polar, Spéciale première une comédie franchement réussie… Mais il convient de citer, dans le panthéon des œuvres sur le sujet, Le gouffre aux chimères de Billy Wilder.

Pourquoi ? Tout simplement parce qu’il s’agit d’une des critiques les plus virulentes de la médiatisation d’événements tragiques, fait amplifié ces dernières années par ailleurs. Kirk Douglas interprète, avec tout le brio dont il peut faire preuve à l’époque, Chuck Tatum, journaliste aux dents longues, imbu de lui-même et assez audacieux pour tirer d'un accident déplorable dans une mine un fait divers national, véritable attraction pour badauds et journalistes en quête de sensationnel. Wilder s'amuse à dénoncer les méthodes de journalistes véreux pour obtenir un article digne de ce nom - et on peut lui faire confiance, étant lui-même un ancien journaliste.

Le cinéaste-auteur déploie dans le film tout son art du verbe, le génie de ces dialogues piquants et efficaces et son sens de l’humour noir, de l’ironie grinçante et du sarcasme ; rarement Wilder n’aura été aussi virulent, au niveau de l’histoire comme du caractère du personnage, que dans ce film. Et si on pourra regretter par moments, au vu de la subversion du scénario, une réalisation un peu trop académique, ce serait bien mal jugé Wilder qui ne négligeait pas la technique (irréprochable) mais refusait qu’elle prenne le pas sur l’histoire.

Un classique incontournable.

Note : *****

Raiponce (Tangled)

2011-03-11T00:01:00.004+01:00

Sans doute conscient que le nouveau public est tout à fait différent de celui de la génération précédente, Disney semble avoir pris plusieurs résolutions concernant ses films et change pas mal de paramètres tout en conservant certains traits fondamentaux, histoire de garder sa clientèle tout en donnant envie aux autres d’en découvrir toujours plus.

Ici, la formule Disney standard est d’application : de jolis décors, des personnages attachants dont des secondaires hilarants (un caméléon à qui on ne la fait pas et un cheval têtu comme un âne), une méchante vraiment méchante (mais bien plus subtile et fourbe que violente, ce qui est très agréable), les incontournables chansons gnan gnan, la bonne morale et assez d'action et d'émotion pour maintenir éveillés les plus petits... Tout est là. Même le duo princier. Et c’est là qu’une différence fondamentale s’installe : cette fois, exit la gentille princesse un peu cruche et le ténébreux héros au sourire Colgate, c’est une petite violente qui nous est proposée en héroïne, aussi innocente qu’habile avec une poêle en guise d’arme, tandis que le héros n’est le prince que des voleurs et des andouilles. Deux anti-héros glamour pour une dose d’humour et d’ironie ajoutée (l’effet Shrek exerce toujours son influence 10 ans après). Et le résultat est probant : quelle joie de voir un vrai changement dans le ton et la psychologie des personnages !

Evidemment côté histoire, rien de neuf sous le soleil : les gentils triomphent des méchants (avec cette énième mort en « chute biblique » : Disney ne changera jamais sur ses principes dirait-on) et ils vécurent heureux jusqu’à la fin des temps. Reste que les séquences se suivent sans se ressembler et, malgré un rythme en dents de scie, le film trainant souvent en longueur, Raiponce parvient à maintenir le bon timing concernant les gags. On notera aussi quelques séquences réussies, notamment celle dans la taverne aux malfrats, bandits et autres barbares adeptes de la comédie musicale.

Visuellement beau, même si à mes yeux Disney perd de son charme dès qu’il se limite à l’animation numérique pure, Raiponce est un solide divertissement pour les enfants, ni plus, ni moins : Disney reste maître de son art, et c’est finalement la seule chose qui compte.

Note : ***

Crows Zero (Kurōzu Zero)

2011-03-08T00:01:00.000+01:00

Comme souvent, je préfère prévenir : je n’ai pas lu le manga d’origine. Et je m’en fous : c’est du film et rien que du film que je compte bien parler, comme d’habitude.

En réalité, je ne savais pas trop à quoi m'attendre donc je n'ai pas été trop déçu : certes, le scénario tient sur un post-it, et contient plusieurs erreurs à mon goût. Par exemple, je regrette vraiment que le trio de première année, qui semble être super balèze quand même, n’intervient jamais dans le film ni dans le combat final pourtant dantesque. De même, je trouve l’histoire d’amour déplacée, hors propos tant elle n’apporte rien au film mais, au contraire, ralenti son rythme. Et puis franchement, une romance dans un film pareil, n’est-ce pas une vraie faute de goût ? C’est un poil dommage, car je trouve qu’il y a quelque chose d'Orange Mécanique dans ce portrait d'une jeunesse désabusée, menée par le besoin d'ultraviolence pour se prouver qu'elle existe et le besoin de contrôler le monde, alors qu'en fin de compte la violence n'amène à rien.

Mais à côté de ça, c'est un film surprenant à plus d'un titre : visuellement, d'abord, Miike démontre son savoir-faire et son goût du mélange des tons et des genres, passant facilement de la comédie au drame en passant par l'action brute. Et quelle action ! Sans délaisser ce trait propre au cinéma asiatique du câblage, Miike se fait plaisir en proposant des combats « réalistes » dans la mesure où les coups sont crédibles et font visiblement salement mal. Le travail sur le bruitage est par ailleurs soigné car l’impact de la chair contre la chair est plutôt brutal. Parallèlement, l'ambiance est très "manga" avec ces personnages déjantés et surréalistes et et la composition de certains plans. Les acteurs incarnent d'ailleurs ces persos avec beaucoup de conviction et, visiblement, beaucoup de plaisir.

Un joli plaisir coupable donc que ce film qui ne se veut rien d'autre qu'un divertissement, un peu violent certes mais surtout très ironique d'où sa force.

Note : ***

The September Issue

2011-03-05T18:59:00.000+01:00

J'avoue que ce documentaire m'intriguait : d'abord parce que je suis fasciné par le monde de la presse, quelle qu'elle soit, et aussi car le personnage de Anna Wintour a quelque chose de fascinant au vu du mystère et des rumeurs qui l'entourent.

Globalement, le documentaire est bon, encore que cela ressemble plus à un reportage qu'à du vrai documentaire : léger, superficiel, trop en surface et, surtout, bien trop sage, le film n'est jamais que l'illustration de deux fortes têtes qui se battent gentiment entre elles et leurs visions de la mode. Le réalisateur ne cherche jamais la scène de climax, la confrontation directe : tout se passe par montage parallèle. Il est certes amusant de voir Grace Coddington faire des commentaires et de conclure par « je le dis parce que ça énervera Anna quand elle le verra » mais ça ne va pas plus loin.

Le film tourne en rond assez vite, propose des séquences qui finalement se ressemblent, et à la fâcheuse manie de virer dans le syndrome "carte postale" dès qu'ils bougent de New York. Sous prétexte de faire un film un peu plus pop, le réalisateur multiplie les effets de style, la zoomite aiguë et l’art de magnifier Rome, Paris et autres destinations qui font rêver les Américains. Tout dans la forme, pas grand-chose sur le fond.

Reste que de la conception du magazine aux séances de shooting, le tout se regarde sans trop de peine, même si j'aurais personnellement aimé que l'on titille un peu plus la Wintour, et que l'on réfléchisse un peu plus sur ce pouvoir quasi divin qu'elle a sur le monde de la mode.

Note : **

La jeunesse de la bête (Yajuu no seishun)

2011-02-20T00:01:00.001+01:00

La subversion (latin subvertere : renverser) désigne un processus par lequel les valeurs et principes d'un système en place, sont contredits ou renversés. Le discrédit et la chute du pouvoir établi se fait dans le cadre de territoires politiquement ou militairement convoités. Voilà un terme qui conviendrait bien au film de Suzuki par ailleurs.

Plus sérieux que Détective bureau 2-3 mais aussi plus radical dans son scénario et son traitement, La jeunesse de la bête est un film curieux, à la fois un film noir baroque et pop et critique virulente des films de yakusa dont il fait pourtant partie (un dialogue dit d’ailleurs "vous les caïds, vous avez tous le même scénariste !"), d'une part, et du Japon plus globalement d'autre part.

Suzuki tente fréquemment des expérimentations visuelles fortes (couleurs, cadrages, compositions de plans) et n'hésite pas à se moquer ouvertement de la violence de ce genre de film en la réduisant à néant (filmée de trop loin) ou en la ridiculisant (bagarres assez burlesques ou avec un arrière-plan dérisoire). Le film va également à l'essentiel dans un scénario parfois un peu confus mais riche de rebondissements, lorgnant tout autant du côté du cinéma américain que du Yojimbo de Kurosawa (excusez la référence).

Mais plus intéressant encore, Suzuki va loin en critiquant le Japon, son mode de vie (l'importance de l'honneur : ici, c'est pour réhabiliter un ami qu'un ex-flic devient pourri et tortionnaire, ce qui ne colle pas vraiment avec l'esprit chevaleresque des yakuzas) et son refus de voir la réalité, que ce soit la mort (le faux suicide d'un policier) ou la violence (la scène du tabassage d'un gangster avec, en arrière-plan, tout le gratin japonais dans une boîte huppée). Ce n’est pas tant une histoire de gangster que Suzuki raconte mais bien le portrait d’un Japon dépassé par ses traditions et tentant d’ignorer la montée d’une nouvelle génération bien détachée de la précédente ; cela se traduira d’ailleurs au cinéma par la Nouvelle Vague japonaise (avec notamment Nagisa Oshima, admirateur de l’œuvre de Suzuki).

Bref, aidé par un casting sympathique dans lequel Joe Shishido s'illustre une fois encore, Seijun Suzuki continue avec encore plus d'audace et d'irrévérence à se moquer de tout et tout le monde tout en signant une oeuvre originale et marquante. J'adore !

Note : ****

Twilight : Fascination

2011-02-17T00:01:00.001+01:00

Dans ma courte vie de cinéphile, j'ai eu le (dé)plaisir de voir des dizaines de navets, et je pensais vraiment avoir touché le fond plusieurs fois... Heureusement, mon allié le plus fidèle dans cette course aux nanars, Hollywood, réserve encore et toujours des surprises.

Je ne sais que dire concernant Twilight, tant le sujet est riche. Soyons désinvoltes : je vais quand même me risquer à critiquer ce monument de la merditude au risque de voir un contrat placé sur ma tête par une horde de fans en chaleur, moi qui ai déjà souligné la dysenterie fulgurante provoquée par les derniers Harry Potter et ai déjà signé la pétition « pour payer le billet d’avion et la place de concert de Justin Bieber en VIP et backstage à Pedobear ».

Donc disais-je, Twilight. L’histoire originale (foutage de gueule 1) de Bella, alias Kristen Stewart aussi séduisante qu’un chambranle de porte et aussi expressive que la porte qui va avec (foutage de gueule 2), tombant éperdument amoureuse de Edward, alias Robert Pattinson (foutage de gueule 3), vampire de nom. Je dis bien de nom car des vampires qui non seulement ne crament pas au soleil mais, en plus, brillent sous celui-ci, moi je dis foutage de gueule 4, spécial collector. Evidemment, Bella est un peu nunuche parmi les péquenots du coin (parce que ouais, forcément, si c’est la campagne c’est débileland aux USA, c’est connu) mais assez subtile pour comprendre qu’un mec chelou + force surhumaine + teint blanchâtre + google = vampire ! (foutage de gueule 5, version ultimate) Va donc s’en suivre une éreintante (si si, c’est le mot) histoire d’amour entre la gentille pucelle et le ténébreux vampire…

Et là je dis non. Autant j’ai pu vivre l’expérience de l’Attaque de la moussaka géante, autant j’ai pu voir l’adaptation de Da Vinci Code au cinéma, autant je suis prêt à découvrir la filmographie de Uwe Boll, autant là je sature : j’ai quand même ma dignité humaine. Entre une réalisation d’une platitude pire que la géographie belge, une photo d’une laideur à faire frémir ceux qui filment avec leurs gsm ou encore ce casting aussi bon qu’une turista, je dis stop ! Et ce n’est pas l’autodérision (voulue ?) de 2-3 moments-clés (je me tâte entre la superbe scène d’allusion « subtile » à l’érection d’Edward et celle où le couple danse sur Wide on with my plastic toy…) qui m’empêchera de prononcer ma sentence définitive à l’égard de ce nanar inavoué :

C’est nuuuuuuuul !, C’est nuuuuuuuul !

Note : 0

Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu (You'll meet a tall dark stranger)

2011-02-14T00:01:00.000+01:00

Le sexe, le sexe et encore le sexe, les affres du hasard, un peu de sexe, des relations humaines compliquée et le sexe... Si Woody n'a jamais renouvelé ses thèmes, il peine désormais la manière de renouveler leur traitement : Vous allez... sent le déjà vu, en moins bon, des autres films de Woody.

Pire, le cinéaste semble s'évertuer depuis un moment à faire son mea culpa de sa vie pas politiquement correcte. Dans Whatever Works, déjà, le moralisme de Allen était mal venu. Il faut dire que recevoir une leçon sur la notion de couple et surtout de fidélité venant d’un type tel que Allen, c’est plutôt gonflé. Ici, il réfléchit sur sa propension à quitter ses femmes pour des plus jeunes et se dit qu'en fin de compte, c'était pas nécessairement un bon plan. Un peu tard non ? Puis ça manque de virulence, d'ironie, de sarcasme, de paranoïa... De Woody quoi.

Indépendamment du style du cinéaste, le film manque de rythme, de moments marquants, de consistance (la mort du fils, purement ajoutée pour combler une lacune scénaristique), de relief des situations et des personnages... Y a quelque chose de plat dans le royaume allenien. Fort dommage, car potentiel il y avait, comme souvent, tant dans les situations cocasses et les acteurs relativement en forme.

Un Woody mineur, comme trop souvent ces derniers temps hélas...

Note : **

Potiche

2011-02-11T01:30:00.003+01:00

Le moins qu’on puisse dire, c’est que François Ozon est aussi varié que prolifique : 12 ans de carrière, 12 films différents. Potiche a toutefois les grands traits du style d’Ozon : une esthétique kitsch (comme dans 8 femmes ou Angel), une place prépondérante accordée à la femme et un besoin d’aborder un sujet de société à travers une histoire intime.

J'ai justement bien aimé cette esthétique kitsch outrancière du film, qui insiste sur le côté rétro de l'histoire mais aussi pour évoquer ce contexte soixanthuitard (meme si le film se passe fin 70, ça reste de la révolution sexuelle et du clash des classes sociales) mais soixanthuitard raté, là où les révoltes sociales n’ont rien bouleversé dans le monde économique et surtout dans la société patriarcale.

Le point fort du film est toutefois le casting : il faut dire qu’ave de tels noms, le résultat ne pouvait être que bon, même si les interprétations sont inégales. Deneuve est tout simplement radieuse dans ce rôle de femme moderne qui décide de ne plus se laisser faire, bien plus que la caricaturale Judith Godrèche définitivement mauvaise actrice. J’ai trouvé Depardieu un peu en-dessous de ses capacités aussi, mais fort heureusement une bonne surprise se trouvait au tournant : Fabrice Luchini, que je n’ai jamais apprécié (trop excessif, trop philosophe de comptoir, trop bruyant et trop agité pour moi) fait preuve ici d’une sobriété admirable, impeccable qu’il est dans le rôle du mari exécrable – et drôle dans sa misogynie de bas étage. Surprenant.

En revanche coté scénar c'est facile, convenu, ça enfonce des portes ouvertes, c’est prévisible, Ozon martèle une opinion politique dans la gueule du spectateur de manière douteuse (seule la gauche (dirigée par une femme… hum hum pas vu l’allusion là) est bien, la droite ou le centre c’est maaaaaal) et le film est trop en dents de scie. C'est un peu le problème de Ozon en général il ne parvient pas à instaurer un rythme constant dans ses films je trouve, et ici ça se sent nettement.

D’une idée de boulevard on vire donc dans le film un brin trop politique, parfois drôle, rarement efficace. Le film demeure sympathique dans son ensemble mais un poil trop faible pour véritablement séduire.

Note : **

Wall Street

2011-02-05T00:01:00.000+01:00

Il faut bien admettre une chose : Oliver Stone ne laisse personne indifférent. On l’aime, on le déteste, on l’adule, on le méprise, mais en tout cas il a l’art de provoquer le débat avec ses films qui abordent souvent des sujets de controverse. Tel est d’ailleurs le cas de Wall Street, sorti quelques temps après un énorme scandale aux USA et à Wall Street en particulier, où un délit d’initié à grande échelle fut mis à jour.

Soyons honnêtes : ce film a un énorme potentiel. Sa vraie force réside dans son casting, où pléiade d’acteurs se suivent, dominés par ce trio sublime de Martin et Charlie Sheen et Michael Douglas. Les scènes entre le père et le fils Sheen sont, d’ailleurs, admirables, tant par la qualité de l’échange verbal que par la tension qui peut régner entre eux (à l’époque, on ne peut pas dire que les relations étaient au beau fixe entre eux). Mais c’est surtout Michael Douglas qui emporte le morceau, sublime en salaud de Gordon Gekko, requin de la finance qui n’hésite pas à écraser tout sur son passage pour atteindre les sommets. Il y a quelque chose de shakespearien ou de faustien dans Gekko, et Douglas écrase les autres acteurs à chacune de ses apparitions (encore plus quand il s’agit, par exemple, de Daryl Hannah, bien fade ici).

Il y a la réalisation de Stone aussi, pas toujours subtile mais efficace, toujours aussi travaillée au niveau du son (ce petit hurlement de loup que l’on entend la première fois que l’on rencontre Gekko). Rien d’extraordinaire mais une mise en scène plus que correcte.

Mais hélas, il faut compter sur une ombre au tableau, et pas n’importe laquelle : un scénario raté. Comprenez-moi bien : le scénario est bon en ce qu’il propose une histoire pleine de suspens et le schéma imparable gloire-chute en enfers-rédemption comme critique du rêve américain mais le gros problème, c'est que c'est un film d'initiés : bien malin sera celui qui, sans rien connaître du fonctionnement de la bourse, du boulot des traders et autres "actions", comprendra le film dans son ensemble. Moi, j'en suis incapable, et la frustration m'a amené à décrocher souvent du film, d'autant que les éléments annexes aux scènes de magouilles sont du remplissage peu intéressant (quid du personnage de Daryl Hannah).

Pas un mauvais film donc, mais juste trop hermétique pour réellement convaincre, et c’est bien dommage.

Note : **

Police

2011-02-02T00:01:00.002+01:00

Peut-être le film le moins personnel de Pialat…

Encore que : il subsiste dans cette histoire d'amour une trace de l'univers du cinéaste, notamment dans le traitement du récit. C’est assez difficile d’expliquer comment Pialat raconte une histoire si on a pas vu un de ses films ; les autres me comprendront !

Les images sont magnifiques, comme souvent chez Pialat quand il s’applique. Petit bémol cependant, en ce qui me concerne, c’est l’esthétique : c’est drôle de voir comment dans les années 80 il y avait un « style » français, flagrant aujourd’hui chez des cinéastes aussi variés que Besson, Blier ou justement Pialat. Bref, si cela ne me dérange pas chez Blier, force m’est de reconnaître que chez Maurice, j’ignore pourquoi, ça ne colle pas, ça marque le film dans son époque sans lui permettre de s’en détacher à un moment ou l’autre.

Néanmoins, Depardieu est grandiose, de plus en plus à l’aise chez Pialat dirait-on. Et si j’émets des réserves sur le rôle assez faible accordé à Sandrine Bonnaire (qui en a hérité car elle avait négligé Pialat pour un autre film), je ne peux cacher le fait que je ne supporte pas Sophie Marceau et Richard Anconina, infects et insipides tous deux dans tout ce que j’ai pu voir, et même si ici ils sont plus supportables que d'ordinaire, ils m'ont franchement gâché le film.

Le scénario est assez brouillon aussi, et on ne comprend pas toujours la direction du film.

Bref, je comprends que Pialat n'aimait pas ce film, même s'il est loin d'être honteux. Il est juste une tentative d’un cinéaste inclassable de faire un film conformiste. Mais un brochet n’est pas fait pour vivre dans un aquarium !

Note : **

Détective bureau 2-3 / Crevez vermines ! (Tantei jimusho 2-3 : Kutabare akuto-domo)

2010-12-21T00:01:00.005+01:00

Détective bureau 2-3 (préférez le titre original : "Crevez, vermines !") est un film étonnant, pop et presque kitsch, ancré dans les années 60, celles de la musique jazzy et de la liberté de ton. Ancré dans la vague « films de yakuzas » que produisait la Nikkatsu à l’époque, le film est surtout le début d’expérimentations audacieuses de la part d’un cinéaste japonais majeur en devenir : Seijun Suzuki.

Suzuki a un parcours pour le moins atypique : obligé de faire la guerre à l’âge de 20 ans, il trouvera la violence des combats absurde et grotesque, ce qui le marquera profondément. Après avoir échoué à l’examen d’entrée d’une université de commerce, il se lance dans le cinéma par dépit plus que par désir. Les débuts de sa carrière sont des films majoritairement de série B, relevant principalement du yakuza-eiga, les films de yakuzas, et le pinku eiga, les films roses. Suzuki doit tourner vite et sous d’énormes contraintes de temps, d’argent et de durée de film, et doit proposer des œuvres originales pour passer en avant-programme de films plus importants. Ce n’est pas grave en soi car Suzuki n’a pas (encore) de prétention artistique à ce moment-là. Au fil des années, il gagne en notoriété, mais son anticonformisme se fait de plus en plus fort lui aussi. En 1963, le diptyque Détective bureau 2-3 et La jeunesse de la bête inaugure une poignée de films qui vont déplaire au studio Nikkatsu mais où Suzuki démontre tout son génie. Quatre ans plus tard en 1967, La marque du tueur sera le coup de grâce pour Suzuki, viré.

Si j’explique tout cela, c’est parce que l’influence de ce parcours sur le cinéma de Suzuki est flagrante. Je trouve que le style de Suzuki s’approche nettement de ce que faisait Samuel Fuller par exemple : un cinéma percutant, allant à l’essentiel, sans fioritures, avec une vision très précise de la violence, une démystification des icônes populaires (gangsters-yakuzas), généralement sans grand budget et avec beaucoup de pression des studios mais aussi avec une audace formelle subtile et de tous les instants.

Détective bureau 2-3 est clairement sous influence du film noir américain, dont il détourne non sans ironie les codes par ailleurs, et loin des films de yakuzas habituels. Le scénario, s’il est basique, est néanmoins riche en rebondissements et permet au spectateur de ne pas s’ennuyer une seule seconde pendant la durée du film. A noter que l’humour est par ailleurs souvent présent, en général un humour noir ou cynique qui sied parfaitement au style de Suzuki.

Mais il me semble difficile de parler de ce film sans en évoquer une figure majeure au même titre que Suzuki : Joe Shishido. Acteur jusqu’alors rencardé aux rôles de troisième zone, ayant carrément fait recours à la chirurgie esthétique pour obtenir le visage si particulier qui le caractérise, il trouve ici son premier grand rôle et compose pour la peine un personnage fascinant, à mi-chemin entre James Bond (la classe en toute circonstance, le charme, l'humour flegmatique) et Philip Marlowe (la fin justifie les moyens, pas de scrupules, la violence dans le sang).

Clairement cynique et audacieux, tant d’un point de vue de la forme que du fond (oser égratigner l’image des yakuzas, figure emblématique au Japon et fond de commerce de la Nikkatsu, faut le faire), Détective bureau 2-3 signe le début d’une période hélas trop courte où Suzuki démontre tout son savoir-faire, qui influencera bon nombre de cinéastes par le monde ensuite d’ailleurs. Grandiose.

Note : ****

The Social Network

2010-12-18T00:01:00.001+01:00

Comment rendre un sujet somme toute inintéressant (la création d'un site de sociabilité... ouais ouais...) passionnant d'un bout à l'autre ? Réponse : The Social Network.

Faut dire que quand j’ai entendu parler du « projet de film sur facebook », j’ai doucement ricané : quoi, un film sur des asociaux ? Sur des « Aujourd’hui, j’ai mangé une pomme » ? Pire, une biographie oscarisable à la Ron Howard de Mark Zuckerberg qui a réussi le pari fou de devenir LA référence du monde informatique au même titre que Google ? Sauf que voilà : le scénario est signé Aaron Sorkin (l’excellente série A la maison blanche) et la réalisation David Fincher (que l’on ne présente plus). Déjà là, ça prend une autre tournure, et force est d’admettre : The Social Network est bien loin du biopic traditionnel, et tant mieux.

Je ne m’attarderai pas trop longuement sur la réalisation de Fincher tant elle me semble de plus en plus « classique » par rapport à son passé. Mais est-ce un tort ? The Social Network aurait pu éventuellement passer avec une réalisation à la Fight Club, et devenir le film d’une génération toute entière comme le fut le film avec Brad Pitt. Toutefois, une telle approche n’aurait peut-être, finalement, pas été une si bonne manœuvre que ça, le tape-à-l’œil prenant alors le pas sur le scénario de Sorkin et s’eut été bien dommage. Au demeurant, Fincher prouve une fois encore qu’il connaît son métier sur le bout des ongles, qu’il s’agisse d’éclairer ses scènes de nuit ou encore de réaliser une séquence d’aviron surprenante sur fond de Peer Gynt remixé (la b.o. de Trent Reznor et Atticus Ross est, au passage, tout simplement sublime par ailleurs).

Non, comme je l’ai dis, la vraie force du film réside dans son scénario. Sorkin, habile auteur, joue ainsi des codes narratifs (flash-backs entremelés) et des dialogues percutants pour nous tenir en haleine pendant 2h. Il faut dire qu’au-delà de ça, il n’y a pas grand chose à se mettre sous la dent il est vrai, et le bla bla informatique est parfois juste un peu trop pointu pour les non-initiés. Mais qu’importe, l’intérêt étant le portrait sans concession de Zuckerberg, l’homme, dans ce qu’il a de plus beau et de plus méprisable. Il y a quelque chose de shakespearien dans ce personnage, assoiffé de pouvoir et de reconnaissance et qui finit seul et détesté, comme tant d’autres mégalomanes de son genre. Tout cela est-il vrai ? Sorkin se défend des critiques, inévitables, via un dialogue avec une jeune avocate : "dans une plaidoirie, il y a 85 % d'exagération, et 15 % de parjures". Tout le cinéma hollywoodien en somme.

Enfin, je ne peux m’empêcher de parler du casting que j’ai trouvé magnifique. L’intelligence de Fincher s’illustre non seulement par un choix très judicieux (pas de stars hormis un surprenant et agréable Justin Timberlake, et que des acteurs dans la vingtaine d’années, la génération facebook en somme) et audacieux mais aussi par une direction exemplaire qui conduit chaque interprète au meilleur de lui-même, principalement Andrew Garfield et Jesse Eisenberg qui trouve certainement l’un des grands rôles de sa carrière tant il est Zuckerberg à l’écran.

Divertissement intelligent, Social Network n’est sans doute pas aussi virulent qu’il aurait pu l’être, et tant mieux : pourquoi ruer dans les brancards et perdre de la crédibilité ? En se posant comme le portrait d’un homme dans sa complexité, le film atteint les sommets du biopic hollywoodien, et Fincher de démontrer une fois encore qu’il sait s’entourer et nous conter des histoires comme personne d’autre. Si Social Network n’est pas un film culte en devenir, il n’en demeurera pas moins un film générationnel, et ça c’est suffisamment énorme pour être cité.

Note : ****

The Kid

2010-12-15T00:01:00.001+01:00

Bien qu’il ait joué/réalisé un nombre incroyable de films auparavant, Le Kid est considéré comme le premier « vrai » film de Chaplin dans la mesure où il est son premier long métrage (« Six bobines de bonheur » soit une heure, précisait l’affiche de l’époque). C’est aussi un film intéressant car le style Chaplin s’y trouvait totalement étalé : un mélange plus ou moins réussi de burlesque et de mélodrame.

Visuellement d’abord : Chaplin est et reste un maître incontestable en matière de burlesque. Sa capacité à faire ce qu’il veut de son corps est tout simplement épatante : la scène de la bagarre est à ce titre édifiante, où comment face à un adversaire le malmenant Chaplin transforme son corps en véritable feuille morte virevoltant sous les coups. Mais au-delà du corps (plutôt le domaine de Buster Keaton, nettement plus athlétique), c’est dans le gag que Chaplin s’est surtout illustré. Une scène est très drôle de ce point de vue, celle de l’arnaque entre le Kid et Charlot : tandis que l’un brise les fenêtres à coups de pierre, l’autre vient les réparer en passant « par hasard » jusqu’à ce qu’un policier les démasque. Jubilatoire, cette séquence est aussi l’illustration du vrai point fort du film : l’association Chaplin et Jackie Coogan.

Ce petit bonhomme, haut comme trois pommes, est réellement épatant, tant dans la farce que dans l’émotion, et occupe tout simplement le devant de la scène, au détriment même de Chaplin ce qui n’est pas rien. Rien d’étonnant quand on voit le naturel de l’enfant et son talent qu’il ait été le partenaire préféré de Chaplin au cours de sa carrière comme le cinéaste l’avouait lui-même.

Ceci dit, le Kid m’a un peu déçu en le revoyant, car j’en avais un meilleur souvenir : Chaplin joue beaucoup trop sur le mélo facile (la bonne bouille du gamin, les violons, la misère noire de noire mais le bonheur d'être réuni plus fort que tout) et l'humour ne fait pas toujours mouche. Le scénario est fort léger et tiré par les cheveux (bien tombé que la mère devienne star puis se rend EXACTEMENT dans le quartier de son gamin : du mélo en plein j’vous dis) et ne contient à mes yeux pas assez de scènes marquantes (contrairement aux autres films de Chaplin) pour s'illustrer. A noter aussi cette scène de trop car trop longue et en rupture assez nette avec l’ensemble du film : le rêve de Charlot où il se voit dans un quartier peuplé d’anges avant que de petits démons viennent semer la zizanie.

Alors certes, la volonté de Chaplin était certainement de proposer un divertissement mais aussi une œuvre plus personnelle, détachée du burlesque et se dirigeant vers la comédie dramatique qu’il mettra du temps à maîtriser. Une ébauche honorable mais le meilleur était encore à venir.

Note : ***

La classe américaine

2010-12-12T00:01:00.003+01:00

Attention : cet artilce n’est pas un artilce sur le cyclimse. Merci de votre compréhension.

Le détournement de film n’est, en soi, ni quelque chose de récent ni quelque chose de rare : Woody Allen lui-même, pour ne citer que lui, s’y était collé en 1966 avec Lily la tigresse. L’intérêt ici est que le détournement passe non seulement par un redoublage mais carrément par un remontage. De ce point de vue, c'est une vraie belle leçon de cinéma, sur la notion de raccords (les regards, les axes, la règle de 180°, etc.) et on pourrait réfléchir au jeu de direction de spectateur (à la Hitchcock), vu qu'ici on finit par se concentrer tellement sur des détails (les acteurs, les dialogues) qu'on en oublie des décors sensiblement différents d'un plan à l'autre. Au-delà de la parodie, c’est donc un geste réflexif et théorique sur le cinéma que lancent les réalisateurs qui ravira tous les amateurs de réalisation pure.

Evidemment l’attrait principal du film, l’humour, reste sujet à discussions. Il faut au moins reconnaître, même si on n’aime pas le film, que le décalage total est largement assumé (l'intervention de Orson Welles qui n’aime pas qu’on plagie Citizen Kane, les dialogues devenus cultes comme « Tu baises les ménagères bien tu dois avoir le cul qui brille mais c’est pas ça qu’on appelle la classe ») même si à la longue, le film s'essouffle un peu et tourne vite en rond. On sent que les réalisateurs, dans leur grand délire, se sont avant tout fait plaisir (comme la séquence avec Charles Bronson en indien et les chips) et ont assemblé comme ils le pouvaient les séquences entre elles.

Cela étant, je suis particulièrement fan de l’exploit qui consiste à être allé chercher les authentiques comédiens de doublage de l'époque des personnages détournés : Raymond Loyer (l'acteur de doublage attitré de John Wayne, pas vraiment habitué à ce genre de doublage parodique) et Roger Rudel (la voix familière et nasillarde de Kirk Douglas et Richard Widmark) entre autres, ainsi qu’une brochette de trublions fort sympathiques (Alain Chabat, Dominique Farrugia, Jean-Yves Lafesse, Marc Cassot ou Lionel Abelansky).

Grand n’importe quoi qui s’assume et leçon de mise en scène, La classe américaine / Le grand détournement est un de ces films cultes qu’il faut absolument avoir vu au moins une fois dans sa vie, ne serait-ce que pour avoir un minimum de classe. Et le train des injures des détracteurs ne fera que rouler sur les rails de l’indifférence des fans. Monde de merde.

Note : ***

Misère au Borinage

2010-12-09T00:01:00.000+01:00

1932 : Henri Storck, 25 ans, déjà actif dans le cinéma expérimental, grand fan d’Eisenstein et proche de l’idéologie communiste, décide de parler, avec l’aide de Joris Ivens, de la vie des mineurs. Cinéaste militant, il est sur le point non seulement de réaliser son film le plus important mais aussi un futur film d’école : Misère au Borinage.

Le Borinage est une sous-région belge située en Région wallonne dans la province de Hainaut, à l'ouest et au sud-ouest de la ville de Mons, à l'extrémité ouest du sillon Sambre-et-Meuse. C'est un ancien site minier qui donnait jadis du charbon à l'affleurement, notamment dans la forêt Charbonnière. Les veines se prolongeaient au-delà de la frontière franco-belge et on a retrouvé le charbon du côté français plus en profondeur, la surface étant recouverte de sédiments tertiaires. Plus tard, les hommes ont creusé des mines. La technique évolua si bien que l'exploitation de charbonnages fit du Borinage un des berceaux de la révolution industrielle après l'Angleterre. Mais derrière cette prospérité économique, il y avait aussi la misère sociale : le travail pénible et nocif à la santé, la paie médiocre, le train de vie guère plus emballant et l’interdiction des grèves. Storck et Ivens décident donc de filmer ces vies, en particulier celles de mineurs punis après une grève fortement réprimée en 1932. Pour l’anecdote, lorsque les réalisateurs lancèrent un appel aux dons, ils reçurent une somme colossale (35 000 francs) d’un riche anonyme, qui s’avéra être en réalité… un riche propriétaire flamand mais qui, paradoxalement, avait des affinités avec l’idéologie communiste.

Bien sûr, Misère au Borinage est un pamphlet contre l’exploitation de l’Homme par l’Homme. Pourrait-il en être autrement lorsque l’on voit les images que les cinéastes ont filmées ? Ce Germinal made in Belgium est insoutenable au niveau humain, entre les conditions de vie précaires de familles entières (allant jusqu’à l’expulsion immédiate, en plein hiver, d’un couple avec un enfant en bas étage ) et les conséquences d’une vie dans un mauvais environnement (les enfants débiles). Après, on peut largement discuter des reconstitutions de Storck et Ivens, notamment la scène de l’huissier qui vient, déguisé en ouvrier, expulser des mineurs avant que les collègues de ce dernier viennent l’aider en empêchant les gendarmes d’emporter les meubles.

Mais l’idéologie communiste trouve aussi ses marques via le cinéma à l’état pur : en l’occurrence, ce montage en référence au montage soviétique (faire passer des idées politiques via la succession des plans) et ce clin d’œil appuyé au Cuirassé Potemkine (ici, un seau d’eau rempli d’insectes évoque directement le morceau de viandes infesté de vers dans le film d’Eisenstein). En outre, les plans sont souvent travaillés, tant au niveau de la lumière (des éclairages spéciaux furent emportés car les maisons des mineurs n’avaient pas d’électricité) que du cadrage (le film du bien évidemment être tourné dans la clandestinité). Enfin, pour l’anecdote, Storck et Ivens sont ici parmi les premiers à utiliser des films et des morceaux de pellicules préexistants pour illustrer leur film : c’est ce qui deviendra, quelques années plus tard, le found-footage, un courant majeur du cinéma expérimental.

Film-modèle du film militant, du cinéma engagé, du documentaire idéologique, Misère au Borinage n’en est pas moins un témoignage fort, âpre, douloureux d’un passé pas si lointain, rappelant qu’il y a moins d’un siècle certains gens, hommes, femmes, enfants, souffraient pour pouvoir subsister. Et si la situation a « officiellement » changé par chez nous, elle est toujours d’actualité dans d’innombrables pays (ne serait-ce par exemple, comme nous le rappelle souvent l’actualité meurtrière, le cas en Chine) et même en Belgique, comme l’a prouvé Patric Jean et ses Enfants du Borinage, hommage à Henri Storck par ailleurs.

Note : ****

L'effet papillon (Butterfly effect)

2010-12-06T00:01:00.005+01:00

6 ans plus tôt.

- Eh mec, faut que tu mattes un film : « L’effet papillon ». Terrible.
- Connais pas. C’est de qui ?
- Ché pas, mais c’est sur les voyages dans le temps, tout ça…
- Euh ouais…
- Si si c’est bien, puis les effets spéciaux sont vraiment sympas, et l’histoire d’amour assez cool.
- Je suis à ça d’être emballé dis donc…
- Et puis y a Ashton Kutcher dedans, le mec qui se tape Demi Moore !
- Ah ben me voilà convaincu : t’es bourré.

En fait non, mon ami ne l’était pas. J’ai donc regardé le film, qui était sympa. Et puis le temps a passé… Et me revoilà avec l’occasion de le revoir. Pourquoi pas. Et là, la claque : ce film est définitivement une agréable surprise !

Le point fort du film réside sans conteste dans son scénario diabolique : ne négligeant aucun détail, exploitant pleinement la théorie du chaos pour créer un récit alambiqué mais cohérent en soi (chaque élément narratif est important), je trouve juste dommage que la mise en place prenne autant de temps, surtout que les 10 premières minutes avec les ellipses (violentes) installent un climat propice pour que le spectateur laisse la marque de ses mains dans le fauteuil. Il y a aussi 10 minutes en trop, à mon goût. Il n’empêche : tout s’enchaîne de la bonne manière, et on finit par se prendre au jeu et bien malin sera celui qui devinera la fin du film – en partie aussi parce qu’il en existe plusieurs, ça aide. De ce point de vue, curieusement, je préfère la fin de la version ciné à la fin voulue par les réalisateurs, plus métaphysique sans doute mais qui dénote de la logique du film (sur le comment le héros replonge dans le passé).

Au-delà de ça, rien de transcendant, mais du convaincant : Ashton Kutcher est réellement surprenant (faut dire que j’ai du mal à le voir hors de That 70’s show) et la réalisation, sans être extraordinaire, est tout à fait honorable et dans le ton du film. En faut-il vraiment plus ?

Un bon divertissement intelligent et qui, curieusement, ne finit pas si bien que ça - un gage de qualité dans un Hollywood aseptisé.

Note : ***

Team America

2010-12-03T00:54:00.003+01:00

Trey Parker et Matt Stone : deux noms que les amateurs du politiquement incorrect (et insolent) connaissent très bien pour être les créateurs de South Park, dessin animé atypique s’il en est et pour le moins anticonformiste dans son dessin et, surtout, son humour gras et vulgaire. Le trait stylistique de Parker et Stone est, globalement, de défoncer tout ce qui est sur le passage à coup d’histoires improbables, de personnages antipathiques et de « fuck ». C’est un humour à part : on fonctionne ou on décroche très vite. Moi, j’adhère à 200%

Team America est relativement éloigné de South Park mais garde la même veine agressive et sans pitié. Ici, le trash de la série animée est bien édulcoré (la méchanceté gratuite est surtout basée sur l’ironie et la moquerie, moins sur le besoin de choquer), même s’il subsiste encore quelques séquences de mauvais goût assumé comme celle du vomi infini ou le massacre des acteurs hollywoodiens engagés. La provocation de Team America se situe surtout dans la critique cinglante de tout ce qu’elle touche :

- L’industrie du spectacle (la comédie musicale « Everyone has AIDS ») ;
- Les USA et leur politique belliciste ;
- Les intégristes et autres terroristes ;
- Kim Jong-Il (croqué à la sauce Eric Cartman : impayable !) ;
- Hollywood, ses films bidons (le même canevas, les même invraisemblances) et ses acteurs engagés envers et contre tout ;
- Etc.

En gros, ça flingue dans tous les sens, et dieu que c’est bon.

Il ne faudrait toutefois pas croire que la réalisation est pour autant délaissée. Si le côté bricolé et approximatif de South Park confère à la série (et au film) un charme indéniable, le côté rétro de Team America, avec ses marionnettes dont les ficelles sont apparentes est joliment contrasté avec la beauté visuelle du film (décors, actions, soin des marionnettes), est bien plus agréable à regarder et confère subtilement un charme supplémentaire au film : Parker et Stone s’affirment en tant que sales garnements ayant refusés de grandir et la noirceur du propos est contrebalancée par l’innocence de l’enfance symbolisée par ces jouets.

Allez, histoire de pianiller, disons que le film tire juste un poil en longueur par moments et que l'ironie et le sarcasme ne sont pas toujours clairement définis comme tels, ce qui empêche Team America d’atteindre les sommets du mauvais goût et de la parodie absolue. Au-delà de ça : "Americaaaaaaa... fuck yeah !"

Note : ****

La maison de bambou (House of bamboo)

2010-11-30T00:01:00.001+01:00

Si l’on parle beaucoup des films de guerre de Samuel Fuller (bon, ok, vu son passé, c’est normal), on oublie un peu ses deux autres genres de prédilection : le western, qu’il aimait utiliser pour autopsier les travers de l’Amérique, et surtout les films noirs qui, finalement, étaient assez proches aussi de son passé (pour avoir côtoyé les gangsters avant de devenir soldat). Et parmi ceux-ci, La maison de bambou est probablement l’un de ses plus beaux.

Un film noir (en couleurs par ailleurs sublimes) avec comme décor le Japon au lendemain de la guerre, il fallait oser, Fuller l'a fait ! Premier film hollywoodien à être entièrement tourné au Pays du Soleil Levant après 1945, House of Bamboo est surtout l'occasion pour Fuller de magnifier un pays qu'il aime et d’essayer d’en capter la saveur et l’originalité (à l’instar de cette séquence de théâtre traditionnel sur le toit d’un immeuble) tout en parlant de ce milieu qu'il connaît bien, les gangsters. Bien sûr, on est loin de la sombre peinture qu’il a pu en faire dans Pick up on South Street, le modèle du genre dans sa filmo à mes yeux, mais les criminels de House of bamboo n’ont rien de caricatures comme dans beaucoup de films de la même époque, ce sont au contraire des hommes avec des sentiments parfois complexes, comme le lien trouble, quasiment homosexuel refoulé, qui unit le chef du gang et son bras droit.

Le scénario est assez prévisible mais contient suffisamment de beaux moments pour tenir la route. Ces moments, ce n'est pas Robert Stack, héros certes mais un peu fade, qui s'y illustre, mais bien Robert Ryan, sublime en chef de gang dandy et homosexuel, éclatant lors du meurtre de son bras droit. Cette séquence d’ailleurs, très simple, est pourtant riche d’émotions et d’une complexité de jeu de la part de Ryan plus qu’intéressante. Sans aucun doute le personnage de Ryan est-il le plus travaillé du film, et l'un des plus beaux chez Fuller en général. La scène finale, dans la zone de jeux pour enfants sur le toit d'un immeuble en plein cœur de Tokyo, véritable duel de plates-formes, est elle aussi mémorable.

Un film à reconsidérer. Comme beaucoup de Samuel Fuller soit dit en passant. Je sais, je me répète, mais vérifier par vous-même vous verrez si je mens !

Note : ***

Monstres & Cie (Monsters Inc.)

2010-11-27T00:01:00.001+01:00

Tout commence avec un générique jazzy et évoquant ces compositions des années 50-60. Vient ensuite une scène s’apparentant à un film d’horreur : une chambre d’enfant, une porte qui grince, les ténèbres, une ombre monstrueuse, les cris apeurés du morveux… et les cris encore plus apeurés du monstre qui nous offre quelques secondes de pur burlesque en se vautrant dans les jouets du gamin.

En 3 minutes chrono, Pixar vient d’emballer le spectateur et ne va plus le lâcher pendant 1h30 de chef-d’œuvre. Oui, « chef-d’œuvre », le mot est dit, et je l’assume. Il est sans doute souvent galvaudé (par moi en premier) mais je ne vois aucun autre adjectif qui collerait à cette merveille d’animation.

On a beau regarder ce qu’on veut, tout est irréprochable. Il y a déjà cette qualité de dessin incroyable, où les monstres sont hideux sans être affreux, et où le soin apporté à chacun peut être tout simplement dantesque, comme c’est le cas pour Sullivan dont les poils sont presque perceptibles chacun (je ne vois que Ratatouille qui supplante ce sens du détail). Les décors sont certes basiques mais reflètent bien l’ambiance qui peut exister dans une usine par exemple, ou dans le resto chic du quartier.

Les personnages sont par ailleurs extrêmement attachants, de la petite boule de nerf de Bob au gros nounours de Sullivan, en passant bien entendu par le petit démon de Bouh. Même les méchants ont ce petit quelque chose, en particulier Léon (Randall en vo, car la voix est Buscemi est géniale), sublime crapule à la sauce Disney.

Puis y a ce scénario, modèle du genre véritablement : bourré d’humour et d’action pour les enfants, aimant s’amuser des codes préétablis (ici, on inverse les rôles puisque ce sont les monstres qui ont peur des enfants) et offrant, comme toujours chez Pixar, un second degré de lecture pour les adultes (en l’occurrence, une critique très nette du capitalisme et de la course aux résultats quitte à éliminer les gêneurs).

Un vrai tour de magie, celui du cinéma d’animation capable de tous les délires possibles et qui, chez Pixar, confine au sublime. Chef-d’œuvre, c’est bien ce que je disais !

Note : *****

Zombieland

2010-11-24T00:01:00.001+01:00

Les zombies, monstres éculés dans le cinéma d'horreur, guère effrayants car lents, prévisible, sans aucune aptitudes... Autrefois. Ici, comme dans L'armée des morts, ils courent les vicieux, sont attirés par le bruit et les lumières flashy et, surtout, ont salement faim même après avoir bouffé la planète entière. Et quoi de mieux qu'une équipe improbable pour leur faire la nique ? Un étudiant paranoïaque et au colon fragile, un yankee qui massacre du zombie - et qui le fait bien – et deux petites garces. Voilà le programme de Zombieland.

Tour à tour hommage et parodie, Zombieland a le mérite de jouer cartes sur table d’entrée de jeu : oui, c’est un bon gros divertissement sans prise de tête, loin des discours sociaux à la Romero mais ne visant qu'à divertir le spectateur. Pour ce faire, l’action est presque continue, sans temps morts, et les dialogues et situations sont bourrées d’humour tantôt au premier degré tantôt au second. Une très bonne idée consiste, par exemple, à insérer les règles de survie dans l’image, selon une typographie spécifique, créant souvent un décalage comique avec la scène « d’horreur » qui se déroule. Dommage que, de temps à autre, une séquence pas drôle du tout (le passé de Tallahassee, la séquence romantique), même vainement contrebalancée par une touche d'humour sur la fin, cassent un peu l'ambiance délirante parfois énorme (comme la séquence de la guest-star surprise).

Reste que le casting est plutôt surprenant, entre la (très) jolie Emma Stone, le nerd Jesse Eisenberg et surtout un Woody Harrelson trouvant un rôle à sa (dé)mesure, immense en grand taré qui s’éclate à buter du zombie en jouant du banjo dans un hypermarché. Probablement le point fort du film, Harrelson est tout simplement inoubliable dans ce rôle.

Un peu plus potache et moins gore que Evil Dead, Zombieland n’atteindra sans doute pas le même degré de culte les années à venir. Il n’empêche : il s’agit très clairement d’une comédie horrifique décomplexée, pas prétentieuse et remplissant point par point son rôle, celui du divertissement du samedi soir. Et rien que ça, c’est énorme et mérite le respect le plus total.

Note : ***

La fiancée de Frankenstein (The Bride of Frankenstein)

2010-11-21T00:01:00.001+01:00

1935 : quatre ans après le succès incontestable de Frankenstein, et toujours dans les difficultés financières, la Universal décide de ramener à la vie (si je puis dire) son monstre bankable histoire de renflouer un peu le tiroir-caisse. Ainsi naquit La fiancée de Frankenstein.

J'avais un doute concernant la supériorité de ce film sur le premier Frankenstein : on ne peut pas dire qu’à Hollywood les suites soient souvent inspirées ou de qualité égale au film modèle. Mal m'en a pris, car Bride of Frankenstein est bel et bien meilleur que le premier film.

Avec un budget plus confortable, James Whale signe un film plus beau, plus abouti, plus gothique (décors et lumières), plus poétique. Visuellement c’est splendide, véritable exemple du film fantastique classique : on y retrouve des décors du premier film, tel le laboratoire du docteur Frankenstein ou son immense demeure, mais on découvre aussi de splendides décors comme les catacombes dans lesquelles le Monstre va rencontrer l’un des personnages les plus fascinants du film : le docteur Prétorius, archétype du savant fou et surpassant le docteur Frankenstein dans sa quête du pouvoir divin – le genre de personnage inoubliable. Il y a aussi une étonnante modernité dans la réalisation, sans temps mort et j’ai envie de dire presque atemporelle, et la transgression à peine perceptible du genre fantastique vers le genre comique est superbe. Je veux dire que pour moi, Bride of Frankenstein est plus une parodie qu'horrifique ; preuve en est avec cette séquence magistrale où Pretorius exhibe ses homoncules : prouesse technique et ironie grinçante !

Côté scénario, il est lui aussi bien plus étoffé que le premier film, et ce à bien des égards. On retrouve ces thèmes forts de Frankenstein, avec un approfondissement systématique, en particulier concernant l’ambiguïté du Monstre. Cette ambiguïté, elle est caractérisée par une variation constante des sentiments du Monstre, passant de la haine à la peur, puis de l’amour (la rencontre avec le vieil aveugle dans le cabanon est plus qu’émouvante dans ce genre de film) qui mènera à cette quête d’une fiancée, avant de finir tragiquement dans un sentiment de vengeance exacerbé. Rares sont les monstres de cinéma qui auront connu une telle recherche psychologique, et c’est tant mieux dans ce cas-ci. Evidemment, la performance de Boris Karloff, encore meilleur que dans le premier Frankenstein, n’est pas étrangère à la réussite du film.

Enfin, preuve ultime de l’humour noir du film : l’idée de faire jouer le rôle de Mary Shelley et de la fiancée du Monstre par la même actrice, Elsa Lanchester, madame Charles Laughton ! Mais au-delà du double clin d’œil, il y a aussi un sens important qui rentre dans la ligne thématique du film : « James Whale, déclarait Elsa Lanchester, pensait que les gens charmants et doux, hommes ou femmes, possédaient au fond d’eux-mêmes des pensées malsaines. Il pouvait s’agir de dragons, de monstres ou du laboratoire de Frankenstein. James voulait que les deux personnages aient la même interprète car après tout la fiancée de Frankenstein provient de l’âme de Mary Shelley. »

Film phare, Bride of Frankenstein est un classique incontournable, que l’on aime le cinéma fantastique ou non tant il dépasse son genre pour toucher au sublime. Un chef-d’œuvre.

Note : *****

Dracula

2010-11-18T00:01:00.002+01:00

Les fidèles de ce blog le savent : je suis un grand fan de la période « cinéma fantastique » de la Universal dans les années 30, et de la naissance (ou de l’apothéose) des grands monstres du septième art : Frankenstein, l’homme-invisible, le loup-garou, le fantôme de l’opéra et, bien sûr, le plus séduisant de tous : Dracula.

Qui n’a pas vu Dracula de Tod Browning ne peut prétendre avoir vu Dracula au cinéma. Non pas tant parce qu’il constitue l’une des premières apparitions officielles du vampire au cinéma, mais bien parce que le mythe du suceur de sang passe obligatoirement par Bela Lugosi, par son « I am… Dracula », par son jeu théâtral (notamment le fameux regard) et par son charme vénéneux. Chaque minute à l’écran est un bonheur de cinéphile, tant il frôle constamment le sur-jeu sans jamais y céder.

Par ailleurs, Tod Browning est un cinéaste majeur qu’il ne faut pas sous-estimer. Si sa réalisation ici prête à sourire plus d’une fois quand il utilise des effets spéciaux (les chauves-souris sont ridiculement niaises), elle est néanmoins délicate quand il s’agit d’illustrer un manoir en ruine, la beauté d’une actrice ou la tension d’un duel psychologique entre Dracula et Van Helsing par exemple. Sans être extraordinaire, la mise en scène de Browning est rythmée, va à l’essentiel et permet au film de ne pas lasser le spectateur et de le tenir en haleine de A à Z.

Hélas… On peut être fan des décors, de Bela Lugosi, de ce charme qui se dégage de ces films fantastiques des années 30, il faut bien admettre que ce Dracula de Browning, si réussi soit-il, souffre d'une très sérieuse concurrence. Sans les énumérer tous, il y a bien évidemment l’angoissant et toujours surprenant Nosferatu de Murnau (où Max Shreck est bien plus flippant que Bela Lugosi, certes dans un registre moins glamour). Il y a le sulfureux Cauchemar de Dracula, où Christopher Lee efface largement la performance de Lugosi en matière de vampire raffiné et angoissant. Enfin, il y a le baroque Dracula de F.F. Coppola, pour ne citer que ces trois références là.

Du coup, quand on repense à tout ça, Dracula a pris un sacré coup de vieux, et ne possédant pas la richesse thématique de films comme Frankenstein ou L’Homme-invisible, il n’a pu traverser les âges de la même manière. N’en déplaise : il reste un classique agréable à regarder et divertissant. En soi, voilà qui est largement suffisant.

Note : ***

PS : la nouvelle bande sonore composée par Philip Glass, que l’on peut trouver sur le dvd, prouve quant à elle 2 choses : 1/ Glass est un génie et 2/ la musique joue un rôle énorme dans l'ambiance d'un film. A la fois contemporaine et évoquant ces musiques de films muets, elle colle parfaitement au film et lui confèrerait une étoile de plus si je devais noter le film en en tenant compte.

Gomorra

2010-11-15T00:01:00.001+01:00

Le message de Gomorra est d’une certaine subtilité, et je dois être franc d’une certaine originalité : la Mafia, c’est le Mal, je dirais même, c’est PAS bien. Merci. J’ignorais.

Évidemment que c'est un fléau pour ceux qui y sont confrontés. Évidemment qu'ils sont partout et intouchables. Évidemment qu'ils ne plaisantent pas. Évidemment qu'une fois qu'on s’y frotte, on traîne déjà avec soi une odeur de sapin. Mais tout de même : il ne faut pas souligner aux gros traits ces différents points pour faire entendre ce discours. Par son parti-pris réaliste, Gomorra semble s’opposer à ces films-références sur l’univers de la mafia : le Parrain, Scarface, les Affranchis, Casino… N’est-ce pas occulter que, sous leurs airs virtuoses ou baroques, ils énoncent tous le même discours : quiconque se risquera à cette vie finira soit seul et malheureux soit entre quatre planches ? A-t-on besoin d’asséner pendant 2h30 un discours moralisateur et appuyé pour dire que, non, la mafia n’est pas quelque chose qui fait rêver mais bien une organisation criminelle dangereuse, aussi bien pour les autres que pour ceux qui en font partie ?

Gomorra est cinématographiquement pauvre. Il ne se passe pas grand chose, ça parle beaucoup, ça manque cruellement d’invention, d’audace, d’imagination visuelle. Ca manque aussi de tension, de rythme, de personnages attachants. L’approche documentaire (morne) enchaîne les séquences à la « à peu près », frôlant le voyeurisme plus d’une fois. Je ne sais même pas si on peut dire que c’est bien filmé tant tout semble brouillon. Et dire que, la même année, Paolo Sorrentini nous proposait son magistral Il Divo sur un thème similaire…

Bien sûr, il faut rendre justice à une pléiade d’acteurs convaincants et de ci de là des moments intéressants, mais Gomorra ne concourt pas dans n’importe quel genre : il se situe dans celui du film de gangster, l’un des plus difficiles car l’un des plus fréquentés et peuplé de grands chefs-d’œuvre. Les comparaisons sont presque inévitables, et Gomorra n’en supporte aucune, ni italienne, ni américaine, aucune. Filmer caméra à l’épaule n’accentue pas un sentiment de réalisme, ça donne juste le mal de mer. Voir la mafia escroquer des gens ou tuer des jeunes voyous n’augmente pas l’antipathie que l’on peut éprouver à son égard, elle ne la renforce même pas : tout cela a déjà été vu des centaines de fois, et bien pire encore parfois.

Je ne cache pas être curieux de lire le livre, car ce film m’a semblé contre toute attente de ma part bien fade : Matteo Garonne n’a pas le panache d’un Martin Scorsese, le sens du tragique d’un Francis Ford Coppola, le lyrisme d’un Sergio Leone, la violence d’un Brian De Palma ni même l’invention d’un Paolo Sorrentino ou la vigueur d’un Francesco Rosi. Il a le mérite d’avoir essayé, et c’est tout.

Note : *

Primary

2010-11-12T00:01:00.001+01:00

Primary est un film de Robert Drew et Richard Leacock, et raconte la campagne présidentielle opposant John Fitzgerald Kennedy à Hubert Humphrey. Voilà qui ne nous rajeunit pas (enfin vous, moi j’étais pas né). Et, fait important, il s’agit de l’un des premiers documentaires du cinéma-direct.

Qu’est-ce ? Pour faire court et simple, disons que le cinéma-direct, comme son nom l’indique, a(vait) pour ambition de saisir la vérité de ce qu’il filme, sans interférer de quelque manière que ce soit. Autrement dit, le cinéaste n’intervient plus (pas d’interviews par exemple) et la caméra (devenue légère : c’est l’ère de la 16mm) tente de se faire oublier. Le cinéma-direct n’est donc plus une retranscription mais bien une observation du monde.

Donc, voilà que nos amis Drew et Leacock décident de suivre les deux candidats à la présidentielle de l’époque, en décidant non plus de les filmer comme le font les télévisions mais en voulant donner une image « vraie » de ces deux hommes. On ne peut pas le nier : certaines séquences sont éloquentes, notamment lorsque l’on sent et voit le stress chez les Kennedy lors d’une campagne dans un Etat qui leur est défavorable de prime abord. C’est assez drôle, de ce point de vue, de voir que les politiques peuvent aussi être derrière leurs façades impeccables, des êtres humains.

Et pourtant : c’est paradoxalement là la limite du cinéma-direct. Quelques années plus tard, Drew et Leacock ont reconnu eux-même la faiblesse ultime de leur film : devant une caméra, même en faisant mine de l’ignorer, tout le monde se met en scène, et les politiciens encore plus (et ça se sent très nettement dans ce film). Certes, on peut approcher de manière flagrante (d’où un travail sur les gros plans) leur intimité, mais jamais la vérité vraie ne pourra être atteinte en présence d’une caméra. Film-fondateur du cinéma direct, il en est aussi l’opposition malgré lui. Primary ne convainc donc qu’à moitié malgré sa bonne volonté.

De plus, le regard rétrospectif que l’on en a (la victoire de Kennedy), la mauvaise qualité du son (le son synchrone ne fonctionnait pas encore vraiment à l’époque) et le fait que l’on soit habitué aujourd’hui, par le biais du cinéma mais aussi des médias, aux coulisses des campagnes présidentielles, tout cela fait que le film aujourd’hui a passablement vieilli et n’est guère plus passionnant. Il n’en demeure pas moins un film-clé dans l’histoire du cinéma documentaire, et comporte encore un certain charme pour pouvoir encore être vu de nos jours, mais plus par curiosité que par intérêt.

Note : **

Le Royaume de Ga'Hoole: la légende des gardiens (Legend of the Guardians: The Owls of Ga'Hoole)

2010-11-09T00:01:00.004+01:00

Zack Snyder est quelqu’un de surprenant. Après avoir rajeuni le film de zombie en osant se frotter au remake d’un classique de Georges A. Romero, après avoir réactualisé le péplum, après avoir osé aller à contre-courant du film de super héros, le voici qui s’attaque au film d’animation. Le résultat est-il aussi surprenant que les autres films de Snyder ? La réponse est : non.

La légende des Gardiens est d’abord une victime parmi d’autres du malaise qui règne dans le cinéma d'animation depuis quelques temps (Pixar, Dreamworks, Sony ont aussi succombés) : le film vise un public qui n'existe pas, à la fois trop violent et trop sombre pour les enfants (avec une absence quasi totale d'humour en prime) et trop simple et prévisible pour les adultes. Attention, je ne dis pas que le scénario ne contient pas des éléments intéressants, mais globalement le public pour ce film n’existe pas vraiment, et c’est bien là sa grande faiblesse.

L'histoire, on la connaît, et le sens caché de la petite chouette rêveuse faisant un véritable parcours initiatique (et tragique car elle devra affronter son frère devenu mauvais) a déjà été répétée inlassablement, et le film n'apporte rien de neuf de ce point de vue. Il faut sans doute pour voir quelque chose d’intéressant replacer le film dans la filmographie de Snyder : ardemment critiqué à sa sortie, 300 avait été considéré à la fois comme un film fasciste et belliciste, justifiant la guerre en Irak (les Occidentaux devant se battre contre des Perses voulant imposer leurs croyances). Visiblement, Snyder n’est pas resté sourd à ces attaques médiatiques, et à l’instar de Griffith et de sa Naissance d’une nation, il propose son Intolerance via ce film d’animation : ici, les « sangs-purs » veulent dominer le monde mais échoueront, et la guerre est avant tout source d’un grand malheur tant au niveau émotionnel que psychologique. Une réponse qui ne passe jamais inaperçue dans le film.

Mais avant tout cela, il ne faut pas oublier le vrai talent de Snyder, celui d’un véritable esthéticien de l’image. A nouveau, on en prend plein la vue : l'animation est impeccable, audacieuse parfois, évoquant presque un 300 à plumes, le choc du métal, la violence du combat, la beauté du geste, le goût du sang et l'odeur de la mort régnant lors de scènes de batailles étonnantes. Le trait stylistique majeur de Snyder, à savoir les ralentis, sont encore légion ici, mettant bien souvent en avant la précision et le sens du détail de chaque plan en plus de chercher une forme de grâce de l’instant. Mais à nouveau, le film n’es guère accessible aux enfants de ce point de vue, et cela met un peu de plomb dans l’aile à ces Gardiens…

Bref, La légende des Gardiens n’est certes pas le meilleur film de Snyder, sans doute inapte à raconter un conte pour enfants sans les traumatiser, mais il n’en est pas déplaisant pour autant et prouve que le cinéaste est définitivement capable de nous surprendre dans les années à venir. Je ne demande pas mieux personnellement.

Note : ***

Last Action Hero

2010-11-06T00:01:00.001+01:00

John McTiernan vous connaissez ? Un poète des temps modernes… à a façon : Predator, Piège de cristal, Une journée en enfer… et ce Last Action Hero que je n’avais pas revu depuis l’âge du gamin dans le film.

Citons un grand moment de dialogue au hasard : "T'aimes les omelettes ? Tiens, j'te casse les oeufs ! *coup de pied dans les roustons*" Évidemment, ce genre de dialogue ne laisse pas présager à prime abord du Ingmar Bergman (et pourtant il y a une surprise vers la fin du film nananère !). Dieu merci, car John McTiernan n'excelle pas dans le philosophique. En revanche, il assure grave en matière d'action et d'humour (si possible mélangés). Cette fois encore, McT nous propose un florilège d'explosions, de coups de feu, de bastons... en mode parodique !

La force de Last Action Hero, pour ceux qui ne le sauraient pas encore, c’est de pouvoir rire allègrement de ses propres ingrédients, de ses propres caractéristiques, de ses propres travers, de ne jamais se prendre au sérieux – ou presque, rien n'est parfait, à l’instar d’un final qui se veut émouvant sans vraiment l’être tant on rigole avant. Le film joue autant la carte de la parodie (les explosions à faire pâlir Michael Bay, du style Hiroshima quand une balle ricoche sur une voiture… voyez la subtilité ?) que celle de la dérision (Schwarzenegger, véritablement doué pour l’ironie, se moquant bien souvent de lui même et des personnages de durs qu’il a pu incarner auparavant).

Last Action Hero, en plus d’être un film DE cinéma (il faut le voir sur grand écran si possible) est un film SUR le cinéma. Les clins d’œil se multiplient (le dessin animé, le Parrain, Scarface, Serpico, on aperçoit furtivement Sharon Stone de Basic Instincts, F. Murray Abraham est présenté d’emblée comme « celui qui a tué Mozart » en référence à Amadeus, etc.) tout comme McTiernan réfléchit sur les codes du film d’action (les explosions, les chargeurs de fusils qui ne se vident jamais…). Mais le plus beau, à mon sens, est la poursuite du travail lancé au préalable par Buster Keaton et Woody Allen quant au lien entre cinéma et réalité : du personnage entrant dans l’écran (Sherlock Jr) au personnage en sortant (La rose pourpre du Caire), John McTiernan compare les deux mondes, les deux points de vue, et finit par nous faire comprendre qu’au final, rien ne vaut le rêve du cinéma. D’ailleurs ses aspects « mode apocalypse activé », il y a un vrai cri d’amour envers le septième art, et de manière subtile de la part d’un cinéaste que l’on a trop vite rangé du côté des actionners.

Un film alliant réflexion et action, et ce dans l’esprit le plus décontracté et le plus adolescent possible. McTiernan, sale gosse va ! Mais qu’est-ce qu’on t’aime quand t’es comme ça…

Note : ****

Hitman

2010-11-03T14:07:00.000+01:00

Bonsoir, et bienvenue à la séance « je tire dans le tas, les femmes et les enfants d’abord ! » de la semaine. Et quoi de mieux pour faire un petit carton que Hitman.

Bon, je sais, z’allez me dire « flinguer une production Besson, c’est comme tirer un canard endormi, ou coucher avec sa copine de longue date : c’est pas du vrai sport ». Bon, ok, je nie pas, y a mieux comme challenge (Besson, pas le canard, et encore moins la copine, car là ça va être sportif quand elle aura lu cet article). Mais moi je suis plutôt du genre classique, les valeurs sûres voyez, je cherche pas dans l’inédit : je me repose sur mes acquis, et je vous emmerde.

Hitman, disais-je, est un produit labellisé Luc Besson : le héros, il est costaud, il protège une fille (une pute) des méchants, il roule dans une Audi et puis y pète sa gueule à un gros black. Au-delà de la boutade, un peu vraie disons-le (un ratio de 99,9% de vérité en fait), je dois bien admettre qu’Hitman remplit son contrat (pour une fois) de manière honnête (pour une fois) en matière d’action décérébrée et, fait surprenant, lisible (comprenez que les épileptiques peuvent maintenant eux aussi voir les navets de tonton Luc).

Le seul inconvénient… En tout cas le principal inconvénient… Bon l’une des grosses merdes dans l’histoire, c’est qu’un mec a réussi à entuber tonton Luc en lui amenant un ensemble de mots (le mode d’emploi d’un rouleau de PQ ? Une notice Ikea ?) avec, en couverture, écrit le mot magique : « scénario ». Oh on ne peut pas vraiment blâmer les gens de chez Europa d’être tombés dans le panneau : « quand on te donne un truc et que tu ne sais pas à quoi ça sert, tu dis « merci » et tu fermes ta gueule » comme disait mon grand-père.

Ah ouais, j’oubliais (enfin, j’essayais) le casting. Hitman, le tueur implacable, la classe mortelle, incarné par un acteur sans charme, sans classe, sans rien (‘fin si, je suis injuste : la calvitie ça va), ça douille sévère. Heureusement, tout était prévu avec l’intrigue sous-jacente du film, son point fort : Olga Urylenko et ses aventures rocambolesques (Olga en string, Olga seins nus, Olga qui chauffe le mec, Olga et ses yeux qui brillent, Olga et le maquillage raton-laveur, Olga seins nus (again)...).

Au final : un divertissement pour ados (attardés ? naaaaaaan) qui s'assume même s'il tente, sournoisement même, de péter plus haut que son cul par moments, d’où peut-être une aléatoire envie de vomir. Sur les chaussures de Luc Besson, si possible.

Note : *

Le démon en eaux troubles (Hell and High Water)

2010-10-30T03:10:00.002+02:00

Samuel Fuller n'a pas totalement tort en disant que son film a des airs de BD : une organisation secrète qui tente d'empêcher les communistes d'utiliser la bombe atomique contre des innocents, un équipage de baroudeurs, un vieux scientifique et sa jeune assistante... Rien de vraisemblable là-dedans.

On comprend très vite pourquoi Fuller n’aimait pas vraiment ce film : le scénario est d’une faiblesse dramatique. Au niveau de l’intrigue, on comprend très vite les tenants et les aboutissants, qui va faire quoi et comment tout cela va finir (film de propagande oblige). Au niveau de l’action, il faut bien dire qu’il n’y a pas grand chose à se mettre sous la dent, à l’exception notable d’un duel psychologique avant tout entre le sous-marin américain et un sous-marin asiatique. Je précise bien asiatique car le pays n’est jamais réellement cité : de prime abord des Japonais, ils peuvent tout aussi bien être des Nord-Coréens ou des Vietnamiens, bref le film ne cible pas un pays en particulier mais plutôt l’idéologie communiste qui règne sur ce continent alors.

Il faut toutefois reconnaître que malgré ce scénario un peu honteux, le Cinémascope est utilisé de manière habile à défaut d'être géniale : les plans du sous-marin rendent justice à cette image fortement rectangulaire, et Fuller sait comment les remplir intelligemment quand il en a la possibilité. Mais là aussi, si c’est potable, on est bien loin des meilleurs plans de Fuller même dans une œuvre sur laquelle il n’avait, finalement, pas grand chose à dire.

Côté acteurs, Richard Widmark est bien sans être inoubliable, mais c'est surtout Victor Francen qui m'a emballé. Gene Evans est un peu trop effacé, et Bella Darvi n'est pas terrible.

Un Fuller en demi-teinte, même pour une oeuvre de commande.

Note : **

Gimme Shelter

2010-10-25T00:01:00.005+02:00

Ouverture du film : les Stones regardent un documentaire... Sur les Stones. Sur un concert plutôt, celui d'Altamont, de sa conception à son déroulement jusqu'à son dénouement tragique. Ce concert qu’ils ont créé, qu’ils ont amené à terme, et qu’ils regretteront le reste de leur vie.

Petit historique : à l’issue de leur tournée américaine de 1969 qui marque leur grand retour aux États-Unis, les Rolling Stones décident de donner un concert gratuit à San Francisco où la sécurité sera assurée par les Hell’s Angels, comme à Hyde Park. Le concert aura lieu à Altamont (Californie). Vers la fin du concert, un spectateur, Meredith Hunter, brandit une arme de poing en direction de la scène. Tandis que la foule effrayée reflue, Alan Passaro, un Hell’s Angel membre de la sécurité, intervient et désarme le forcené en lui saisissant le poignet armé, puis lui poignarde le haut du dos, ou l'épaule, à au moins deux reprises. Mal rapporté par les médias de l'époque, l'incident assiéra la difficile réputation du club (il reste que le « forcené » est mort et que le Hell’s Angels a bénéficié de "la légitime défense" par le jury populaire, même s'il ne fait aucun doute sur le fait que le pistolet a été sorti avant le coup de poignard).

Sur fond de Satisfaction, Sympathy for the devil, Brown Sugar ou Honkytonk Women, on découvre donc l'envers du monde hippie, moyennement peace et pas vraiment love, où la déchéance liée aux psychotropes n'a d'égale que la violence régnant dans l'assemblée. Les femmes à poil côtoient les toxicos, qui côtoient les motards ivres et violents, qui côtoient des organisateurs désorganisés. C'est le portrait non pas d’un mouvement contestataire pacifiste et humain mais bien d'une génération en manque de repères, qu'on soit hippie ou Hell's Angels, qui est visible dans ce film. Elle est loin l’image de la fleur dans de longs cheveux d’une jeune fille aux seins nus ou d’un barbu cool. C'est aussi le portrait d'une utopie, celle d'un Woodstock bis étouffé dans l'œuf par une gestion bancale pour ne pas dire merdique, d’un public qui ne se rend plus compte de rien. D’une idée du paradis, on assiste à une véritable descente aux enfers.

En plaçant les protagonistes devant la démonstration de leurs erreurs, les cinéastes lancent un geste réflexif fort sur l'importance du documentaire, de la captation du réel comme trace, comme mémoire, comme source de remise en question. Charlie Watts, Keith Richards et surtout Mick Jagger palissent en revisitant leur passé pas lointain du tout, se rendant compte des négligences énormes qui ont coûté la vie à des gens qui venaient pour se détendre, fumer un peu (beaucoup) et voir gratuitement un groupe mythique dans un festival qui aurait du l’être lui aussi.

Image finale : Mick Jagger, son célèbre sourire totalement disparu de son visage, le teint blafard, se lève et s’en va, visiblement retourné par ce qu’il vient de voir : la fin d’une époque, celle de l’insouciance d’un groupe musical d’une part et d’une société toute entière d’autre part. Edifiant et effrayant.

Note : ****

Le bruit des glaçons

2010-10-22T00:49:00.000+02:00

J’adore Blier. Je vénère Blier. Je béatifierais Blier si je le pouvais. En dépit, je suis un inconditionnel de son cinéma, de ses bons mots, de son ton irrévérencieux, de ses pitchs, de ses acteurs, de sa mise en scène délicate et raffinée, aux teintes de lumière et de couleurs si particulières. Aussi, je souffre quand Le bruit des glaçons me refroidit autant.

Oui, l'idée de base est géniale, comme souvent chez Blier : un écrivain alcoolo qui rencontre un beau jour un mec qui dit être son cancer. Du Blier pur jus, totalement absurde, offrant une base très riche pour l’histoire à venir – histoire qui, comme souvent, ne sera pas à la hauteur tout du long.

Oui, les dialogues fusent et sont subversifs, absurdes, délicieusement noirs.

Oui, Dujardin est bon, et Dupontel aussi à mes yeux. Dujardin plus, évocation troublante (d’un point de vue physique, c’est clairement affiché) à Bertrand Blier lui-même, tour à tour drôle, léger et grave. Dupontel cabotine par moments, mais c’est le rôle qui veut ça et très honnêtement, je ne trouve pas que ça choque. On a dit que pour la première fois, Blier a écrit un rôle féminin digne de ce nom pour Anne Alvaro. Je ne partage pas cette opinion :d’abord, car il y a Monica Bellucci dans Combien tu m’aimes ?, ensuite car j’ai trouvé ce personnage de la bonne plat, sans envergure, effacé, servant presque de faire valoir à celui de Dujardin. Inversement, Myriam Boyer en cancer (elle aussi eh oui) est elle toujours aussi surprenante.

Mais le problème n’est pas là. Le problème, c’est que Blier ne s'amuse plus et du coup, on se fait chier. Il y a une véritable audace de ton (comme toujours) mais pas de narration (mélange pas toujours équitable entre cinéma et théâtralité mais loin d’un film comme Les Acteurs par exemple). Il y a des personnages secondaires qui ne viennent que rallonger le film (quid du fils ? de la première femme ?), des scènes inutiles (la baise), et un cruel manque d'inventivité en matière de mise en scène : morne, sans vie, sans élégance, la caméra ne fait que se poser et enregistrer, sans chercher à pénétrer les personnages.

Et puis ce terrible sentiment que j’ai ressenti tout au long du film : le fait que Blier est devenu aigri, lui qui se marrait avec le sexe ne jurant plus que par l'Amour, lui qui détournait la mort de manière absurde la regarde désormais frontalement, en ayant la trouille. Avant de clôturer le film par un happy end tiré par les cheveux, incohérent, indigne de Blier.

Qu’importe : la filmographie de Blier n’est pas en phase terminale, elle ne peut pas l’être. Ce génie, ce R.C.N.I. (Réalisateur Cinéma Non Identifié) du cinéma français prouve malgré tout ici, dans ce film en demi-teinte, qu’il reste un dialoguiste exemplaire et qu’il regorge encore d’idées à exploiter. Espérons juste que le mal de crâne de ce Bruit des glaçons ne durera pas.

Note : **

L'inconnu (The Unknown)

2010-10-02T15:27:00.000+02:00

Bien qu’il soit plus connu aujourd’hui pour son Dracula avec Bela Lugosi et, surtout, son Freaks, Tod Browning était un cinéaste ayant plus d’un atout dans sa manche. The Unknown est probablement son film muet le plus célèbre, où il collabore presque main dans la main avec sa figure fétiche, celle de l’homme au mille visages, Lon Chaney.

L’histoire, somme toute basique, est celle d’un voleur simulant une infirmité (l’absence de bras) pour passer inaperçu dans un cirque mais aussi, accessoirement, dans l’espoir de mettre la main sur Joan Crawford. C’est bien là un récit typique de Browning : un mélodrame policier faisant part belle à la cruauté (des sentiments, mais aussi du corps de Chaney), totalement irréaliste mais plein de rebondissements.

Si Browning n’a révolutionné en rien le cinéma, force est de constater que derrière une caméra ce n’est pas un manchot pour autant : digne représentant de ce que André Bazin appelait le cinéma de la cruauté, Browning s’évertue à montrer la souffrance humaine dans ce qu’elle peut avoir de plus touchant (l’amour du personnage de Chaney pour celui de Joan Crawford, les refus qu’essuie Malabar auprès d’elle…) et sait tout autant se montrer habile pour créer du suspens (la vengeance du bandit envers Malabar à la fin du film).

Mais surtout, ce qui compte dans The Unknown, c’est bel et bien Lon Chaney. Cet acteur, merveilleux, démontre encore une fois qu’il est l’un des plus grands de sa génération, loin de jouer comme un pied, capable de modifier son aspect corporel à l’extrême pour un rôle. Une telle détermination, un tel dévouement à son art, personnellement les bras m’en tombent.

Très court (une cinquantaine de minutes) et très efficace, The Unknown est assurément l’un des plus beaux fleurons de la filmographie de Browning et de Chaney, et un immanquable muet que bien plus de cinéphiles devraient voir. Moi, chaque fois que je le vois, j’applaudis des deux mains en tout cas.

Note : ****

Baïonettes au canon (Fixed Bayonets !)

2010-09-27T21:26:00.000+02:00

On peut légitimement craindre l'œuvre propagandiste d'entrée de jeu : les remerciements des studios à l'armée, le portrait d'un général courageux et qui pensent à ses hommes, les vertus d'un officier sur le terrain... Pas de doute, c’est bien une œuvre de commande, une participation des studios à l’effort de guerre en Corée. Mais c’est bien mal connaître Samuel Fuller de croire qu’il sera propagandiste : le film prend une toute autre dimension après une dizaine de minutes, lorsque l’on apprend que l'on va risquer la vie de 50 courageux soldats pour en sauver 15 000 autres. Mathématiquement c'est imparable, humainement c'est honteux : voilà le regard que Fuller porte sur l'armée et la guerre, deux univers où les mots argent, efficacité, économie sont les maîtres, au détriment de l'être humain.

Tout le film de Fuller, si pro-américain qu'il soit, est aussi virulent que ne l'était Steel Helmet sorti la même année. Cette fois, il n’est plus tellement question de racisme, de soif de pouvoir ou de dangers de la guerre ; Fixed Bayonets met surtout en avant les problèmes intrinsèques de l’armée, comme par exemple cette nomination d’un officier qui est incapable de tuer un homme et de diriger une équipe par peur, ou encore ce manque de communication entre troupes (en l’occurrence le mineur qui ne dessine l’emplacement de mines que pour le chef et pas les autres soldats). C’est aussi l’aspect inhumain de la guerre qui est mis en évidence : un homme meurt, c’est triste, suivant ! Tels sont les horreurs et les absurdités de la guerre que Fuller met en avant dans cette œuvre qui n’a de soutien moral que le nom, même si le propos n’est pas aussi virulent que ne l’était Steel Helmet.

Côté mise en scène, Fuller a plus d'argent que pour Steel Helmet mais en reprend pourtant les même ingrédients : un groupe d'hommes réduit, un décor unique et claustrophobe, des ennemis que l'on ne voit presque jamais... Et tout ça tourné en 20 jours ! Curieusement, cela fonctionne un peu moins bien chez moi, trouvant justement l’économie de moyens de l’autre film bien plus efficace en matière de tension, l’action étant recentrée sur les personnages et le décor jouant un rôle fondamental ; ici, la montagne et ses grottes est certes un décor important mais ne possède pas cette dimension mystérieuse et symbolique du temple de Bouddha dans Steel helmet. Et puis peut-être y a-t-il trop d’action, qui aujourd’hui paraît un peu désuète pour le genre et même pour l’époque n’a rien d’extraordinaire (après tout il ne s’agit que du deuxième film de guerre de Fuller et son quatrième film tout court). Reste toutefois une série de plans intéressants, notamment ce final où une poignée de survivants franchi un fleuve en vainqueurs certes mais éreintés physiquement et surtout psychiquement par cette guerre – ultime audace de ce film de commande.

Tout cela fait que Fixed Bayonets est certes moins puissant et éloquent que Steel Helmet ou Big Red One mais tout aussi efficace que Merril's marauders. Autrement dit une œuvre de bonne facture et pas aussi patriotique qu’elle en a l’air.

Note : ***

The Expendables

2010-09-24T00:01:00.004+02:00

Autant le dire honnêtement : l’annonce d’Expendables avait provoqué en son temps chez moi un émoi semblable à la découverte de la glace au tiramisu, soit quelque chose d’énorme. Pensez donc : Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundrgen, Eric Roberts et les pointures du ring Steve Austin et Randy Couture, avec en caméo des mecs comme Mickey Rourke, Bruce Willis et Arnold Schwarzenegger, si ça n’a pas de quoi exciter le fan de base de la série B des années 80 à aujourd’hui, je ne sais pas ce qu’il faut !

Je me disais que le scénario tiendrait sur une feuille à cigarette (jackpot), que le film sentirait bon la testostérone (re-jackpot) et je m’attendais surtout à un gros délire, du jouissif, du brutal, du second degré, du sang, de la bidoche, du muscle qui transpire, bref du complètement déjanté et sans répit. Mal m’en a pris.

Le film oscille en effet trop (hélas) entre le second degré façon John Rambo (certaines répliques sont délicieusement ridicules et navrantes) et le sérieux. Stallone continue sa quête de rédemption, entamée depuis Rocky Balboa et poursuivie dans John Rambo, mais cela n’a pas vraiment sa place dans cet actioner qui aurait du éviter la pseudo-réflexion et se concentrer sur l’action, l’action, l’action.

C’est bien dommage car, visuellement, malgré de gros défauts (l’action ultradécoupée, c’est bon là on sature, ce serait bien de voir ce qui se passe à l’écran de temps en temps), Stallone poursuit aussi ce que j’appellerais volontiers son « esthétique vidéoludique gore », autrement dit un fort penchant pour l’exagération de la violence façon jeux vidéos. Rocky Balboa et son combat de boxe invraisemblable, John Rambo et son aspect survival, et ici un mélange de Metal Gear Solid (le côté militaire hyper entraîné qui s’infiltre dans une base militaire en tuant discrètement) et Doom (la suite de l’infiltration, mode apocalypse à la mitrailleuse lourde). Ca part dans tous les sens, c’est too much (le recul de 3 mètres quand les types prennent une balle, l’explosion d’un hélicoptère après avoir balancé à mains nues un obus dessus) et c’est bon. Mais là encore, y a des lacunes : si côté explosions on est servis, les combats au corps à corps sont relativement décevants, en particulier celui qui en faisait fantasmer plus d’un à savoir Jet Li (à côté de ses pompes la plupart du temps, servant le minimum syndical pour le reste) contre le géant Dolph Lundgren.

Reste, au milieu de cette confusion où le meilleur côtoie le pire, une scène, véritablement d’anthologie d’ailleurs : la rencontre entre Stallone et Schwarzenegger devant Bruce Willis. Clin d’œil cinéphilique, private joke, moment inoubliable, scène incontournable et méritant à elle seule le déplacement. Dommage que le film ne soit pas à l’image de cette séquence, car il aurait alors atteint les sommets et serait devenu sans se forcer LA référence absolue en la matière. Allez, tu nous corriges tout ça pour Expendables 2 hein Sly !

Note : **

Freaks

2010-09-21T00:13:00.002+02:00

Suite à l’incroyable succès de Dracula de Tod Browning, Irving Thalberg, alors directeur de production (avisé et audacieux), demanda au scénariste Willis Goldbeck une nouvelle histoire encore plus terrifiante. Lorsque lui fut soumis le scénario de Freaks, celui-ci prononça une phrase resté célèbre : "Je vous avais demandé quelque chose de terrifiant... et je l'ai eu !". Et de fait : à sa sortie, Freaks créera tellement de polémiques que le film finira par être interdit pendant près de 30 ans en Angleterre notamment, après avoir subi les foudres de la censure (près d’une demi-heure de métrage fut coupée, et la fin fut remaniée encore et encore). Aujourd’hui pourtant, il est largement reconnu comme un classique du genre, ayant inspiré bon nombre de cinéastes et de films (Elephant Man de David Lynch étant l’exemple canonique).

Commençons donc par ce qui cloche dans ce film à mes yeux : le scénario est très maigre (genre 40 lignes maximum) et les acteurs sont assez mauvais. Voilà, comme ça, c'est dit on n'en parle plus.

Abordons alors Freaks et son véritable intérêt : une ode à la différence et un portrait sociologique de son époque. Bien que fréquemment cité comme tel, Freaks n’est pas un « film fantastique » : ce que l'on voit est réel, les "freaks" sont des êtres humains qui respirent, mangent, ont des émotions. Si on peut reprocher un manichéisme flagrant à Browning (les gentils vraiment gentils et les méchants salement méchants, bouuuh), on ne pourra pas en revanche le blâmer de filmer avec une tendresse quasi paternelle ces êtres difformes : à travers la vie conjugale de sœurs siamoises (avec le mari jaloux et l’oubli fréquent que les sœurs ne peuvent faire de choses séparément), d'un homme-tronc s'allumant seul une cigarette, d'une femme sans bras boire un verre de vin, d’une femme à barbe ayant une fille visiblement tout aussi poilue (trait d’humour noir, par ailleurs fréquent dans le film), bref à travers une série de petits moments de vie (inutiles à l'histoire mais importants concernant le but du film), Browning élève ces "freaks" au rang de la "normalité" en ce qu'elle a de gestes quotidiens et normaux pour certaines personnes. Les apparences sont trompeuses, et le réalisateur insistera longuement sur cette idée (avec les freaks mais aussi chez les humains : la belle est en réalité une garce, Hercule un lâche et même le clown nous fait croire qu'il prend un bain... alors qu'il s'agit d'un chariot pour un spectacle).

La morale est ambiguë concernant la vengeance des dits freaks... ou pas. Tout dépend de la fin : la première, où le film s'arrête sur le corps de Cléopâtre mutilée, ne laisse aucun doute sur le concept de « vengeance » des freaks sur la normalité, mais la seconde, où la fiancée de Hans le retrouve et lui dit "tu n'aurais pas pu les empêcher" l'innocente et montre alors que, tout comme chez les humains, il y a des freaks bons et d'autres moins. Dans les deux cas, la vengeance n'est jamais qu'une réponse profondément "humaine" à une insulte sans nom, mais la portée de cette vengeance trouve deux motivations différentes et changent complètement l’approche du film.

Un film dérangeant, certes, mais c'est de là qu’il tire sa force.

Note : ****

Démineurs (The Hurt Locker)

2010-09-18T00:03:00.000+02:00

Oscars 2010. La catégorie « meilleur film » se voit cette année chargée : pas moins de 10 films sont en lice, notamment le surprenant District 9, le tarantinien Inglourious Basterds, A serious man des frères Coen et surtout Avatar de James Cameron, à qui on prédit le succès critique après le public. Contre toute attente, c’est Démineurs de Kathryn Bigelow (ex-madame Cameron) qui l’emporte, avec 5 autres statuettes (dont meilleur réalisateur, meilleur montage, meilleur scénario original, meilleur montage son et meilleur mixage). Une acclamation méritée ?

Oui et non. Oui car techniquement, le film est suffisamment travaillé pour mériter des éloges. La caméra tremble mais pas trop (l’immersion est donc totale de la part du spectateur et le côté documentaire aussi), une caméra proche des événements et de l’humain, filmant « à hauteur d’homme », proposant des images dont la beauté n’a d’égal que la violence qu’elles proposent (les ralentis des gravas volant après une explosion sont superbes). Côté son aussi, le travail est énorme, entre les silences pesants et la multitude de détails perceptibles lors d’une scène à tension, sans oublier les déflagrations. De ce point de vue, oui, Démineurs mérite peut-être ses oscars techniques. Kathryn Bigelow connaît son métier, et ça se sent : son savoir-faire lui permet par ailleurs plusieurs fois dans le film de créer l’ambiance idéale, surtout lors des scènes de désamorçages qui sont stressantes et angoissantes à souhait.

Mais ensuite ? Ben rien justement : le scénario est inexistant, et le film s'apparente à une succession de fragments de vie sans véritable fil rouge. Comment a-t-il pu recevoir la récompense suprême ? Les personnages manquent de charme, ce qui n'aide pas à rentrer dans le film hors des scènes de désamorçages. Ce n’est pas la faute aux acteurs, par ailleurs très honorables même si déjà vu cent fois dans ce genre de production (le personnage de Jérémy Rener, la tête brûlée qui se fout de tout, ça fait des décennies qu’on nous le sert). Comble du mauvais goût : le film se veut anti-guerre tout son long avant de sombrer dans un dernier quart d'heure à un mélo au message douteux (si t'es pas heureux chez toi, tu le seras à la US Army) qui décrédibilise totalement l'ensemble du film.

A la fin du film, on comprend alors les vraies raisons des Oscars : ce n’est pas tant le travail d’une artiste (Bigelow mérite ce titre) qui a été récompensé, mais un dédouanement de la part de la profession envers le reste du monde, soulignant en récompensant un film qui dénonce globalement la guerre en Irak l’opposition du monde culturel américain à une politique belliciste de son pays. La différence se situe dans le fait que, contrairement à la guerre du Vietnam, la deuxième guerre du Golfe n’a encore offert aucun chef-d’œuvre réellement engagé, et ce n’est pas Démineurs et son discours en demi-teinte qui changera les choses. Plus un pétard mouillé que la bombe attendue.

Note : **

Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre

2010-09-15T00:01:00.001+02:00

Astérix n’a pas vraiment eu de chance au cinéma en matière de film « humain » : après un premier Astérix contre César catastrophique, pas drôle et aussi mal joué que mal filmé, et avant un Astérix aux Jeux Olympiques franchement pathétique et insultant envers les fans, le film de Chabat a connu un sort étrange. Dans un premier temps libre de tout mouvement, Chabat s’est ainsi vu « rejeté » par Uderzo selon la rumeur, se sentant trahi des libertés prises par l’ancien Nuls (alors qu’il a aimé le troisième film mais bon), ce qui a coûté la vie d’Astérix en Hispanie prévu par Jugnot dès 2003 et mis fin à la présence de Clavier dans le rôle du Gaulois…

Pourtant, ayant grandi comme beaucoup avec le petit moustachu à la potion magique, je trouve que Chabat a été d’une fidélité exemplaire à la BD originale (certains plans provenant directement de la BD) tout en réussissant à être une œuvre personnelle du cinéaste. On retrouve tous les ingrédients de l’univers de base (les caractères d’Obélix et Astérix, les pirates, la tête en l’air de Numérobis, la fourberie cartoonesque d’Amonbofis) et l’humour absurde de Chabat, tant au niveau visuel (le combat de kung fu, les références cinématographiques de Pulp Fiction à Jurassic Park) qu’au niveau des dialogues (« Le druide s’appelle… Téachix… - Panoramix ? – Ouais c’est ça, je savais bien que c’était un truc large… »). Les fans de tous bords trouveront donc leur bonheur ici, surtout si comme moi ils aiment les deux humour à la fois ! Il est juste dommage que par moments Chabat veuille trop en faire et se perd dans des séquences un peu longues, pas forcément conformes au reste du film (la séquence « I feel good ») mais dans l’ensemble, c’est du grand n’importe quoi maîtrisé.

Le point fort d’une comédie réside souvent dans ses acteurs : ce sont eux qui donnent le rythme et le ton d’une scène, et les meilleurs dialogues n’auront aucun impact si l’acteur joue mal. Chabat le sait, et a donc su s’entourer de comédiens impeccables : on pourra sans doute discuter de Jamel Debbouze et de son style dans ce film (pas moi : je trouve qu’il apporte une touche non-négligeable et fort drôle au film) mais on ne pourra nier que Gérard Darmon en Amonbofis est tout simplement irrésistible. Les seconds couteaux sont tout aussi bons : Clavier et Depardieu en héros relégués au second plan restent plus que corrects, Dieudonné en général sans mémoire des noms, les petits clins d’œil des Robin des Bois, Chantal Lauby ou Pierre Tchernia ou surtout Edouard Baer en scribe prolixe et confus, tous sont à leur place. Et comment ne pas parler de Monica Bellucci, idéale en Cléopâtre caractérielle, avec ses magnifiques fe… euh ses splendides se… bref son nez ! Quel nez !

Une vraie belle grosse production française, preuve que finalement l’Hexagone en est capable parfois, et une leçon en soi : c’est justement en évitant de concurrencer les Américains dans leur domaine (ce qu’a vainement tenté Langmann avec le troisième film) mais bien en s’inscrivant dans une culture et tradition française (l’humour Chabat et Debbouze n’étant pas facile à exporter car jouant beaucoup sur la langue et le phrasé) qu’Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre a réussi à attirer autant de monde et se créer un réel capital sympathie auprès de toute une génération de spectateurs. Par Toutatis, Chabat a amplement mérité de pulvériser Boxoffis !

Note : ****

Following

2010-09-12T00:26:00.002+02:00

Bill est un jeune écrivain qui, par curiosité, prend des inconnus en filature dans les rues de Londres. Ses maladresses et son manque de rigueur lorsqu'il cherche à trop s'approcher de ses sujets le conduisent à être repéré et lui-même suivi par Cobb, un cambrioleur psychopathe, sophistiqué et risque-tout. Cobb persuade peu à peu Bill de passer le pas entre filer et entrer par effraction dans les maisons des personnes qu'il suit…

Dès son premier film, Nolan tisse les grandes lignes de ce qui fera son univers plus tard : la fascination/obsession d'un personnage envers un autre, une scénario-puzzle pour mieux surprendre le spectateur... Il y a aussi cette importance accordée au décor urbain, à la solitude des personnages, à la manipulation… Bref, la plupart des ingrédients de la touche Nolan sont déjà présents et ça fait déjà plaisir.

Following est sympa, dans sa catégorie « film indépendant » (manière politiquement correcte de dire « film fauché »), tourné avec des bouts de ficelle (6000 dollars) les week-end. On sent très clairement que Nolan aime le cinéma et en particulier le film noir : la femme fatale, le décor urbain, beaucoup de dialogues, une construction éclatée pour créer une tension qui n’existerait pas de manière linéaire, des personnages ni bons ni mauvais… Nolan est un cinéphile, ou du moins connaît-il l’histoire du cinéma et ses genres et a su faire siens les codes qui les régissent (Memento sera encore plus frappant de ce point de vue).

Dommage qu’en tant que film sans budget, Nolan ne sache pas trouver des acteurs vraiment bons, car ceux de Following sans être mauvais ne sont pas exceptionnels. Toutefois, il faut là aussi reconnaître un certain talent dans la direction d’acteur de la part de Nolan, misant beaucoup sur le jeux des regards durant les moments de silence et la nonchalance des personnages.

Il manque pourtant, à mes yeux, un petit je ne sais quoi pour que Following devienne inoubliable… Est-ce de la rigueur ? De l’expérience ? Un budget digne de ce nom ? Reste qu’il s’agit d’un film agréable même s’il n’est pas extraordinaire.

Note : ***

Le roman d'un tricheur

2010-09-10T15:46:00.000+02:00

« Si la grande originalité du Roman d'un tricheur est d'être l'unique film de fiction de l'histoire du cinéma qui soit commenté par une voix off à 90 pour 100, son immense mérite est d'avoir fait oublier cette particularité au point que des spectateurs interrogés à la sortie de la salle croiront avoir vu un film joué et parlé directement. » (François Truffaut, Le Cinéma et moi).

C’est sans conteste pour cette particularité que le film a pu marquer l’histoire du cinéma, et certainement pas pour son scénario ou sa mise en scène. Il est vrai que la « mise en scène » relève ici de la « mise en sons » pour citer à nouveau Truffaut, et quelle magie : cela marche. Le procédé n’est jamais lourd, participe même à une dérision constante, comme d’entendre le voix de Guitry et de voir la tête de l’enfant aux (nombreuses) morts simultanées de sa famille. Bien sûr, la mise en scène semble du coup passer au second plan, d’autant que Guitry n’était pas un technicien hors pair (encore que la présentation de la famille du jeune tricheur est virtuose), mais je trouve qu’il subsiste toutefois une certaine liberté de ton salvatrice dans ce film pour l’époque, avec une caméra qui bouge certes peu mais des séquences parfois surprenantes, telle la présentation de Monaco.

Guitry, mégalomane à ses heures, s’impose comme un auteur au sens total du terme. A la fois réalisateur, scénariste, acteur et narrateur, il multiplie les casquettes pour mieux dominer son film : seule sa voix est entendue tout au long du Roman d’un tricheur, et la récurrence des plans où il écrit son journal rappelle qu’il en est l’auteur. Rien d’étonnant à ce que l’artiste se soit si bien entendu avec Orson Welles, autre mégalo en son genre (tout comme la rumeur veut que Welles était admiratif du Roman d’un tricheur au point d’en subir l’influence sur l’importance de la voix-off et de certains mouvements de caméra).

Au-delà de la performance et de l’audace du film, encore fait unique à ce jour, c’est l’humour noir de Guitry qui fait mouche, du petit garçon sauvé de la mort par un petit vol à ce grand séducteur condamné à ne pas être honnête. Certaines répliques sont délectables dans la noirceur (« On peut pleurer sa mère, ou son père ou son frère, mais comment voulez-vous pleurer 11 personnes ? Vraiment on ne sait plus où donner de la peine ! Je n’ose pas parler de l’embarras du choix, et pourtant c’est bien de cela qu’il était question. ») et le bonheur d’entendre Guitry les réciter est sans nul pareil.

Bien sûr, le film a pris un sacré coup de vieux, et les décors de studios sentent le renfermé mais quel plaisir continu durant une petite heure vingt de voir cet artiste approcher le cinéma de manière littéraire plus que théâtrale et de s’amuser d’une telle façon avec le son, encore neuf à l’époque. Un classique incontournable.

Note : *****

S.O.P. - Standard Operating Procedure

2010-09-05T01:41:00.000+02:00

Les termes "Standard Operating Procedure" (abrégé : SOP) sont à la base utilisés dans une large variété de domaines : médical, militaire, scolaire, industrie...Une "Standard Operating Procedure" sont une série d'instructions ayant force de directives, visant à maximiser / rationaliser les chances de succès d'une opération, tout en minimisant au maximum les risques d'échecs et de pertes. Dans la terminologie militaire, une "Standard Operating Procedure" constitue en une série de procédures / directives militaires, déclenchées en fonction d'un événement donné; le plus souvent une situation exceptionnelle. Le terme de "Standard" induit régulièrement en erreur. Il ne s'agit pas justement de procédures "standardisées". Par ailleurs, cette procédure ne semble pas s'appliquer sur une large échelle telle qu'un corps d'armée entier par exemple, mais s'applique davantage aux unités militaires plus petites comme un bataillon ou une compagnie. La procédure, coercitive ou non, dure aussi longtemps qu'elle n'a pas été levée. Par ailleurs, elle fait souvent office de guide et de ligne directrice, lorsque la doctrine officielle fait défaut. Agir à l'encontre d'une SOP est une faute gravissime, passible de très lourdes sanctions.

Après s’être intéressé en 2003 au passé de l’Amérique va-t’en-guerre (Fog of War que je ne saurai que trop conseiller), il était logique que Errol Morris s’intéresse au présent et au conflit en Irak. Ce n’est pas tant le conflit que vise Morris ici mais bien les travers d’une armée qui n’a pas sa place dans le pays : à travers la sordide affaire de la prison d’Abu Ghraib (le scandale des photos de châtiments de prisonniers irakiens, qui a mené au jugement et à la condamnation de 11 soldats américains en 2006), Morris souligne un monde militaire en déclin, pourri en son sein par quelques éléments perturbateurs, un corps officier fourbe et manipulateur et une jeunesse sacrifiée en guise de bouc émissaire.

Fidèle à son style toujours très travaillé (cette fois, la photo est réalisée par le doublement oscarisé Robert Richardson et la musique composée par Danny Elfman, et Morris a travaillé sur base de plus de 1000 photographies dont certaines interdites à la presse pour choisir celles qui illustrent le documentaire), Morris laisse la parole aux acteurs même de l’histoire, ceux qui ont pris ou posé sur les photos. Si on n’échappe pas dans un premier temps au cri de rage des protagonistes (« c’est pas moi c’est lui » ou « c’était un ordre, on ne pouvait rien faire »), Morris n’en fait pas moins un plaidoyer en leur faveur : comme dans Thin Blue Line, il ne les juge pas mais veut juste connaître, ou du moins approcher la vérité. Sans imposer son point de vue mais justement en mettant en avant celui des interviewés, il dénonce les dérives d’une guerre absurde que l’Amérique a perdue d’entrée de jeu, et le contrecoup médiatique d’Abu Ghraib qui n’a eu pour effet que de condamner aux yeux des Américains même le conflit, ce qui en fait l’un des films engagés les plus percutants sur la guerre en Irak.

Au-delà de ça, Morris évoque la difficulté de l’image, et par-là même la difficulté du documentaire, d’être claire pour elle-même : il faut pouvoir la recontextualiser et en vérifier la véracité (le recadrage fausse tout) avant de l’offrir au public, sous peine de créer un faux discours (ici, en l’occurrence, le fait que toutes les jeunes recrues ont été condamnées mais personne dans la hiérarchie supérieure n’a été inquiété). Pour preuve : si le film ne propose qu’un point de vue, celui des Américains (ce qui pourrait offrir des critiques virulentes), c’est parce que le cinéaste et son équipe n’ont jamais pu retrouver au bout d’un an les prisonniers irakiens relâchés.

Une grande œuvre à nouveau de la part d’un cinéaste qui ne cesse d’autopsier une Amérique qui ne tourne plus rond et qui, accessoirement, a été le premier documentaire nominé à l’Ours d’or à Berlin ; à défaut de l’avoir remporté il a obtenu celui d’Argent, le Grand Prix du Jury.

Note : ****

Fog of War

2010-09-03T00:02:00.000+02:00

Robert McNamara, né le 9 juin 1916 à San Francisco en Californie et mort le 6 juillet 2009 à Washington, est un homme d'affaires et un homme politique américain, secrétaire à la Défense de 1961 à 1968 sous les présidences Kennedy et Johnson et pendant la guerre du Vietnam, puis président de la Banque mondiale de 1968 à 1981. Vétéran de la seconde Guerre Mondiale, acteur de la crise de Cuba, élément-clé de la guerre du Vietnam, c’est donc tout un pan de l’histoire militaire des USA qu’il représente, et c’est ce pan qu’Errol Morris a voulu approfondir avec le principal intéressé.

La formation d’historien d’Errol Morris a sans doute été un point fort lors des entretiens qu’il a mené avec McNamara. Il n’empêche que très vite, on découvre la faiblesse de Fog of War : comme dans Une brève histoire du temps, Morris est tellement fasciné par son sujet qu’il le laisse évoluer en roue libre et, surtout, n’ose pas trop s’opposer à lui. Cette fascination a souvent été décriée concernant le film, notamment cette séquence finale quand Morris interroge McNamara sur sa responsabilité du massacre qu’a été la guerre au Vietnam : abdiquant face au silence de McNamara, Morris multiplie pourtant les angles de prises de vue sur le personnage, qui pour la première fois dans le film ne regarde pas la caméra mais justement en détourne le regard. Une manière de souligner la culpabilité de McNamara selon moi.

Errol Morris est fidèle à son style : sa mise en scène (car il s’agit bien de cela) est d’une élégance rare, la beauté de certains plans contrastant très nettement avec la violence du propos (il suffit de voir l’illustration du crâne tombant dans une cage d’escalier et se fracassant au sol pour parler des accidents de voiture pour s’en convaincre). Mais au-delà de la reconstitution et de la qualité des entretiens, c’est tout le travail d’archiviste mené par Morris qui impressionne, le cinéaste ayant été cherché des images jamais vues auparavant. L’illustration chez Morris n’a pas qu’une fonction d’accompagnement ici, elle retranscrit sans mots la tension de toute une époque et d’un pays en guerre.

Le point fort du film est cependant son sujet : Robert McNamara, malgré tous les défauts qu’on peut lui trouver, se souvient et raconte son histoire avec une précision, une franchise et un talent qui confinent à la fascination. McNamara est un pur personnage médiatique, capable d’attirer l’attention sur lui de par ses silences ou ses allocutions, ne semblant pourtant pas être ce qu’il est : une figure majeure de l’histoire des USA et disons-le de l’histoire du vingtième siècle.

Tout aussi édifiant et terrifiant qu’instructif, Fog of War est à sa façon une version post-moderne de L’art de la guerre de Sun Tzu. Et une véritable leçon de cinéma documentaire.

Note : *****

Bloodsport

2010-09-01T00:20:00.000+02:00

S’il est un acteur bien plus connu pour ses frasques que pour ses films, c’est bien Jean-Claude Van Damme. Ses citations sont de loin connues de tous, même de ceux qui n’ont jamais vu un de ses films, et sa réhabilitation récente par Mabrouk el Mechri n’a pas changé grand chose. Pourtant, Jean-Claude Van Damme a été un élément important dans les films d’arts martiaux occidentaux, révélant des cinéastes asiatiques à l’Occident (John Woo, Ringo Lam, Tsui Hark) et sa filmographie plutôt fournie ayant rapporté environ 1 milliard de dollars à travers le monde.

Bloodsport fut ainsi le film qui révéla JCVD à la face du monde. Le Bruxellois, qui a obtenu le rôle en faisant pas moins qu’une démonstration de karaté au producteur du film sur le parking d’un restaurant, a du se battre pour que le film connaisse une sortie en salles, mais le résultat est là : Bloodsport est une date-clé dans le genre.

En quoi ? Tout d’abord car il a amené un autre style de films : Chuck Norris, la seule icône occidentale du genre à ce moment-là, ne misait pas tout sur les arts martiaux mais aussi sur l’action armée. Avec Bloodsport, c’est un pur film de combats auquel nous assistons. En outre, il lancera une série de suites et la carrière de JCVD se composera presque uniquement de ce genre de films (avec justement cette récurrence des « combats clandestins » comme décor et prétexte scénaristique). Midway, face au succès du film, ira même jusqu’à créer un personnage s’inspirant de Van Damme dans ce film pour les besoins du jeu Mortal Kombat.

Bon, disons-le franchement : la romance à deux balles n’a pas sa place dans ce film (malgré les atouts de Leah Ayres), le scénario tient sur un papier de « fortune cookie » et enchaîne des moments dignes des nanars des 80’s (la remise en question quand un ami est blessé ou tué) et autres moments ridicules (la course-poursuite dans Hong Kong). Toutefois, il faut toujours garder à l’esprit quel type de film nous regardons : un film d’arts martiaux. Et en ça, Bloodsport est une référence.

S’inspirant allègrement de Bruce Lee (le mélange des styles de combats, l’idée qu’il faut s’adapter à son adversaire pour gagner, la fascination du corps musclé et même l’énorme Bolo Yeung en bad guy), Bloodsport propose une série de combats tous plus violents et réalistes (si on excepte le dernier, totalement en dehors de l’esprit du film) les uns que les autres. C’est bien là la force de Bloodsport : une efficacité tant dans la violence que dans l’esthétisme des combats qui empêchent le film de trop vieillir de ce point de vue.

Bien sûr, on pourra longuement commenter les performances d’acteur dans ce film : personnellement, je ne comprends pas la nomination aux Razzie Awards de la pire révélation pour Van Damme, tant il colle au rôle sans le transcender certes mais avec sincérité. Et puis il y a Donald Gibb en buddy guy bien marrant, et le jeune Forrest Whitaker faisant une de ses premières apparitions.

Alors bien sûr, on pourra rire de Van Damme, de ses frasques, de ses films désormais édités en direct-to-dvd et autres clowneries ; n’en déplaise aux détracteurs, il s’est affirmé dès les années 80 comme une référence en la matière, et mérite largement d’être reconsidéré par les fans du genre et ceux qui prétendent vouloir tout aimer dans le cinéma, tant sa place dans l’immensité du genre des films d’action est majeure.

Note : ***

Une brève histoire du temps (A brief history of time)

2010-08-16T00:01:00.002+02:00

Stephen W. Hawking est un physicien théoricien et cosmologiste anglais, né le 8 janvier 1942 à Oxford. Il est connu pour ses contributions dans les domaines de la cosmologie et la gravité quantique, en particulier dans le cadre des trous noirs. Il a également eu du succès avec ses œuvres de vulgarisation scientifique dans lesquelles il discute de ses propres théories et de la cosmologie en général, comme le best-seller A Brief History of Time, qui est resté sur la liste des records des bestsellers du Sunday Times pendant 237 semaines consécutives. Hawking a une dystrophie neuromusculaire qui est liée à la sclérose latérale amyotrophique (SLA), sa maladie a progressé au fil des ans et l'a laissé presque complètement paralysé. La clé des principaux travaux scientifiques d'Hawking à ce jour est fondée, en collaboration avec Roger Penrose, sur l'élaboration des théorèmes des singularités dans le cadre de la relativité générale, et la prédiction théorique que les trous noirs devraient émettre des radiations, aujourd'hui connu sous le nom de radiation d'Hawking (ou parfois en tant que radiation de Bekenstein-Hawking). En 1981, il est lauréat de la médaille Franklin et en 1992, Errol Morris réalise son portrait dans Une brève histoire du temps, en clin d’œil au célèbre ouvrage du physicien.

Fidèle à son style, Errol Morris propose une « dramatisation » de son sujet via une réalisation à l’esthétique marquée ; pourtant cette fois, la formule prend plus difficilement, la musique de Philip Glass ne pouvant réellement combler le manque cruel d’illustrations du film et son absence de tension (on a plus l’impression de voir un produit télévisuel que cinématographique). Ce n’est pas faute de Morris, qui a été jusqu’à recréer des pièces de la maison de Hawking pour les interviews en studio, mais voilà la sauce prend difficilement cette fois.

Autre souci majeur : le manque d’objectivité concernant Hawking. Morris n’a jamais caché sa fascination pour le physicien, et cela se ressent très tôt dans le film, Hawking manquant d’opposants vraiment fiables (son ex-femme, par exemple, a refusé d’être interviewée et Hawking a refusé de parler de sa vie privée). Il n'en demeure pas moins que Morris se dédouane plus ou moins subtilement en laissant Hawking s'exprimer et se dépeindre lui-même, laissant ainsi place autant à son génie qu'à son ego surdimensionné (n'hésitant pas à se comparer à Galilée, Isaac Newton ou Albert Einstein, voir à critiquer leurs théories pourtant unanimement reconnues).

Le documentaire est aussi un peu trop cérébral parfois mais se veut quand même (et y arrive souvent) une "vulgarisation" des théories de Hawking, du Big Bang et des trous noirs. Il faut pourtant s’accrocher pour bien comprendre toutes les données scientifiques données au cours du film, et force est de constater que le monde de la physique s’avère bien moins intéressant que les autres mondes que Morris a abordé au cours de sa carrière. C’est peut-être le manque de suspens et de sentiment d’enquête qui manque à Une brève histoire du temps…

Un portrait un peu trop froid peut-être et un peu en-dessous de ce qu'on peut s'attendre de la part d’un cinéaste aussi majeur qu’Errol Morris pour réellement convaincre.

Note : **

PASSION

2010-08-14T00:01:00.015+02:00

Le réalisateur de PASSION, Jürgen Reble, naît à Düsseldorf en 1956. Avec deux de ses amis, Jochen Lempert et Jochen Müller, ils fondent le collectif de cinéastes expérimentaux Schmelzdahin en 1979, et s’intéressent au matériau du cinéma, la pellicule, dès 1982. Dans les années 80, le cinéma expérimental allemand connaissait un renouveau et une effervescence inouïs. Le Super 8 est un format très prisé, qui permet aux cinéastes de pratiquer le cinéma par eux-mêmes : fabrication et diffusion des films se font ainsi en toute liberté, affranchis que sont les cinéastes des contraintes de laboratoires, gardant ainsi l’aspect artisanal de l’œuvre dans ses moindres détails. La stéréo inhérente au Super 8 permet également une approche neuve du son dans la fabrication des films.

« Schmelzdahin » signifie « dissous-toi », et évoque les processus que le collectif va explorer durant une dizaine d’années : il s’agira de mettre le pellicule Super 8 à l’épreuve des bactéries, du climat, des manipulations chimiques, d’enterrer les pellicules, les plonger dans un étang, les accrocher à un arbre une année durant. Ces opérations relève de la pratique found-footage, des pellicules retrouvées. Les expériences menées mettent en jeu l'instabilité en devenir du support, qui est voué à disparaître à plus ou moins brèves échéances avec l’émergence et la démocratisation du support digital.

PASSION est l’un de ses films les plus célèbres : il s’agit en fait d’un « film-voyage » à l’attention de son enfant à venir. Ainsi, Reble filme toute la vie qui entoure la grossesse jusqu’à l’accouchement. Il décide de retravailler la pellicule comme il l’a fait toute sa vie, à la différence près qu’il s’agit cette fois de ses propres images et non plus des images anciennes réutilisées à de nouvelles fins (du found footage).

Si le film reste narratif, il constitue cependant une œuvre relevant de l’abstraction visuelle. Il faut entendre par là que le film propose des images qui bien souvent sont totalement illisibles de par l’opération chimique ou bactériologique qu’elles ont subi. Le principe du film est le suivant : il s’agit de partir d’images relativement claires et de partir vers des images de moins en moins perceptibles, à de rares exceptions près. Jürgen Reble joue ici avec la déstabilisation du spectateur en perturbant sa perception visuelle. Reble déclare lui-même que « les champs de perception les plus intéressants sont situés aux limites de l'obscurité et du silence, aux frontières de l'identification. Dans la quasi-obscurité, le cortex commence à s'animer et à produire des images dont on ne sait si on les voit ou les imagine. »

La destruction de la lisibilité de l’image se produit par la nature, ce qui conforte la position de Reble quand il déclare vouloir illustrer une nature agressive : en effet, il y a bien évidemment la destruction bactériologique de la pellicule, mais aussi au sein même du film des images d’évènements naturels qui sont à la fois violents et destructeurs : le feu, le vent mais surtout, en ouverture du film, l’éruption d’un volcan. Ce plan (dont l’énergie primitive est illustrée par le cinéaste qui accentue les dégats fait par la lave dans l’image via un bain de blanchissement) est très intéressant dans la mesure où il illustre le propos même du cinéma de Jürgen Reble, à savoir que l’on peut comparer un phénomène naturel à un processus cinématographique : dans la lave, la pierre se transforme effectivement en feu, et une fois refroidie la lave liquide devient une croûte difforme et fissurée à l’instar des images du cinéma de Reble, qui elles aussi subissent un phénomène naturel et s’en voient fondamentalement et matériellement modifiées.

C’est aussi un film personnel pour Reble qui n’hésite pas à se mettre en abyme dans le film. Tout au long du film, le cinéaste n’hésite pas à illustrer le fonctionnement même de son art et de son travail de la pellicule. A deux reprises, Reble annonce la suppression d’un corps (humain et animal dans le film mais que l’on peut parfaitement associer au corps du film, la pellicule) par la nature, à savoir deux plans avec des asticots. Le premier de ces plans nous montre un asticot se promenant sur un bras : rien de spécial jusque là. Mais voilà : la question du temps qui passe étant fondamentale dans ce film, le plan de l’asticot seul se promenant sur la surface d’un corps est à associer avec le deuxième plan des asticots qui, cette fois, dévorent le corps même d’un animal mort (auquel on peut aussi associer l’idée d’image, puisqu’en soit une image figée est morte elle aussi). Reble éclaire le spectateur sur le processus de création de son film, à savoir une longue gestation où la nature finit par imposer sa loi. Enfin, il subsiste ce clin d’œil du plan montrant les pellicules accrochées à un arbre, idée déjà exploitée lorsque Reble était membre du collectif Schmelzdahin.

Le film regorge de métaphores visuelles. La première et l’une des plus évidentes est la conception de l’enfant : le geyser qui crache de la lave blanche peut très facilement être assimilé à une éjaculation masculine dans un premier temps, alors que dans un second temps un déplacement de taches blanches se déposant sur une surface qu’ils pénètrent peut évoquer la fécondation. Preuve en est avec le plan suivant qui est celui, très net, d’un enfant. La décomposition de l’image en mini-cellules peut aussi évoquer le développement de l’enfant dans le ventre de la mère. Enfin, les fleurs s’ouvrant évoquent clairement la fécondation réussie.

Un thème visuel récurrent par la suite sera d’ailleurs le cercle, revenant à de maintes reprises dans le film et évoquant le ventre arrondi de la mère. Le cercle se retrouve via l’image (comme un cache), le hall du métro, les poissons tournant en rond, la lune et bien sur les échographies, auxquelles le son fait d’ailleurs parfois allusion en employant un certain type de pulsation.

La métaphore de l’enfant atteint son apogée dans l’épilogue : un homme nu, comme un bébé, se prépare à un rituel. Pendant ce temps, on assiste à l’accouchement en gros plan de la mère. Toujours en parallèle, l’homme nu effectue son rituel : il dessine un cercle au sol, et en sortira au moment où la mère aura accouché. Une fois l’enfant venu au monde, l’homme nu ouvre une sorte de fenêtre ou de porte, et regarde le monde extérieur : un monde dominé par la nature, laquelle semble se déchaîner puisqu’il s’agit d’une mer remontée. L’homme nu décide alors de se rendre vers ce monde extérieur, et le film se termine. De toute évidence, l’homme nu représente le futur homme que va être l’enfant de Jürgen Reble, lequel le prévient que le monde qui l’attend n’est pas des plus calmes mais peut toutefois être beau.

Fin.

Transformers

2010-08-12T00:01:00.005+02:00

Transformers, c’est un peu comme les hémorroïdes en fait : on ne sait pas à quel point c’est douloureux tant qu’on ne l’a pas vécu.

Si on peut être méga coulant (non, pas de blague scato svp) avec Michael Bay côté scénario (la compilation des scripts de sa filmo devant largement tenir sur une feuille de post-it en écrivant grand), il y a des moments où la déconne n’est plus autorisée : seuls les effets spéciaux sont à sauver dans ce film, et encore pour cela faudrait-il qu’ils soient lisibles !

Mon appréciation du film se décline en trois temps :
1/ j’aime l’humour fin et subtil du film. Je ne puis m’empêcher de citer quelques grands moments de comédie comme on en avait plus eu depuis des années : la mère qui demande à son fils si il se masturbe, le robot qui pisse sur John Turturro, les allusions au fait que le héros puceau veut se taper la bombasse de service, le chihuahua plâtré, le robot Jazz… et on va arrêter là, non pas que l’envie d’en citer plus ne me démange pas mais j’avoue avoir à peu près tout oublié (eh oh ça fait une semaine que j’ai vu le film quand même !) mais on peut affirmer sans se tromper être à mi-chemin d’American Pie et de Mon curé chez les nudistes ;

2/ il y a une véritable maîtrise technique tout au long du film : des combats filmés en gros plan uniquement, ce qui ajoute un peu de sel à un montage déjà clair (cours de cinéma pour bayistes à venir : que le cinéma soit du 24 images/secondes ne veut pas dire que les 24 images doivent être toutes radicalement différentes les unes des autres hein), des contre-jours extraordinaires (ah j’aime ce plan où le soleil vient bouffer toute l’image et casse la tentative d’émotion de la scène) et j’en passe et des pas mal ;

3/ il faut saluer un jeu dramatique d’une intensité sans faille : Megan Fox étant un Transformer parfait point de vue carrosserie… et c’est tout. Quoique si vous insistez on pourrait encore parler de la transparence de Shia LaBeouf et, surtout, des grandes interprétations caricaturales de Jon Voight et John Turturro (qui ont au moins ce mérite malgré eux de signaler aux jeunes que la drogue, c’est mal, surtout quand il faut signer des contrats).

Après je tiens à remercier, mais là c’est plus personnel, Michael Bay (j’allais dire « les scénaristes » mais je me suis ressaisi, ce que je peux être con des fois quand même) d’avoir permis à des millions de jeunes d’apprendre les valeurs essentielles de la vie :
- si t’es moche mais que t’as une super bagnole, tu sauteras la bimbo du bahut sans te forcer (et si t’es méga basé c’est que tu joues forcément au football et que t’es un gros macho de base, connard va)
- si t’es un black à la grande gueule tu finiras forcément par vendre des bagnoles ou si t’es musclé tu seras un militaire même pas gradé, pas question que t’aies un poste important faut pas déconner
- si t’es un militaire dont la base se fait détruire par un gros machin robotique, ton réflexe sera de te foutre dans le désert sans eau ni vivres ni protection mais eh, fuck, t’es un putain de G.I., t’emmerdes la logique
- si tu tapes la discussion avec 5 robots de 20 mètres de haut et 15 tonnes sur la balance avec la voix de Barry White après une trachéo qui hurle dans une ruelle, tu te feras pas choper par les voisins trop cons pour regarder
- si t’achètes pas un gsm Nokia c’est trop la loose car il le répète pourtant bien 3 fois dans le film et bien clairement que « Nokia c’est de la balle »
- et si t’es trop con pour pas détruire directement le rubik’s cube et attendre que la ville entière soit saccagée avant de tilter… ben c’est rien tu te feras quand même la super bonnasse sur le capot de la bagnole mais t’auras bien emmerder ton monde avant, good game kid !

Une question subsiste néanmoins à l’apparition du générique : pourquoi diable un heureux hasard, je ne sais pas, genre une pluie de météorites radioactives, ne s’abat jamais sur la maison de Michael Bay au fait ?

Note : 0

Bad Boy Bubby

2010-08-10T00:01:00.002+02:00

Ce qui fait la beauté du cinéma, comme de nombreux autres arts j’en conviens (mais je suis cinéphile avant tout, on ne se refait pas), c’est de découvrir des œuvres dont on ne soupçonnait même pas l’existence et de les apprécier. Comme ce fut le cas pour moi avec ce Bad Boy Bubby.

Je le dis tout net : je ne connais le réalisateur, ni l’acteur, ni même le cinéma australien. La surprise était donc totale pour ce film datant quand même de 1993. Ce qui en ressort à la fin du générique, c’est qu’il s’agit avant l’heure d’un Forrest Gump un peu fauché et surtout trash : un débile malgré lui (sa mère l'ayant enfermé pendant 35 ans et en ayant fait à la fois son fils, son amant et son souffre-douleur) doit quitter son « innocence » en entrant dans le monde réel.

Il y a pas mal de clichés tout au long du film mais ce n’est pas très gênant en soi : il s’agit après tout de la vision du monde Bubby, même si parfois le cinéaste tombe dans la facilité (comme cette scène où Bubby faisant un scandale dans une cellule se voit collé avec un prisonnier baraqué et sodomite pour lui apprendre à se taire). Au-delà de ça, la réalisation est propre et sympathique, le cinéaste s’essayant parfois à quelques effets qui peuvent fonctionner sans trop de casse (pour l’anecdote, 32 directeurs photos, un par lieu de tournage, ont été engagés pour donner un côté plus « patchwork expérimental » au film).

J’émets toutefois un reproche assez fort car, à mon sens, il gâche le film. Du début à la fin, le cinéaste s’oppose farouchement à la notion de religion ; en soi, rien d’extraordinaire, chacun ses opinions et ce n’est pas le premier à faire cela. Là où ça coince, c’est quand le cinéaste impose ses idées, ne fait plus que les transmettre mais les revendique presque comme vérité absolue à travers une série de constations et de stéréotypes qui en deviennent lourdingues : ça commence calmement par la crainte du Christ qu’impose la mère à Bubby jusqu’aux salutistes se goinfrant de pizza avec l’argent de la quête aux plus problématiques discours théologiques contestataires, aux parents extrémistes et à l’accusation de la religion comme source de mal dans le monde. A nouveau je ne juge pas mais l’oppression religieuse que dénonce le cinéaste devient alors sa propre oppression sur le spectateur, ce qui finit par devenir gênant d’autant que cela n’a pas toujours lieu d’être dans le film.

C’est bien dommage je trouve, car malgré quelques longueurs en plus le film tient la route, grâce notamment à un humour noir prononcé et, surtout, un Nicholas Hope très bon dans le rôle principal, cet attardé au grand cœur mais déconnecté de la réalité. Une belle surprise au demeurant.

Note : ***

A bittersweet life (Dal kom han in-saeng)

2010-08-08T00:01:00.006+02:00

Je l’avoue : je ne suis pas un grand connaisseur du cinéma asiatique (c’est même le premier Kim Jee-Woon que je découvre malgré les éloges que j'ai eu à propos de 2 sœurs). Mais j’observe quand même qu’il y a des références énormes entre le cinéma asiatique et le cinéma américain, et je ne m’étonne pas que l’un veuille souvent remaker l’autre (Infernal Affairs, Old Boy).

A bittersweet life fera un excellent remake entre de bonnes mains : tous les ingrédients sont réunis pour plaire à l’occidental moyen. Cet anti-héros qui a la classe dans toutes les situations, une action bougrement efficace quand elle a lieu et un scénario pas du tout compliqué (avec une fin ouverte qui plus est), que demander de plus.

J’admets que ce film est très abouti : bien filmé, bien joué, bien rythmé, bref du divertissement très efficace. Là où je pinaille, c’est dans les nombreuses incohérences que peut proposer le récit tout son long : on démarre comme quelque chose de sérieux et on dérive vers quelque chose de too much assez rapidement. Il y a un côté burlesque au film presque, qui pourrait justifier ce changement de ton radical, mais il n’empêche : la rupture est un rien violente entre le réalisme cru de la violence et des situations ou des actions surréalistes (le mec qui se déterre d’une seule main sous une boue d’un mètre ou qui parvient à éliminer une quinzaine de gangsters en pissant le sang et toujours avec un seul bras valide… hum). A trop surfer entre deux eaux, on perd un peu l’équilibre et finit par boire la tasse.

Il est toutefois intéressant de noter quel plaisir prend le cinéaste à prendre en contre-pied plusieurs éléments : alors qu’il paraît évident que le héros se tapera la jeune fille, il ne le fait pas. Quand on croit qu’il domine une situation, il se retrouve dans la merde. Quand on se dit qu’il ne pourra se sortir d’une situation impossible, c’est un bête fait qui résoudra le problème.

Un film fort sympathique et très agréable à regarder, preuve si besoin en était que le cinéma coréen (avec Bong Joon-Ho, Park Chan-Wook et dans un autre registre Kim Ki-Duk) est l’une des valeurs sûres à l’heure actuelle.

Note : ***

Baarìa

2010-08-06T00:01:00.001+02:00

Giuseppe Tornatore est un drôle de cinéaste, ou plutôt a-t-il connu une drôle de carrière : son deuxième film, Cinéma Paradiso, fut un tel succès qu’il éclipsa longtemps les films suivants du cinéastes, qui il faut bien l’avouer n’a pas particulièrement briller dans cette décennie (Malena fut son seul film des années 2000). Pourtant, le savoir de retour me procurait une certaine envie, la curiosité de retrouver ce cinéaste me titillant un peu plus quand j’appris le sujet de son film Baarìa, soit l’histoire politique du 20ème siècle en Italie (j’adore ce genre de fresque) mélangeant la petite et la grande Histoire.

Voilà donc comment le cinéaste va, sur 3 générations, nous parler de communisme. Si 1900 de Bertolucci prônait à sa fin la naissance du communisme comme un nouvel espoir, Baarìa en souligne (dénonce ?) les limites et les désillusions, en particulier dans une Sicile dominée par un patriarcat étouffant, un machisme ambiant et surtout une mafia envahissante.

2h30, c’est trop long, même pour couvrir 35 ans d’Histoire. L’avantage, c’est que Tornatore dans le discours politique ne délaisse pas l’humour, la tendresse, l’épique (qui rappelle quelque fois ces films de révolte comme 1900 ou Allonsanfan des frères Taviani) et surtout la poésie et l’imagination, qui rendent le récit bien moins austère que d’autres films avec un sujet semblable.

Seul (gros) bémol : cette fin, que Tornatore ne trouve pas : il cherche pourtant, il cherche, en propose une, puis une autre, encore une troisième. Aucune ne marche réellement, et pourtant elles durent, elles durent…

Reste que l’ensemble du film, si inégal soit-il, contient des éléments assez plaisants (des comédiens, surtout le duo comique Ficara-Picone bien connu en Italie, à la musique de Morricone) et reste un moment si pas inoubliable au moins sympathique.

Note : ***

Le Figurant (Spite Marriage)

2010-08-04T00:06:00.000+02:00

Rah le parlant, quelle saleté !

Point négatif : les films sont devenus bavards !
Point positif : le cinéma a découvert le silence…

Point négatif : exit le langage universel de l’image !
Point positif : de grands dialoguistes ont marqué l’histoire du cinéma…

Point négatif : les carrières de grandes vedettes du muet ont été brisées !
Point positif : le jeu d’acteur en a été changé…

Mais au milieu de tout ça se trouve tout de même des films inclassables, plus tout à fait marqué par le muet et se refusant encore au parlant. Tel est le cas de Spite marriage, plus une comédie qu’un film burlesque, sans véritable cascade spectaculaire comme Buster savait si bien les faire.

C’est un film sympathique, sorte de vaudeville filmé, qui contient quelques bons moments (la pièce de théâtre remaniée, l’attaque des pirates…). Et puis Buster démontre qu’il avait un réel talent pour la comédie, ne se limitant pas qu’à son physique extraordinaire.

Mais la désagréable l’impression de ne pas voir un film de Buster Keaton submerge l’ensemble du film, qui aurait été oublié sans la présence de l’acteur au générique. Triste triste fin de carrière, même si elle n’est pas honteuse…

Note : **

Le dossier Adams (The Thin Blue Line)

2010-08-02T00:03:00.000+02:00

27 Novembre 1976: David Harris, 16 ans, vole une Mercury Comet bleue, de l'argent et un pistolet. Il se rend à Dallas. Le lendemain, un policier est abattu par le conducteur non identifié d'une voiture bleue. Harris commet plusieurs méfaits et finit par être arrêté. Il dénonce alors Randall Adams, comme l'auteur du meurtre du policier. Il affirme avoir pris celui-ci en auto-stop, ils ont bu, été au cinéma et la balade s'est mal terminée. Adams nie. Interrogé, au secret, identifié par de nombreux témoins douteux, il est condamné à mort. Par chance, la cour Suprême des Etats-Unis casse le jugement. 17 Avril 1985: c'est la date de la première rencontre entre Errol Morris, cinéaste, et David Harris. Morris s'intéresse à l'affaire et interroge les témoins. Ses interviews filmées sont acceptées comme pièces à conviction et font apparaître les aberrations de l'enquête, des témoignages, de l'examen psychiatrique d'Adams. On découvre aussi que l'un des magistrats est incompétent. Enfin, Harris avoue, au cours d'un enregistrement qu'il est seul coupable du policier. Le 21 Mars 1989, Adams sort de prison après 12 ans de réclusion dont 3 dans le couloir de la mort. La légende de ce film le dépasse un peu : non, ce n’est pas seulement grâce à ce documentaire que Randall Adams a été rejugé et acquitté mais il faut bien admettre qu’il y a grandement participé.

Errol Morris part donc d’un fait divers qui le perturbe et mène une véritable enquête policière pour connaître la vérité. Qui ne connaît pas le style d’Errol Morris sera peut-être dérouté dans un premier temps puis ne verra pas la nouveauté de ce procédé et pourtant : la stylisation du documentaire et le souci de la reconstitution ne sont que des idées récentes dans les émissions et documentaires télévisuels, justement influencés par Thin Blue Line qui eut, à sa sortie, un impact considérable sur ceux qui l’ont vu (Morris passa par ailleurs à ras de la nomination aux Oscars, qu’on lui refusa car son film fut catalogué comme « fiction » !).

Il y a donc un travail d’enquête tout à fait impressionnant (les faits remontant à 9 ans lors du tournage, Morris ayant du retrouver les acteurs du procès et de l’enquête policière) mais au-delà de la qualité de l’investigation, c’est la réalisation qui est magistrale : Morris propose plus qu’un documentaire, un véritable thriller stylisé, avec son ambiance (la musique de Philip Glass fait des merveilles), sa photo exemplaire et son sens du cadrage et de la reconstitution. Chose étonnante aussi : Morris parvient à rester objectif en n’intervenant pas directement dans le film (on n’entend jamais ses questions, sauf par obligation dans les aveux du vrai coupable) et en plus filme exactement de la même manière (même distance, même cadrage, même éclairage) tous les intervenants. Le spectateur est alors mêlé à l’enquête et doit se faire lui-même son propre avis sur Adams, en fonction des preuves et témoignages dont il dispose, avant de voir l’énigme résolue par les aveux de Harris en fin de film.

Un véritable modèle de documentaire d’investigation, critique (en gros il dénonce quand même le dysfonctionnement judiciaire au Texas) et plutôt ironique : après avoir évité la chaise électrique grâce au film, Adams intentera un procès au cinéaste pour avoir tiré profit de sa vie et demandera des dommages et intérêts. Qui a dit que les Américains n’avaient pas le sens pratique ?

Note : ****

Inception

2010-07-31T00:01:00.000+02:00

Depuis une dizaine d’années, Nolan nous a habitué aux films grand public exigeants, ceux qui demandent une participation active du spectateur, le récompensant de ci de là par des scènes d’action spectaculaires (comment oublier ce camion se retournant dans Dark Knight ou les tours de magie du Prestige). Inception, son projet fétiche depuis une dizaine d’années, était donc forcément attendu avec autant d’excitation que de suspicion.

Pourquoi ? Car un projet de ce genre relève souvent de l’exercice masturbatoire par excellence : le cinéaste brouille les pistes, perd le spectateur dans un récit complexe en s’enorgueillant presque d’un « je suis plus malin que vous car moi j’ai tout compris et pas vous, na ! ». La force de Nolan sur Inception est d’avoir justement éviter cette prétention : à chaque séquence il guide le spectateur ou lui rappelle des informations capitales via un dialogue ou un montage sans que ce soit redondant ou trop didactique. Mieux, cela participe même au suspens du film comme le prouve ce montage parallèle entre les différents rêves avec chacun son temps étiré ou non.

Au-delà de ça, le scénario de Nolan n’est pas compliqué en soi : c’est sa construction qui nous faire croire qu’il l’est. Nolan s’est déjà illustré dans cet exercice de style auparavant : Memento et sa construction mi-linéaire mi-à rebours, Insomnia et son ambiance « brumeuse » ou encore Le prestige, véritable tour de passe-passe narratif. Inception ne déroge pas à la règle et ce n’est que son enchevêtrement de rêves différents qui rend le film plus opaque qu’un autre. Toutefois, le réduire à un scénario basique serait aussi une erreur, l’histoire étant assez touffue et riche de rebondissements pour tenir en haleine les 2h30 du film, qui passent par ailleurs à une vitesse folle de mon point de vue.

Mais si l’histoire d’Inception semble avoir conquis les spectateurs, je trouve qu’il faut aussi souligner la qualité de la mise en scène de Nolan. Certes son classicisme n’a en soi rien d’extraordinaire (il reste cependant un technicien de qualité à mes yeux) mais c’est tout l’univers onirique qu’il a pu créer qui me semble très intéressant. Personnellement j’ai toujours été fasciné par ces cinéastes sachant créer un univers bien à eux (Terry Gilliam avec de l’argent, Tim Burton avant sa corruption) et Nolan ici ne me déçoit pas : son style urbain froid, déjà à l’œuvre dans Dark Knight, est associé à une série d’éléments chocs qui laissent une forte impression (en vrac : Paris se repliant sur elle-même, le train traversant Manhattan ou encore les combats antigravitationnels dans le couloir de l’hôtel).

Un mot sur le casting en guise de conclusion : sans être extraordinaire, il est très juste de bout en bout. Di Caprio retrouve ce personnage d’héros torturé qui lui colle à la peau depuis quelques temps et porte le film sur ses épaules ; toutefois, c’est du côté des « seconds rôles » (il n’y en a pas vraiment ici, chacun ayant une importance relative) qu’il faut aller chercher son bonheur : la jeune Ellen Page et le rôdé Ken Watanabe se débrouillent fort bien face à Di Caprio tandis que deux bonnes surprises surgissent en les personn(ag)es du cérébral Joseph Gordon-Levitt (troublante ressemblance physique avec Heath Ledger c’est affolant) et le fuckin guy Tom Hardy, qui apportent une touche d’humour bienvenue au film. Je préférerai passer sur les performances de Marion Cotillard, fidèle à elle-même mais finalement peu présente dans le film, et Cillian Murphy qui ne m’a jamais réellement convaincu. Reste que j’aurais aimé, à titre personnel, voir un peu plus de Michael Caine et Tom Berenger (c’est fou comme il a grossi dis donc).

Mais au diable toutes ces menues considérations : Inception est un de ses films surprenants non pas en lui-même mais bien en tant que divertissement qui outrepasse son rôle, devenant un objet cinématographique qui tire profit de son art (je n’imagine pas cette histoire autrement que dans un film) et respecte le spectateur en ne le prenant pas pour un con tout en le divertissant. Christopher Nolan est définitivement l’une des valeurs hollywoodiennes les plus sûres à l’heure actuelle, et on l’en remercie allègrement.

Note : *****

La chevauchée fantastique (Stagecoach)

2010-07-21T14:38:00.000+02:00

Il est curieux d’observer que, bien que considéré comme le maître du genre, John Ford n’a pas réalisé tant de westerns que cela (bien moins de la moitié de sa filmographie). Mais quand il en a réalisé, il faut bien l’avouer, ce fut des chefs-d’œuvre d’entrée de jeu, à l’instar de ce Stagecoach.

Stagecoach est surprenant dans la mesure où c’est un western qui, en soi, n’est pas foncièrement un western. Certes les grands traits du genre sont bien présents : les grandes plaines de Monument Valley que Ford illustrera si bien tout au long de sa carrière (encore que les nombreuses scènes tournées en studio avec un paysage peint dénotent un peu à mon goût) et les décors habituels (le désert, le saloon, les auberges), les personnages incontournables comme le shérif, la prostituée, la cavalerie ou les indiens, et bien entendu de grands moments héroïques (l’attaque des indiens et le duel final). De ce point de vue, Ford établit effectivement la liste des éléments caractéristiques du western.

Mais ce qui intéresse le cinéaste avant tout, et le film est très clair sur ce point, c’est la dimension sociale du sujet. Ford était un homme engagé, et sa vision de la lutte des classes trouve ici un tremplin formidable : la psychologie certes caricaturale mais ô combien précise et claire des personnages permet au spectateur de mieux appréhender des scènes d’apparence anodines et pourtant lourdes de sens : la scène de dîner, par exemple, souligne bien les préjugés qui peuvent régner entre les gens. Même si Ford sait divertir le spectateur (la séquence d’attaque des Apaches est un moment de bravoure incroyable), il se détourne souvent du western en tant que tel (le duel final est en hors-champ et très rapide) pour se concentrer sur quelques moments (parfois un rien trop longs) de la vie des personnages.

Techniquement, Ford incarne ici la quintessence du classicisme hollywoodien : les plans, majoritairement fixes (ce qui rend les plans en mouvements, à savoir le travelling avant sur John Wayne au début, le panoramique sur les Indiens et l’attaque des Apaches, marquants) sont composés de manière admirable (géométriquement mais aussi en profondeur : rien d’étonnant que ce film ait largement influencé le cinéma d’Orson Welles). La mise en scène de Ford si classique soit-elle contient pourtant en elle une véritable modernité de ton, qui fait que le film qui date pourtant de 1939 n’est ni poussiéreux ni dépassé. En outre, le cinéaste n’hésite pas à changer la donne habituelle concernant les personnages : non seulement c’est un hors-la-loi (magnifique John Wayne) qui est le héros du film (ce qui pose question puisque sa vengeance sanglante est acceptée sans problème par le spectateur) mais en plus les personnages féminins n’ont pas ici des rôles de faire-valoir mais sont des personnages forts et importants dans le récit.

Un film surprenant pour son époque, tout à la fois ancré dans un système hollywoodien et une logique des genres (même si le western y côtoie le mélodrame et la comédie de manière régulière) et parvenant cependant à être personnel et intemporel. Incontournable.

Note : ****

Toy Story 3

2010-07-13T00:01:00.001+02:00

Difficile, même chez Pixar, de faire une suite à un film très bon. Toy Story 2 avait pourtant réussi à être plus qu'honorable. Toy Story 3 était donc attendu au tournant, et force est de constater qu'il se défend bien le bougre.

L’intelligence du récit réside dans un souci de cohérence (Andy n'est plus un enfant mais un ado qui va à l'unif, vu que Toy Story 2 date d'il y a 10 ans déjà) et les auteurs n'hésitent pas à dépoussiérer un peu l’univers de Toy Story (on élimine les anciens personnages secondaires pour des nouveaux) ce qui rend le film agréable à suivre. Mais voilà : côté scénario, j'ai trouvé ça faiblard. Sur un énième canevas de sauvetage, on ressasse les même thèmes (la fidélité, l'amitié) et les même gags (Buzz qui redevient crétin). Il y a de bons moments (le personnage de Ken, la première apparition de Rictus le clown, Buzz en version espagnole) et des personnages renforcés (les secondaires type Monsieur Patate qui devient un ressort comique permanent) mais aussi de longs moments mièvres (le climax de la décharge, le final) qui font le film navigue trop entre deux eaux pour réellement convaincre et, surtout, trouver le rythme adéquat. C’est fort dommage, car plusieurs séquences sont amenées à devenir anthologiques (la première et la seconde évasion de Sunnyside) mais cela ne suffit pas.

Après, d’un point de vue technique, le film est une vraie réussite : Pixar démontre encore une fois qu’ils sont les maîtres en matière d’animation (la décharge est une vraie réussite, et l’emploi des couleurs est très convaincant et agréable). Et si le film n’atteint pas la virtuosité d’un Ratatouille ou l’audace d’un Wall-E, il n’en est pas moins une œuvre aboutie. On garde le même style que les deux premiers Toy Story mais il manque cette audace, ce brin de folie dans la mise en scène qui ont fait des derniers Pixar des films fascinants pour qui s’intéresse à l’animation.

Toy Story 3, sans être transcendant, est donc un film sympa mais plus vraiment pour les petits et pas encore pour les adultes. J’avoue, en immense admirateur de l’œuvre de Pixar que je suis, être très sceptique et un peu pessimiste : après un Up en demi-teinte, les studios semblent avoir un coup de mou, et la suite du programme fait douter de leur capacité à se renouveler et surprendre encore (Cars 2, Monstres & Cie 2...). Qui vivra verra.

Note : ***

Payback

2010-07-11T00:01:00.001+02:00

Il est courant d’entendre dire qu’Hollywood manque cruellement d’originalité. Ce n’est pas totalement faux, je l’accorde, mais il faut voir les deux points positifs de ce défaut : premièrement, il nous aide à nous extasier comme des gosses de 10 ans dès que l’on voit un film un peu « différent » de par le ton (Watchmen et Dark Knight pour les films de super-héros, Inglourious Basterds pour le film de guerre, etc.). Ensuite, il force aussi à revisiter l’histoire du cinéma hollywoodien parfois avec un certain brio, comme c’est le cas avec ce Payback qui revisite le film noir.

Toutes les caractéristiques du genre y sont : l’anti-héros « revenant », la femme fatale, les flingues, la clope, la violence, l’omniprésence de la voix-off, l’ambiance assez sombre, les bons mots, les arnaques, le décor urbain un peu crade, même les clairs-obscurs sont remplacés par une photographie très froide. Brian Helgeland soigne sa réalisation, et semble appliquer à la lettre le manuel du parfait petit film noir (ou néo-noir comme diraient les Anglo-saxons). Cette revendication d’un genre tombé en désuétude est tout aussi surprenante qu’efficace, bien loin des polars que l’on voit habituellement. Et personnellement je suis fan.

Autre point fort du film : Mel Gibson. Il faut dire qu’on s’est habitué à voir le petit Mel dans des rôles de bons gars (même dans Mad Max 2, il parvient à justifier son rôle de sale con égoïste) alors le voir ici, en héritier d’Humphrey Bogart (la même capacité à avoir la classe en étant un enfoiré), n’hésitant pas à être un bad guy pour arriver à ses fins mais avec un sens moral aigu (il ne veut que la part d’argent qu’on lui a volé, pas plus), moi je dis que c’est du tout bon. Dommage qu’en face, il ne trouve personne pour lui opposer un jeu solide (Kris Kristofferson en méchant j’y crois très moyennement et James Coburn est plus drôle qu’effrayant).

Reste que Payback ne se prend pas la tête ni se la joue trop sérieux : c’est un film hommage, un divertissement rythmé et efficace (les scènes d’actions sont brutales et rapides) et qui sans deux-trois défauts aurait pu atteindre le meilleur niveau. Il n’en est pas moins une sacré claque dans la tronche quand on pense à ce que fait Hollywood habituellement.

Note : ****

Le Miraculé

2010-07-09T00:07:00.000+02:00

Jean-Pierre Mocky, c’est un peu comme le poumon de brebis farcie à la sauce à la menthe : on le digère ou pas. Il faut dire que le loustic s’est illustré dans bon nombre de critiques, pas toujours très subtiles, des travers de la société. Alors quand il se frotte à l’Eglise et en particulier Lourdes et son univers plus capitaliste qu’ecclésiastique, on est en droit de s’attendre à du lourd.

Et ça, on n’est pas déçu, c’est du lourd. Enfin, du lourdingue devrais-je dire : peut-être que le film a fait son petit effet à sa sortie mais aujourd’hui, l’humour gras, pataud et pas drôle ne fait plus mouche. Pire, il est aussi drôle que la messe du dimanche sur France 3, y a qu’à voir. Au-delà des caricatures poussées (le curé belge, la bohémienne qui s’habille à la Esmeralda de Notre-Dame de Paris) et des personnages mal croqués (le petit malfrat, l’inspecteur des assurances, le beau et jeune prêtre et la prostituée convertie), le scénario est bien lent et long pour dire… ben pas grand-chose en fait. Quelques idées vachement cyniques sont bien présentes pour détendre le tout (la secte des chaises roulantes) mais ça s’arrête là.

Côté acteurs, on a déjà vu mieux aussi : Poiret est aussi crédible en voyou que ne le serait Ponce Pilate dans un remake de La mélodie du bonheur, Serrault en fait des tonnes et Moreau en Marie Madeleine à la date fraîcheur dépassée est transparente. Un trio de choc qui choque surtout par sa faiblesse de jeu, acteurs ayant perdu la foi vis-à-vis d’un film dont ils ont du sentir le potentiel gâché.

Et ce n’est pas la réalisation qui rattrape le tout. Autant Mocky peut parfois être inspiré (sa manière de filmer la cité dans A mort l’arbitre m’avait plutôt surpris) autant ici, le film est aussi passionnant que la traversée du désert d’Abraham version longue. C’est plat, sans audace, sans vie même, ressemblant parfois plus à un téléfilm qu’à un vrai long métrage de cinéma. Si on pourrait encore comprendre ce problème dans les films récents du cinéaste (qui, il est vrai, est loin de connaître l’aisance d’un Spielberg pour monter ses projets), à l’époque il avait de l’argent donc pouvait faire mieux.

N’en déplaise aux fans de Mocky, j’affirme que ce film n’a rien de drôle, tout au plus fait-il sourire de temps à autres (et parfois malgré lui, ce qui est quand même un poil embêtant). Quand on imagine quel film aurait pu être réalisé sur ce sujet, on a encore plus mal. Au royaume de la critique les lourdingues n’ont définitivement pas leur place.

Note : *

Gladiator

2010-07-07T01:49:00.000+02:00

Le général devenu esclave. L'esclave devenu gladiateur. Le gladiateur qui défia l'empereur. Et le film qui remis le péplum au goût du jour.

Enfin, façon de parler : on ne peut pas dire que les suivants dans les années 2000 ont remporté le suffrage universel (en même temps, Alexandre et son Colin Farrell version gay qui ne s’assume pas et Vercingétorix avec Christophe Lambert… Comment dire sans être blessant… Non je préfère m’abstenir). Il n’empêche : Gladiator a su faire revivre un court instant un genre tombé en désuétude et que j’avoue apprécier assez fortement (oui, je sais, ça commence à faire beaucoup les genres que j’apprécie énormément, j’aurais plus de chance de dire ceux que je n’aime pas : zut, na).

Je vais vous parler de la version longue ici. Pas la director’s cut, comme s’en défend Ridley Scott dans l’introduction du dvd, mais bien la version longue (ce qui en soi n’est qu’un argument marketing en plus mais bon). Mais que contient-elle au juste ? Pas grand chose en réalité : une scène où Maximus voit les morts et blessés après la bataille en Germanie, une autre où la sœur de Commode complote dans son dos, quelques rallonges par-ci par-là de scènes existantes…

La version longue est toutefois intéressante dans la mesure où elle renforce la dimension politique du film, un peu délaissée dans la version cinéma qui est elle, sans conteste, fort axée sur l’action. Ce n’est pas un reproche, loin de là : les scènes d’action sont tout simplement magnifiques, de la dantesque bataille contre les Barbares aux combats de l’arène, chaque séquence est un moment de bravoure à lui seul. Mais un peu plus de profondeur, plus de subtilité dans le récit n’est en rien déplaisant non plus, même si ce n’est pas encore du haut niveau.

Côté réalisation, Ridley Scott s’applique, et malgré une légion d’erreurs cinématographiques et historiques, nous fait passer un agréable moment via une mise en scène esthétiquement aboutie et visuellement forte. On est content aussi de voir que le film se démarque des péplums d’autrefois : pas d’allusions à la religion ici (comme dans le Spartacus de Kubrick) mais seulement l’histoire d’un homme devenu gladiateur (comme Spartacus) qui se bat pour une cause (comme Spartacus) et mourra en martyr mais heureux (comme… HÉ LÀ UNE MINUTE !!).

Dans le rôle principal, Russel Crowe assure, et ce n’est que chose logique qu’il ait pu devenir une star après ce film tant sa performance est agréable à regarder. Face à lui, quelques vétérans qui tiennent la distance (Richard Harris et Oliver Reed), un jeune acteur prometteur à l’époque (Joaquin Phoenix, qui porte définitivement mieux la couronne de laurier que le bonnet de rappeur (didju Joaquin reviens au cinéma !)) et une charmante Connie Nielsen un peu trop transparente en réalité (déjà qu’une Danoise pour jouer une Romaine ça le fait moyen…).

Un divertissement de haut vol donc, violent et intelligent, audacieux et visuellement toujours aussi beau dix ans après.

Note : ****

The Ghost Writer

2010-07-05T00:01:00.001+02:00

Il est habituel d’entendre dire qu’il existe deux Polanski : un plus personnel et un plus populaire. Personnellement, je trouve que les deux cohabitent très souvent au sein d’un même film, avec plus ou moins de brio. Et bon, parfois, effectivement, j’avoue, on a droit à un Polanski un poil plus grand public qu’intime. Comme ici avec Ghost Writer.

Le constat est facile à faire : nous sommes ici en présence d’un pur produit made in Polanski (ambiance paranoïaque et multitude de huis-clos, thèmes du complot et de la relation maître-esclave) et techniquement, rien à redire, mais cela reste trop superficiel pour un cinéaste de cette envergure. Je sais je sais, on va encore me dire « oui mais si on commence comme ça… » eh ben zut moi je le dis na ! Car il faut admettre que derrière son aspect thriller bien ficelé et bien mené, Ghost Writer n’est pas l’œuvre tant attendue de la part d’un mec comme Polanski, et les déboires juridiques de son réalisateur n’ont rien à voir avec tout ça.

Au-delà d’une forme impeccable, le fond lui en revanche est plutôt décevant : si l’ensemble tient la route, force est de reconnaître que ça sent le déjà vu, qu’il n’y a guère de surprise, que c’est souvent attendu et, pire, que la dernière demi-heure s'essouffle rapidement avant de sombrer dans une série de twists prévisibles à mort (le final a ceci pour lui, il est d’un humour noir propre au cinéaste mais est presque inévitable j’ai envie de dire).

Et c’est bien dommage car les acteurs sont tout aussi bons que la réalisation. On a beaucoup parlé du contre-emploi de Pierce Brosnan en ex-politique pas net, mais j’avoue lui avoir largement préféré Ewan McGregor, tout en finesse, qui mène véritablement le récit. Olivia Williams dans le rôle de l’épouse énigmatique est très bien aussi, mais j’avoue avoir été perturbé par les seconds rôles : Kim Catrall dont j’attendais plus, les has-been Timothy Hutton et James Belushi et un Eli Wallach bien trop courts et qui en soi n’apportent pas grand chose au film. A nouveau, je suis resté sur ma faim.

Reste que là je chipote, je chipote, mais Ghost Writer demeure un divertissement de haut vol, cérébral, un bon vieux thriller à l’ancienne, tout dans l’ambiance et les acteurs, aux échos contemporains plus qu’évidents. Pas un chef-d’œuvre mais une belle réussite.

Note : ***

Iron Man

2010-07-03T08:39:00.000+02:00

Voilà une dizaine d’années que les super-héros ont la cote au cinoche. Certains y verront une réponse au 11 septembre pour rassurer les Américains ; d’autres diront qu’Hollywood manque cruellement d’imagination pour aller puiser dans des comics existants depuis des décennies ; d’autres encore diront qu’ils s’en foutent tant que le film est bon. Oui sauf qu’en matière de super-héros ben on n’en a pas eu des tonnes de bons films !

Et puis vient Iron Man. Non parce que faut pas déconner : Superman et son brushing impeccable ou les Quatre fantastiques imbéciles, c’est bien gentil mignon tout plein mais l’heure est aux héros sombres, asociaux, ambigus. Iron Man ne l’est pas tant que ça, mais sa désinvolture, sa nonchalance, son flegme et sa grande prétention font de lui un être arrogant et imbu de lui-même, particulièrement séducteur et drôle ce qui le rend encore plus irritant.

On a donc un personnage hors normes, mais est-ce que le reste suit ? Eh bien curieusement oui : Jon Favreau, inconnu au bataillon (naaaan arrêtez de rappeler qu’il a fait cette chose qu’est Zathura avec la monolithique Kirsten Stewart, c’est pas sympa), propose un film d’action LI-SI-BLE. Je me permets d’insister sur ce point car il n’y a pas à dire, c’est quand même mieux quand on voit et comprend ce qui se passe à l’écran (Michael B., si tu me lis).

Mais il n’y a pas que ça : le scénario est enfin IN-TE-LLI-GENT. Bon ok là j’abuse un peu mais au moins cette fois, pas de romance débile, une réactualisation intelligente (l’Irak remplaçant le Vietnam du comic d’origine) et un tempo normal (et pas accéléré pour arriver vite fait bien fait à la baston). Après, l’histoire ne casse pas trois-pattes à un canard soyons clairs, elle est même très légère et pas travaillée en profondeur (mais le 2 fera pire).

Et enfin, et surtout, le casting. Pour ne pas blesser gratuitement, je ne citerai pas de noms, mais il faut bien reconnaître que les acteurs des Quatre fantastiques ou Superman Returns étaient à côté de leurs pompes. Ici, the right man in the right place : Robert Downey Jr, l’enfant terrible d’Hollywood, le rebelle à la grande gueule, pile poil l’incarnation de Tony Stark, endosse le costume de l’homme en fer de manière plus que séduisante : il EST Iron Man. A tel point qu’il éclipse ses partenaires, de la Gwyneth Paltrow sympathique à un Jeff Bridges en méchant un peu trop caricatural. Reste que l’ensemble tient la route et on n’a pas envie de vomir en les voyant (pas comme ceux des Quatre fantastiques qui… ok j’arrête).

Où est le problème ? C’est qu’au-delà d’un script trop léger vu le potentiel, la réalisation de Jon Favreau est inexistante. Certes, l’ensemble est propre et les effets spéciaux, réussis, s’inscrivent bien dans le film, mais celui-ci manque de punch, d’audace, d’originalité, et surtout d’une vraie patte d’auteur. Et comme Favreau n’est ni Tim Burton (Batman Returns), ni Sam Raimi (Darkman, Spiderman), ni Christopher Nolan (Dark Knight) et ni Zack Snyder (Watchmen), il ne parvient pas à hisser son film au-delà du simple divertissement. Reste que dans cette dernière fonction, Iron Man assume très bien son rôle : le cahiers des charges est donc rempli à défaut d’autre chose.

Note : ***

Robin Hood

2010-05-12T21:20:00.002+02:00

Robin des Bois, Robin Hood, Les aventures de Robin des Bois, La rose et la flèche, Robin des Bois : prince des voleurs, Trobin Hood (Prince of Beaves) ou encore Robin’s Wood (si si, les deux derniers existent rayon + 18 ans) : il en aura connu des adaptations ce célèbre Croisé devenu voleur et, soi-disant, héros de la veuve et de l’orphelin fauchés comme les blés qu’ils n’ont même plus. Qu’apporte cette nouvelle version signée Ridley Scott, plutôt en déclin ces dernières années ?

Pas grand-chose. Sous prétexte d’aller chercher l’homme derrière la légende, la genèse de ce qui deviendra le plus grand de tous les voleuuuuurs (air connu mais je confonds), Scott propose une approche réaliste de l’histoire. Globalement, c’est une copie de Gladiator, en moins bien : on retrouve un Russel Crowe qui en veut, des seconds rôles réussis et souvent drôles (les compagnons de Robin et surtout frère Tuck), des scènes de combats sympas avec grosse figuration à la clé et une inscription d’un personnage fictif dans un contexte historique authentique (en l'occurrence ici, la vraie mort de Richard Coeur de Lion et l'état politique et socio-économique d'une Angleterre en guerre : Robin ne se bat pas pour aider les pauvres mais pour des égalités sociales, avec une première version de la Grande Charte que signera effectivement Jean Sans Terre en 1215).

Tout cela hélas ne sauve pas le film long et plutôt ennuyeux, d’autant qu’il faut compter sur 2-3 scènes de batailles seulement sur 2h30 de films, le reste étant du bavardage. Et si les décors et les costumes en mettent plein les mirettes, cela ne cache pas non plus des erreurs scénaristiques (des retournements de situations archi-prévisibles, des lacunes au niveau de la cohérence, un Robin des Bois qui joue très peu de son arc ???) ou techniques (magnifique saute d’axe lors de la scène de bataille finale).

Côté casting, car il faut reconnaître qu’il est sympa, on appréciera les performances de Russel Crowe, décidément à l’aise dans ce genre de personnage même si à l’encontre de l’image du Robin fin athlète que l’on a depuis des générations, et une Cate Blanchett qui se défend fort bien aussi. Personnellement, ce sont les seconds rôles qui m’auront séduit, des méchants Mark Strong et Oscar Isaac, plutôt sympas dans le genre « petite crapule qu’on pendrait bien par les orteils pour leur apprendre à vivre à ces baltringues », aux anciens William Hurt et Max Von Sydow (plutôt drôle, ce qui vous avouerez change de ses rôles bergmaniens).

Un film pas désagréable, pas dégueulasse non plus mais qui une fois consommé ne reste guère longtemps en tête.

Note : **

PS : avis à la population : ni les archéologues, ni les scientifiques, ni les historiens, ni la s.p.a., ni les raëliens n’ont pu m’expliquer la présence peu subtile lors de deux plans d’un immense cheval blanc sur le flanc d’une colline, sans que cela interfère le moins du monde sur le reste du film. J’offre donc une folle nuit d’amour ou du moins ma gratitude éternelle et celle de ma descendance à quiconque m’expliquera la présence de ce foutu cheval si ce n’est un pari stupide avec l’infographiste du film.

Steamboat Bill Jr

2010-05-01T03:45:00.000+02:00

Comment faire un bon film de Buster Keaton ? La recette est simple mais difficile à exécuter.

Tout d’abord, prenez une histoire d’amour jouée d’avance. Chez Keaton, il n’est nul besoin (la plupart du temps) de conquérir la demoiselle mais de la reconquérir. L’avantage c’est que, de la sorte, la romance ne domine pas le récit, tout en restant le moteur dramatique de l’histoire puisque le personnage de Keaton se surpassera et affrontera tous les dangers pour sa belle.

Prenez ensuite une bonne dose d’humour moderne. Attention, je ne dis pas que Buster Keaton n’a pas recourt à des slapsticks comme les autres comiques du burlesque : lui aussi glisse, tombe, se cogne etc. mais la force comique de Keaton réside pourtant dans une certaine subtilité ou, ce qui est plus ironique, dans des blagues et jeux de mots dans les cartons de texte (je trouve cela ironique dans la mesure où Keaton jouait beaucoup sur les mots… et ne passa jamais le cap du parlant).

Mixer le tout de manière assez équilibrée, sauf dans les 20 dernières minutes. En effet, comptez un bon tiers d’exposition du récit (en gros une transposition moderne de Roméo et Juliette), un second tiers regorgeant de quelques gags et au sein duquel, bien souvent, Buster perd tout, et enfin un dernier tiers enlevé et souvent anthologique dans l’enchaînement des gags et, surtout, des cascades. Ici, en l’occurrence, la séquence de la tempête est inoubliable, Keaton tentant désespérément de se sortir vivant d’un piège grandeur… nature. Le point d’orgue revient certainement à ce plan, hallucinant, où une façade de maison tombe à plat sur lui, qui ne doit sa survie qu’à une petite fenêtre. Immense !

Mais que serait tout cela sans Buster. Cet homme pour qui le cinéma était plus qu’un divertissement. Cet artiste pour qui le burlesque devait reposer sur une précision chirurgicale et des gags extrêmement calculés, cet acteur qui privilégiait le plan d’ensemble au gros plan, car ce qui comptait ce n’était pas lui mais bien la scène. Ce petit gaillard qui, contrairement à Max Linder ou Charlie Chaplin, ne s’était pas inventé un personnage type, mais restait naturel, une sorte de monsieur tout le monde capable de se sortir de n’importe quelle situation et de finalement trouver l’amour. C’est peut-être pour toutes ces raisons, et d’autres encore, que je préfère Buster Keaton à Charlie Chaplin…

Note : ****

Shutter Island

2010-04-23T00:01:00.002+02:00

On peut affirmer sans crainte qu’il existe deux Scorsese : un véritable auteur d’une part, et un cinéaste commercial d’autre part, brillant au demeurant. La couleur de l’argent, Les nerfs à vif, The Aviator ont prouvé que le cinéaste était plus que compétent à Hollywood, et Les Infiltrés a même réussi à souligner le talent incroyable du cinéaste à s’investir dans une œuvre impersonnelle comme un remake. Qu’en est-il de ce Shutter Island, adaptation d’un best-seller ?

Eh bien il ne faut pas se voiler la face : malgré son génie, Scorsese n'est ni Hitchcock (Spellbound) ni Kubrick (Shining), qu'on se le dise. Il n’empêche : il reste encore et toujours l'un des techniciens les plus brillants en activité. Le film est propre et clair, parfois un peu trop en se perdant dans le longues explications ou de longs bavardages qui font retomber la tension, à l’image de la dernière demi-heure qui si elle est essentielle n’en demeure pas moins un peu molle. L’ambiance est toutefois à souligner : par un habile jeu de lumière mais, surtout, une utilisation toujours aussi impressionnante de la musique (de Mahler à John Cage en passant par Ligeti), le film est angoissant et claustrophobe à souhait. Je regrette peut-être une utilisation moyenne des effets spéciaux (les séquences de rêves, pas toujours au point) mais ce n’est qu’un détail.

Côté acteurs, ils sont tous très agréables à regarder, DiCaprio n’étant peut-être pas aussi à l’aise que ne le sont Ben Kingsley ou Max Von Sydow dans leurs rôles ambigus. J’avoue avoir vraiment adoré la performance, courte mais efficace (il supplante carrément DiCaprio en 10 minutes) de Jackie Earle Haley (le Rorschach de Watchmen), qui reste définitivement un acteur au jeu puissant. Quant au scénario, il contient assez de rebondissements et de scènes angoissantes pour tenir la longueur, s’amusant à glisser de fausses pistes de ci de là.

Reste que tout cela n'a plus grand chose de scorsesien si on enlève tous les clins d'oeil cinéphiliques, subtils ("C'est le Kansas ici !" durant une tempête, écho à Wizard of Oz) ou non (Shining justement). Il n’y a pas cette patte qui faisait justement des Infiltrés un film de commande et personnel à la fois. Les fans purs et durs diront donc qu’il s’agit d’une œuvre mineure dans la filmographie du cinéaste. Ce à quoi je répondrai qu’un Scorsese, même mineur, reste un film au-dessus de la moyenne.

Note : ***

Mort ou vif (The Quick and the Dead)

2010-04-21T00:01:00.000+02:00

Wanted : Sam Raimi. Crime : être un surdoué.

Pensez donc : non content d’avoir fait une trilogie de films d’horreur culte de chez culte ou de réaliser des films de super héros dignes de ce nom, le prodige est aussi capable de réaliser des films dans des genres où on ne l’attendait pas forcément !

Faut dire que le western, en 1995, c’est un peu le désert et pas qu’au figuré ; tout au plus Clint Eastwood a-t-il, quelques années plus tôt, offert une sorte de chant du cygne du genre avec Impitoyable. Et voilà que Raimi va réussir l’improbable : réaliser un western à part et qui a pourtant bien sa place dans le genre.

Pour l’aider, un casting de rêve pour les connaisseurs : Sharon Stone et Gene Hackman en vedettes, Russel Crowe, Leonardo DiCaprio (tous deux inconnus ou presque alors), Gary Sinise et Lance Henriksen en seconds couteaux (et même pour les fans de Saw un Tobin Bell en bandit). Tous sont merveilleux, mais c’est bel et bien Gene Hackman qui l’emporte, crapule achevée et tueur sans pitié dirigeant en tyran un misérable village à la frontière mexicaine. Une performance énorme d’un acteur qui l’est tout autant.

Revenons au film en lui-même : inutile déjà de chercher un scénario, il n’y en a presque pas. Une cow-girl arrive à Redemption pour se venger du propriétaire qui a gâché sa vie, tout ça tient sur une feuille à cigarette, et ce n’est pas les problèmes existentiels de chaque personnage (la jalousie du fils, la volonté de rédemption de l’ancien bandit) qui changeront grand chose. A noter quand même que chaque personnage est parfaitement stéréotypé pour être facilement identifiable.

Chez Raimi, il faut souvent (mais pas toujours je l’accorde) chercher du côté mise en scène pour être épaté. Comme ici : film-éponge, Mort ou vif emprunte, référence, plagie et parodie à la fois les films de John Ford, Samuel Fuller et surtout Sergio Leone, en accommodant le tout à sa sauce, à cette réalisation survoltée et post-moderne, proche du dessin animé ou du comics avec en toile de fond un vrai souci de ce qui constitue la mise en scène (lumière, décors, etc.)

En résulte un film patchwork mais avec sa propre identité en profondeur, l’un des derniers grands coups d’un cinéaste aujourd’hui enfermé dans un système hollywoodien qui bride son génie underground. Espérons que Raimi revienne à ce niveau au plus vite, car c’est bel et bien là qu’il excelle, dans l’art de transfigurer ce qu’il touche en film résolument culte.

Note : ****

The Fantastic Mr Fox

2010-04-19T00:01:00.001+02:00

Wes Anderson : "Je ne pensais pas vraiment en terme de public. Je faisais un film pour enfants, je savais que je devais respecter certains paramètres, mais je n'ai jamais raisonné en me demandant ce que les enfants aimeraient voir. Je me basais surtout sur ce que je pensais être le mieux, ce qui m'amusait moi." Ca c'est clair, c'est de l'humour à la Wes !

Sous couvert d’un dessin animé donc, Wes Anderson vient s’amuser comme un petit fou. Entre allusions, subtilités, piques et autres bons mots, on assiste à du grand cru côté dialogues. L'humour est le tenant même du film : par exemple, Wes Anderson s'amuse à supprimer toute fausse émotion des scènes (romance, mélo, drame) par un humour parfois noir. Entre autre,s on aura donc droit à une histoire de la queue de Fox, au passé peu farouche de sa dame, à des « fils de flûte » en veux-tu en voilà et même des tue-l’amour et une absence de respect des morts ! Tout ça avec ce côté bon enfant vicieux qu’on aime tant.

Ces dialogues, ce sont des personnages magnifiquement croqués qui les débitent, entre ce vieux rusé de renard, ce blaireau avocat ou encore cet opossum un brin attardé. Tous, y compris les méchants (magnifiques stéréotypes des vilains fermiers face aux gentils animaux de la forêt) sont irrésistiblement drôles.

L'animation est elle aussi vraiment bien faite. Il ne fallait pas attendre de Wes Anderson quelque chose de propre, numérique, tout ça, et à raison puisque le côté rétro de l’animation image par image des figurines colle parfaitement à l’univers que s’est construit le cinéaste et qui transparaît encore ici.

Reste juste que ce n'est pas tout à fait un film pour enfants, mais plutôt pour ados. Mais au diable tout ceci : le film est aussi délicieux qu’un poulet au cidre, qu’on se le dise !

Note : ****